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2001: Una odisea del espacio

2011-06-19T07:57:00.001-07:00

TÍTULO ORIGINAL 2001: A Space Odyssey
AÑO 1968

DURACIÓN 139 min. Trailers/Vídeos

PAÍS Sección visual

DIRECTOR Stanley Kubrick
GUIÓN Stanley Kubrick & Arthur C. Clarke (Novela corta: Arthur C. Clarke)
MÚSICA Richard Strauss, Johann Strauss
FOTOGRAFÍA Geoffrey Unsworth
REPARTO Keir Dullea, Gary Lockwood, William Sylvester, Daniel Richter, Douglas Rain (HAL 9000 voice), Laonard Rossiter, Margaret Tyzack, Robert Beatty, Sean Sullivan, Frank Miller, Penny Brahms, Alan Gilfford, Vivian Kubrick
PRODUCTORA MGM
PREMIOS 1968: Oscar: Mejores efectos visuales. 4 nominaciones: director, guión y dirección artística
GÉNERO Ciencia ficción | Aventura espacial. Película de culto
SINOPSIS La historia de la humanidad, en diversos estadios del pasado y del futuro, es narrada en la película de ciencia-ficción de culto por excelencia de la historia del cine. Hace millones de años, en los albores del nacimiento del homo sapiens, unos simios descubren un monolito que les lleva a un estadio de inteligencia superior. Otro monolito vuelve a aparecer, millones de años después, enterrado en una luna, lo que provoca el interés de los científicos humanos. Por último, HAL 9000, una máquina de inteligencia artificial, es la encargada de todos los sistemas de una nave espacial tripulada durante una misión de la NASA. (FILMAFFINITY)

CRÍTICAS ----------------------------------------
"La cinta más polémica, magnética y genial de Kubrick (...) La elipsis del hueso-espacio, el monolito y el enmudecimiento de Hal forman ya parte de la iconografía del siglo" (Luis Martínez: Diario El País)
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"Maravillosa obra, sin duda toda una revolución en su época" (Fernando Morales: Diario El País)
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Te puede interesar cómo hace cinco millones de años, un grupo de primates, pudo adquirir una cualidad única entre los otros animales. La inteligencia?.
¿Te puede interesar la reciente aparición de la inteligencia artificial, y como ésta puede rebelarse contra su creador,"el ser humano"?
¿Te puede interesar el futuro de la "inteligencia" desvinculada de las ataduras de un ser vivo o artificial?
Pues esta película te presenta esto: el pasado, el presente, y un posible futuro para el ser humano.
¿Qué otra película se ha atrevido a contar una historia semejante?.Creo que ninguna otra. Quien diga que esta película no tiene historia...Me callo.
2001...se rodó para el cine, se presento en Cinerama, comparable al IMAX de hoy en dia. El ritmo narrativo está pensado para apoyarse en el formato espectacular de la gran pantalla. Donde el espectador podía contemplar cada detalle en su justa medida de tiempo y sumergirse en las profundidades del Universo.
Me admiro que les haya gustado a personas que solo la han visto en la butaca de su casa, y creo que muchas opiniones negativas cambiarían si tuvieran la oportunidad de verla en el formato para el que fue creada.
Yo la vi con 17 años en una reposición del año 1978, que se produjo supongo para aprovechar el éxito de la recién estrenada, La Guerra de las Galaxias.
Salí del cine desconcertado, había ido a ver, lo que suponía sería una película de acción, con efectos especiales, y me encontré con el discurso de kubrick y Clarke.
En un primer momento pensé que no me había gustado, pero cuando llegué a casa ya me había convertido en un fan. Al dia siguiente la volví a ver, y ahora ya he perdido la cuenta.
Creo que visualmente, la película es aún totalmente válida, y lo que nos cuenta por supuesto que también.
Se anticipó a su tiempo, y con el paso de los años se han ido cumpliendo todos sus argumentos.
Incluso en la escena en que el científico que viaja a la estación orbital y habla por video teléfono con su hijita de cinco años, y ésta le pide que cuando regrese a casa, le traiga un teléfono. Cuando la vi por primera vez, pensé: ¿que niña desearía un teléfono como regalo de cumpleaños?. Ahora viendo la fiebre de los móviles, entiendo perfectamente que sea el regalo que pueda desear un bebe.
En fin para aquellos que no la han visto en el cine, les recomiendo que se apresuren a comprarse un proyector de video, y una pantalla de 2,5mt. o más grande si les cabe en casa. Se dejen de prejuicios, abran sus mentes a una historia que exige algo más del espectador, de lo hoy en dia nos suele ofrecer Hollywood, y podrán disfrutar de una de las mas grandes creaciones del séptimo arte.
CARLES

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Esta en mi top 10 de películas sobrevaloradas.
No he leido el libro en que se basa la película, pero eso es indiferente, no estamos hablando del libro, hablamos de una película, y como tal es tediosa y pretenciosa.
Muchos puntuan la película con las notas de banda sonora en la cabeza, quítale eso y solo ves en tu cabeza un mono haciendo el chorra con un hueso.
Es discutible desde muchos puntos de vista, pero sobretodo desde el antropológico. Si están apareciendo hombres más viejos en Atapuerca que los monos africanos de los que en teoria descendemos, ¿a nadie más le parece que puede que los científicos estén dando palos de ciego?, ¿no habrá que jubilar a Darwin?. Pues Kubrick es como el Darwin del cine, llegó un punto en que todo lo que hacía/decía era ley, no importaba que la gente interiormente discrepara, se le aplaudía porque no hacerlo te dejaba en el vagón de los tontos que no entendían su genialidad. Cuando la unica realidad es que la mayoría de los genios no tienen nada de geniales, ni el Papa es infalible, así que fíjate tu el panorama.

Odisea de la humanidad
“2001” es ese monolito, ese tótem cinematográfico que marca un antes y un después en la cine de ciencia ficción. Esta palabra le corresponde con toda justicia. La preocupación de Kubrick por el verismo de todo lo que aparecía en la pantalla hace que estemos ante una película en la que las especulaciones que muestran vienen sostenidas por sólidas bases hasta hacer de “2001” una ficción, exenta de realidad, pero llena de realismo.
En sí es una ópera (es grandiosa, épica desde las primeras imágenes. Kubrick hablada de “odisea de la humanidad”) en tres actos, cada cual más subyugante e inspirado, hecha desde una inspiración asombrosa (no se volvió a hacer una película tan arriesgada), pero destilada hasta la pureza, lo que hace que sea una película milimetrada, magistral, donde nada sobra o falta para lograr un espectáculo fascinante y enigmático.
Es cine en estado puro. Pese a su extenso metraje, no creo que lleguen a 20 minutos los diálogos de la película, lo que hace que toda la fuerza, toda la fascinación venga dada por una imagen cuidada, impactante, magnética, que se queda grabada para siempre en nuestras retinas. A esto se suman unos efectos especiales (ideados por el propio Kubrick y Douglas Trumbull, que también fotografiaría y haría los fx de “Blade Runner”) que aún hoy mantienen el tipo.
Ninguna película ha hecho correr más ríos de tinta que esta. O se la ama o se la odia; ¡pero es imposible permanecer indiferente ante ella! Un guión maravilloso, basado en un relato corto de Arthur C. Clarke, nos lleva desde los albores de la humanidad (aprovechando para mostrarnos el primer asesinato de la historia) hasta un nuevo y inescudriñable amanecer. Entre estos dos extremos toda una descarga de imágenes, de una puesta en escena majestuosa, con un montaje que hace que la imagen te impregne, te lleve a reflexionar, pues en esta película Kubrick muestra todo, pero no explica nada (Clarke, cuando posteriormente hizo el libro se encargo de despejar en sus párrafos todos los misterios que contenía “2001”) y una música que trasciende su mero papel de acompañante hasta hacerte sentir la “sinfonía del universo” (Ningún director se acerca al manejo magistral que Kubrick siempre logró con sus bandas sonoras). La danza espacial al ritmo del “Danubio Azul”; la inmensidad y soledad del universo remarcado por las inspiradas notas de György Ligeti, o el archifamoso amanecer lunar al son de los compases de “Así habló Zarathustra” siguen resonando en nuestra memoria.
Punto y aparte merece el duelo de HAL 9000, quizá la parte más clásica de la película, pues puede ser contemplada cómo un sólido thriller de la máquina (es el personaje mejor construido, el más humano, y a la vez el más abstracto) contra el hombre.
Solemos llamar al cine “7º Arte”; pero hasta que no llego “2001” no podemos aplicar con justicia este término, pues sale del territorio de calificativos como magistral para situarse como “obra de arte”. Nada más y afortunadamente nada menos.
Strhoeimniano

El retorno de los dioses
La obra más controvertida de Stanley Kubrick, 2001: a space odyssey es una película de la que se ha dicho mucho y no se ha entendido demasiado. Es una de esas cintas mitificadas o detestadas, admiradas o hipervaloradas, pero nunca ignoradas. Kubrick reunió todo su malevolente conocimiento filosófico y sociológico e ironizó con él; adaptó de forma absolutamente personal dos ambiguas obras del escritor Arthur C. Clarke, El vigilante (un relato breve de tan sólo 11 páginas) y El fin de la infancia, posiblemente su mejor novela, y compuso una sinfonía al ritmo que le marcaba su inextinguible poder creativo. No pretendía convencernos de nada, tan sólo sugerirnos la belleza, el infinito, lo trascendental y maravilloso que todos llevamos en nuestro interior a través de una narración extemporánea, un cálido amasijo de impresiones y revelaciones, un encuentro con nuestros orígenes y nuestro destino en un hipotético pliegue del tiempo. Puede resultar pedante su arrogancia, egocéntrica su puesta en escena, aburrida en determinados momentos su narración, insufrible su metódico y angustioso ritmo; y quizá todo esto sea cierto… pero el poder de fascinación de 2001 ha perdurado durante décadas y lo seguirá haciendo dentro de muchas generaciones. Tal vez eso sea lo que algunos denominan, sin rubor, “arte cinematográfico”.
(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo
spoiler:

Kubrick da comienzo su obra con media hora de poderoso magnetismo: “El alba del hombre”, escenas rodadas íntegramente en un estudio y que el director de fotografía, John Alcott, se encargó de que parecieran paisajes inmensos del África septentrional. Allí se desarrolla una narración simbólica, paradójica, llena de significados: un grupo de simios antropomorfos obtiene el don de la inteligencia a través de un ser superior. Esa intromisión en nuestra evolución natural conlleva el conocimiento de la violencia, la consciencia de ser superiores, el abuso del poder y la arrogancia del más fuerte. Kubrick (y en definitiva Clarke) suponen el inicio de nuestros orígenes en relación con la guerra y el odio más visceral, definiendo el carácter y las acciones del hombre del futuro.

El sofisticado viaje espacial hacia una luna de Júpiter se ve frustrado tras el intento de boicot de los tripulantes contra HAL. El poder absoluto de la máquina se ve amenazado por seres inmensamente inferiores en su capacidad cognitiva. Al igual que los homínidos prehistóricos, HAL encuentra la respuesta en la violencia, en la exterminación de la amenaza con un arma tan sofisticada como el control de todos los instrumentos de la nave espacial. HAL sólo intentará evitar su muerte virtual, la desconexión de su “vida”, sintiéndose cada vez más cerca de su propia consciencia de “ser vivo”.

El último tripulante logrará al fin desconectar la todopoderosa computadora y a partir de esa escena, el director desarrolla los minutos más absorbentes, hipnóticos y perturbadores de toda la película. Kubrick nos acerca de nuevo a la naturaleza y estructura del inextinguible ser superior con la sugerente forma de un monolito perfecto (no encontró mejor manera de mostrarnos algo tan incorpóreo como la sabiduría ilimitada); el director nos sugiere su poder creador a través de los ojos de ese último ser humano superviviente, nos enseña la formación de mundos, los orígenes de planetas, el control de las fuerzas que dominan el cosmos, los colores del inicio del universo en un magnético y sorprendente espectáculo visual.

Por último, el astronauta se convierte en el testigo presencial del misterio de la formación de mundos y universos, y protagonista único de la creación de la vida... de su propia vida como ser humano, agotando las lógicas y temporales etapas de su existencia para convertirse en semilla primigenia de una especie superior. Unos veinte últimos minutos plenos de simbolismo, de imágenes marcadas por la expresividad y la plasticidad, una amalgama de colores, volúmenes y formas en un homenaje voluptuoso a su propia imaginación y genialidad cinematográfica. Pedante, ególatra... puede ser, pero su obra resulta fascinante e imprescindible.
Baxter

Samuel

2011-05-07T07:07:00.000-07:00

La película Samuel llegará a la pantalla grande

La ópera prima del director oriundo del Acarigua, estado Portuguesa, César Lucena y ganadora del Maratón Cine Átomo de Mérida, Samuel, se estrenará este viernes en 11 salas de cine a nivel nacional.

Edgar Cayce, célebre psíquico estadounidense nacido en el siglo XIX, fue quien inspiró al joven director para escribir la historia de Samuel.

“Cayce descubrió que tenía el don de diagnosticar y tratar a los enfermos estando él bajo hipnosis. Pero no se trataba de hechicería ni de nada sobrenatural. Me llamó la atención la historia y me pregunté cómo sería si esto le ocurriera a una persona renuente a ayudar a los demás”, dijo Lucena.

Lucena escribió el guión en 2006, cuando estudiaba en la escuela de cine de la Universidad de los Andes (ULA). Al terminarlo se lo mostró al cineasta y fundador del Maratón Cine Átomo, Alberto Arvelo, quien quedó encantado con la historia de un campesino del páramo que descubre que tiene un don muy especial.

Samuel transcurre en San José del Sur, enclavado en las montañas de Mérida. El actor venezolano Erich Wildpret (Hora cero, Muerte en alto contraste), interpreta a Samuel, mientras que Ananda Troconis encarna a Alma, su noble y tolerante esposa.

También actúan el rapero Carlos Julio Molina (Dj 13), quien interpreta a Baudilio; el actor cubano Manuel Porto, en el papel del curandero Montoya, y Marisa Román, quien tiene una participación especial en la cinta como Engracia.

Alberto Arvelo, quien es productor de la película, explicó que Samuel es la primera película hecha por estudiantes de cine que se estrena en las carteleras a nivel nacional.

Asimismo, informó que la película fue realizada con ayuda de cinco estudiantes de la escuela de cine de la ULA y que el vestuario y el maquillaje lo realizaron los propios actores.

“La película demuestra que se puede contar una historia sin la necesidad de actores muy famosos o de grandes equipos o vestuario, sino hacerlo con nuestros propios medios, con nuestra propia fuerza y hacer cine de la manera más sencilla que se pueda”, concluyó.

La vida de Alma y Samuel discurre en los páramos de donde nunca han salido. Buscando una cura para la infertilidad de Alma, la pareja llega a las puertas de un excéntrico curandero extranjero que está de paso por las montañas. Allí, Samuel descubre que posee un poderoso e inesperado don que, sin poder evitarlo, comienza inexorablemente a cambiarle la vida. Preso de su propia fortuna y atado a un destino del que no puede escabullirse, Samuel emprende un viaje al más impredecible territorio de su propia alma, enfrentándose a una realidad que nunca hubiera elegido. La vida exige todo de él, incluso aquello que no puede dar.

Samuel, el estreno venezolano de hoy, es la ópera prima del joven realizador merideño, César Lucena. Protagonizado por Erich Wilpret y Ananda Troconis, quienes realizan un estupendo trabajo actoral, el film es además una nueva propuesta del movimiento de Cine Átomo impulsado por Alberto “Beto” Arvelo e inspirado en el famoso Dogma95, de los daneses Lars von Trier y Thomas Vinterberg: cine de bajo presupuesto, hecho con las uñas, con un equipo mínimo y en poco tiempo.

Aunque no por esto, con menos énfasis en la calidad. Si algo tiene Samuel es que, a pesar de haber sido realizada con un equipo de apenas cinco personas, su calidad técnica supera a algunas películas hechas con enormes presupuestos. Además, es la primera película realizada por un equipo integrado exclusivamente por egresados de la Escuela de Medios de la Universidad de Los Andes.

En el pre estreno del pasado miércoles, “Beto” Arvelo destacó el carácter colectivo del Cine Átomo: un cine que no puede ser realizado si no se desarrolla un fuerte vínculo de comunidad. Desde hace algunos años, Arvelo ha venido promoviendo el desarrollo del sentimiento comunitario dentro del cine venezolano, el cine venezolano entendido como un colectivo homogéneo.

Acaso Samuel, por ser un producto de las nuevas generaciones y, de paso, realizado con las restricciones propias del Cine Átomo, sea uno de los primeros ejemplos del cine comunitario que el realizador merideño propugna.

Samuel ha sido escrita también por César Lucena y fotografiada por Gerard Uzcátegui. Es una producción de Alberto Arvelo y Tony Fanel, junto a Jose Sousa, Pedro Mezquita y María Alejandra Kaufman. Carlos Julio Molina “DJ Trece”, Manuel Porto, Marisa Román, Andrés Pernía Díaz, Jeison Paredes, Rocio Flores, Anderson Monje y Leonidas Urbina acompañan a Wildpret y a Troconis en el reparto.

La prima angelica

2011-04-24T07:18:00.000-07:00

País: EspañaSINOPSIs

Género: Drama

año 1973
Duración 1:42:31

Idioma: Español

Tamaño del archivo: 830.241KB

Director: Carlos Saura

Intérpretes: José Luis López Vázquez, Lina Canalejas, Fernando Delgado, Mª Clara Fernández de Loaysa

--Al cabo de los años, Luis vuelve a Segovia trayendo desde Barcelona los restos de su madre para inhumarlos en el panteon familiar. Alli pasaba los veranos, en casa de su tia Pilar y la prima Angelica. La guerra civil retuvo a Luis en Segovia, lejos de sus padres y la convivencia con Angelica despertó sus primeros sentimientos amorosos. El hombre evoca aquellos dias y vuelve a su infancia con una prima Angelica casada y madre de una hija--------------------------------------
Recuerda Singular mirada de Carlos Saura, con guión de Rafael Azcona, a los mecanismos de funcionamiento de la memoria. Con una estructura compleja, cuenta el regreso a Segovia de Luis, un editor cuarentón, para enterrar los restos de su madre en el panteón familiar. Al llegar al lugar de su infancia, los recuerdos de una educación opresiva y su amor por la prima Angélica se apoderan de su mente. Ahora Angélica está casada en un matrimonio infeliz, y él se ve agobiado por los traumas del pasado.

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Película personalísima de Saura, según se trasluce de sus propias palabras: "Nunca he estado de acuerdo, tal vez a causa de mi experiencia personal, con esa afirmación comúnmente extendida que asegura que la infancia es la época dorada de la vida". Y en efecto, su visión es negativa, viene a decir que las malas experiencias marcan de por vida y no se pueden enterrar. El film fue Premio del Jurado en Cannes, y fue muy polémica en España por la visión negativa de un personaje falangista. Pero en un momento de política cultural aperturista del régimen, tuvo muy buena acogida de público y crítica.

Puede que Carlos Saura sea el director más irregular y que peor ha asimilado la vejez de los que conozco. La falta de imaginación de sus obras recientes me hace pensar si era tal ese talento que mostró en sus primeros años, sobre todo con ‘La Caza’ y ‘La prima Angélica’. Creo que no volveré a verlas por si las moscas, no quiero que se me caigan más mitos a la basura.

Nos encontramos en el año 1973, fecha en que se estrena la película, con la que gana el premio del jurado en Cannes. Saura continúa con su increíble hipercreatividad, con la que estrena una película cada dos años y vuelve a abordar como es de costumbre, el tema de la Guerra Civil como telón de fondo.

Aunque estilísticamente haya un abismo entre ambas, puede considerarse a ‘La prima Angélica’ una sucesora natural de ‘Peppermint Frappé’, experimento vanguardista al que el tiempo no le ha sentado demasiado bien. Carlos Saura se desprende en esta película del más o menos academicismo formal de sus dos primeros trabajos, para empezar a colaborar con el por entonces arriesgado director y hoy mito viviente del cine en español, Elias Querejeta. Por eso decimos que ‘La prima Angélica’ tiene algo de esa voluntad transgresora, además de su obsesión por la interpretación de los sueños y el psicoanálisis, las heridas del pasado y como estas desencadenan conductas enfermizas.

El argumento se presenta de la siguiente forma: Luis vuelve al pueblo en el que accidentalmente pasó una etapa de su niñez por la explosión del conflicto de la Guerra Civil española. Allí rememora cada uno de los episodios que marcaron su existencia, junto a su familia cercana y sobre todo su prima Angélica o lo que queda de ella, su primer amor y el único buen recuerdo de entonces. Hasta ahí el argumento puede ser tildado de bastante común, incluso de previsible. El verdadero hallazgo formal de la cinta, lo que la hace especial es la habilidad de Carlos Saura para interrelacionar tiempos y personajes, confundirlos intencionadamente, introduciéndolos en ubicaciones espacio-temporales que no les pertenecen. Así Angélica pueden ser dos, la niña o la madre, y a su vez la hija de Angélica, que es ella misma en el pasado. Como lo es su tío, del ejército fascista pero que también aparece representado con el rostro del marido de Angélica. Todos cambian y se confunden en un extraño juego de máscaras salvo Luis. Luis nunca cambia, siempre aparece representado de la misma forma, en su edad adulta con esa vulnerable expresión en el gesto que le otorgó Jose Luis Lopez Vazquez, saliendose una vez más de los papeles intrascendentes que le hicieron mediático.

Lo que nos cuenta Carlos Saura y Rafael Azcona que firma también como guionista, es algo muy valioso: a veces las personas inmiscuidas en procesos históricos son lo mismo, responden a los mismos referentes, trabajan y se desarrollan en un mismo sentido. Aunque reduccionista, el mensaje es clave: un hombre será libre y será hombre al fin, en la medida en que pueda desprenderse de su pasado evaluando de forma independiente y racional la realidad, y ahí dejará de ser una consecuencia del momento en el que le ha tocado vivir, será la máxima condición a la que el individuo puede aspirar.

Está película puede entonces corroborar y a la vez tirar por tierra ese axioma tan poco acertado que asegura que en el cine español solo aparecen tetas y guerracivilismo. Esos mismos que se dejan llevar por arquetipos un tanto obsoletos no dudan en alabar la última de Spielberg en Normandía, y la siguiente de Sam Mendes sobre Kuwait. Yo lo que pienso es lo contrario, todavía faltan muchas formas de representar la Guerra Civil, porque las consecuencias políticas, sociológicas y económicas dentro de nuestro país, son infinitamente más trascendentes que las de la Segunda Guerra Mundial para EE.UU. Porque como dicta la película, ¿acaso no solemos atisbar el rictus dictatorial del Caudillo y aquellos que le auparon en el rostro de algún representante político, o de un familiar condenando la entrada indiscriminada de emigrantes en nuestro territorio, o la de un jefe que humilla por el simple hecho de ver resarcida su condición jerárquica?. Las herramientas que muestra Saura para representar esa cualidad metafórica de los disfraces escénicos no vienen a ser otra cosa que teatro. Teatro dentro del cine. Puro cine.

10 Su valoración: 11 de Noviembre de 2007

Una manera peculiar de mirar hacia el pasado
Una manera peculiar pero fabulosa de recordar el pasado, poder ver como los hechos pasados tienen fondo sobre nosotros marcándonos de una manera u otra, esa ha sido para mi la principal sensación de la película.

Dirigida con un ritmo lento pero muy bien llevado, haciendo que cada silencio tenga sentido y sobre genial actuación donde es capaz de mostrar esos cambios repentinos de la personalidad de un niño a la de un mayor, la verdad que para mi ha sido lo mejor de la película.

Saura, genial director como nos lo lleva demostrando a lo largo de su cine, además tiene la peculiaridad de narrarnos un momento histórico bajo los ojos de un niño al cual vemos siempre como una persona ya mayor, eso es para mi una gran idea la cual no se queda en idea sino que está muy bien lograda en la pantalla ya sea por la dirección o la interpretación.

Quizás si la dirigiese ahora mejoraría ciertas cosas pero para ser cine español de aquellos años hay que decir que podemos presumir de director tal como es Saura.
manuel
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8 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil.
Ennis Madrid (España)
Su valoración: 16 de Julio de 2006

Recuerdos de una guerra
Luis regresa al pueblo después de muchos años, allí se vió obligado a vivir algún tiempo en su infancia con unos familiares, pues sus padres se marcharon a Madrid en el transcurso de la guerra civil. Fue un período difícil, marcado por un entorno familiar ultraconservador y afín al levantamiento militar, junto a la castradora iglesia católica que se afanaba en reprimir e inculcar el miedo a los niños.

Saura vuelve a utilizar el recurso de intercalar secuencias del pasado en las que su protagonista aparece con el aspecto actual, mientras la Angélica del presente será como su madre evocada y su hija de ahora como ella misma en la infancia.
A lo largo de la trama, la mente de Luis parece balancear en torno a la Angélica de ambas épocas, acaso intentando encontrar algo de lo que fue o pudo ser.
Ennis
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5 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil.
LeonNewman Leon (España)
Su valoración: 17 de Septiembre de 2007

A López Vázquez, lo que le echen
Un planteamiento original que hace gracia la primera media hora pero que en la última media se agota en sí mismo. De todos modos, un ácido retrato de cómo se las gastaban los vencedores de nuestra guerra. Ese cura y sus amenazas del infierno... Puro Azcona.
Si López Vázquez hubiese nacido en Wisconsin ya tendría tres o cuatro Oscars en el salón de su casa. Eso seguro.
LeonNewman
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5 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil.
Banionis Huelva (España)
Su valoración: 28 de Octubre de 2008

Proust, Bergman y Ángelica Niña
No es para nada una película de difícil entendimiento como una critíca que acabo de leer sobre el film más abajo. Si estás meramente iniciado en el universo Saura o en un cine poco menos que comercial -término al uso- no ofrecerá mayor problema.

Presente y pasado fluyen a lo largo de toda la película, captando emotivamente la atención del receptor. Teatralizando los recuerdos de un pequeño vástago allá por el verano de 1938.
(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo
spoiler:
Sólo hace falta ver los primeros diez minutos para notar la fuerte presencia de:

- Marcel Proust: ...y En Busca Del Tiempo Perdido, concretamente Por El Camino de Swann. Sobre todo al inicio de la película, donde el papel de la madre de Luís es más fuerte. Parece que en algún momento el chico encarnado en la figura de López Vázquez morirá de ganas por un beso materno, como sucede en el libro de Proust. De hecho, en una determinada escena citan al escritor francés y a su famosa magdalena.

- Bergman: toda la película huele demasiado a Bergman y claro está a Fresas Salvajes, si en esta película era un anciano recordando episodios pasados. José Luís López Vázquez hará lo propio bajo los focos principales de a) Su familia b) La Guerra Civil Española. c) El amor por Angélica. Es de sobra sabida la influencia del director sueco en Carlos Saura, tanto que le lleva a uno a pensar que sin Fresas Salvajes, La Prima Angélica nunca hubiera nacido ¿Y qué más da? No hay trampa ni cartón, Saura sabía a lo que se exponía como ocurrió con Cría Cuervos. Si trasvasamos esta similitud a la música podríamos pensar: ¿No son igualmente deleitables Los Brincos a pesar de la sombra magna de los Beatles? ¿No turban tu mente los riff de Yoghourt Daze o Sperm a pesar de Nirvana y de Jane's Addiction? Influencias obvias, no son siempre sinónimo de decaimiento.

- Angélica niña: no sé que tienen las niñas que aparecen en los film de Saura que me quitan el aliento. La rebeldía y amateurismo de Berta Socuéllanos en Deprisa, Deprisa, los ojos tristes de Ana Torrent en Cría Cuervos y la ternura de María Clara Fernández de Loaysa como Angélica de niña. Por más que busqué de ella por la red nada encontré. Ni tan siquiera citada con papel de actriz en esta misma web. Angélica, supone uno de los puntos fuertes de la película. Su frescura, su naturalidad incluso cuando se traba y el director deja esa toma por la veracidad.

Por último, destacar el papel de José Luís López Vázquez y su hastío así como el resto del elenco que aparece en la película.
Banionis
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1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil.
yesterday Madrid (España)
Su valoración: 6 de Agosto de 2010

Fantasmas del pasado
Es curioso cómo funciona la memoria y esto es lo que nos viene a demostrar Carlos Saura en esta película. Cada persona recuerda una misma situación del pasado de manera distinta. En esta película es el personaje de José Luis López Vázquez (sobresaliente), el que rememora su infancia al volver al pueblo dónde convivió con una familia, que en el fondo no era la suya, tras el traumático estallido de la guerra civil española. La separación de sus padres republicanos, el amor por su prima Angélica, el miedo que infunde la religión, todo eso vuelve a él tras su regreso.
(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo
spoiler:
Y Saura nos lo muestra de la mejor manera posible. Luis (López Vázquez), se convierte en ‘Luisito’ cuándo rememora el pasado, pero manteniendo su apariencia actual. El padre falangista de Angélica (Fernando Delgado) es en la actualidad su marido, asociando Luis la misma apariencia a las dos personas que le alejaron de su prima Angélica, tanto en el pasado como en el presente. El pasado ha marcado y perseguido al bueno de Luis, cuya existencia seguramente ya nunca será feliz.

Atención a la pesadilla con la monja (gusano, candado y estigmas como protagonistas) que asustaría a cualquiera y a la presentación como ‘malo’ de la película de un falangista en el año 1973. Habiendo visto escasas cuatro películas de la filmografía de Saura, uno se percata de un rasgo de su cine, el cuidado a la hora de elegir a las niñas protagonistas y su afición por ponerlas a bailar con éxitos de la época. Ana Torrent y sus hermanas en “Cria Cuervos”, Yohana Cobo y sus hermanas en “El Séptimo Día y María Clara Fernández de Loaysa con Angélica y Luis, mientras el marido duerme en el coche en esta gran película.
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La prima Angélica Claudio Sánchez

En La prima Angélica, Carlos Saura nos propone un encuentro con los recuerdos familiares, con un amor infantil y también con la propia historia de España. Saura plantea ver la sociedad española en un tiempo preciso, el año 1936, y se anima incluso a nombrar fechas más exactas, tal como el 18 de julio del 36, día en el que cae la Segunda República y se instala uno de los regímenes dictatoriales más nefastos de la historia contemporánea. En aquellos años Francisco Franco declaraba al mundo: "Estoy dispuesto a exterminar, si fuera necesario, a toda esa media España que no me es afecta."

Lo que diferencia a La prima Angélica de cualquier otra película que quiera representar la historia, radica en cómo el director decide abordar la memoria. Se trata de una aproximación intimista a partir de la mirada de Luis (José Luis López Vázquez), quien retorna a Segovia –lugar donde vivió en su infancia el inicio del régimen fascista de Franco– llevando desde Barcelona los restos de su madre para que descansen en el panteón familiar. El protagonista se reencuentra con su niñez, con las miradas de siempre, con algún amigo, pero, por sobre todo, se reconoce con la familia de su madre: su tía y su prima.

Luis va recordando a cada instante todo lo que vivió hace más de 30 años en esa misma casa (la de su tía), en ese mismo pueblo (el de su madre), ante los franquistas (el esposo de Angélica) que nunca quisieron saber que pasó en verdad. Ellos, más que olvidar, prefieren no conocer nada; así, cuando se nombra al poeta Antonio Machado se lo desconoce, es preferible no tocar la herida.

En 1974, cuando la censura va desapareciendo en su país, Saura se anima a presentar este manifiesto de reivindicación del padre de Luis, sobre la misma madre (España), y pone sobre la mesa la discusión silenciada de aquellos años. El film comienza cuando los padres de Luis lo dejan con su tía en Segovia durante el verano, mientras ellos están en Madrid: el padre posiblemente es un militante del Frente Popular y esto es algo que no gusta en lo absoluto al interior de la familia de la madre, por esto lo que representa el julio del 36 adquiere otras dimensiones, que tras la figura de un niño conserva una distancia apropiada para evitar juzgar algo, más aún cuando Luis-niño se encuentra entre uno y otro bando.

Un amor de siempre se hace presente en cuanto vamos descubriendo la infelicidad que vive Angélica junto a su marido, quien se presenta como un hombre común, alguien a quien no le interesa mucho la vida, sino sobrevivir, un mediocre que engrosa las filas de los asalariados. En el mensaje profundo del film se nos dice constantemente: hay que escapar de esto, es posible cambiar las cosas; y por otra parte se nos recuerda que ya es tarde para volver atrás, que todo está hecho, se muestra una vez más que las heridas son muy profundas y cada uno de los personajes lo sabe.

Aquí es donde se cruza el pasado y el presente, aunque a lo largo del metraje se pierde constantemente la condición del tiempo entre lo que ha pasado y aquello que está sucediendo, hay profundos momentos de reflexión sobre el diálogo entre los tiempos (1936 y la década del 70, cuando Luis vuelve a Segovia) y los espacios (las dos Españas). La prima Angélica es una obra de plena vigencia, incluso podemos ver su influencia en producciones más recientes, como Kamchatka (Marcelo Piñeyro, 2002), El día que mis padres se fueron de vacaciones (Cao Hamburger, 2006) o La culpa es de Fidel (Julie Gavras, 2006). La película de Saura es simplemente imprescindible a la hora de ver el cine español.

Claudio Sánchez
(Revista oficial del 13 Festival de Cine de Lima), colabora con la revista

Andrei Tarkovsky Tribute

2011-03-16T02:06:00.000-07:00

Doctor Zhivago

2011-02-12T07:26:00.000-08:00

Título Doctor Zhivago
Ficha técnica
Dirección David Lean
Producción Carlo Ponti
David Lean
Arvid Griffen
Guion Robert Bolt
Música Maurice Jarre
Fotografía Freddie Young
Montaje Borman Savage
Vestuario Phyllis Dalton
Reparto Omar Sharif
Julie Christie
Geraldine Chaplin
Tom Courtenay
Alec Guinness
Rod Steiger
Ralph Richardson
Rita Tushingham
Klaus Kinski
Siobhan McKenna
Jeffrey Rockland
Ver todos los créditos (IMDb)
Datos y cifras
País(es) Estados Unidos
Año 1965
Género Drama
Duración 197 minutos
Compañías
Productora Metro-Goldwyn-Mayer
Ficha en IMDb
Julie Christie como Lara.

Doctor Zhivago es una película estadounidense de 1965, dirigida por David Lean, con Omar Sharif en el rol principal. Está basada en la novela Doctor Zhivago, de 1957, del escritor ruso Boris Pasternak (Premio Nobel de Literatura 1958)

[editar] Argumento

La película está narrada por un general de la policía secreta soviética, Yevgraf Zhivago (Alec Guinness), medio hermano de Yuri Zhivago (Omar Sharif), a la que cree que es hija de éste, Tonya Komarovskya (Rita Tushingam). La trama principal se desarrolla entre 1905-1921.

TEMA DE LARA Y VARIOS

Yuri Zhivago es un médico y poeta en la época del advenimiento de la Revolución rusa. Está casado con Tonya (Geraldine Chaplin), una joven de la alta burguesía que le quiere y le admira. Durante la Guerra Civil Rusa, la mansión familiar en Moscú es requisada y ocupada por otras familias. La situación se torna insostenible para ellos. Reaparece Yevgraf Zhivago y les recomienda salir de Moscú y viajar a la mansión de campo de la familia, en Varikino. Después de una odisea, viajando en un vagón de ferrocarril atestado, la familia logra trasladarse a su casa de campo, pensando en pasar el duro período de la guerra civil allí. Cuando llegan a la casa se enteran de que ha sido confiscada por el gobierno revolucionario y se ven obligados a refugiarse en una cabaña cercana que forma parte de la propiedad. Logran pasar un tiempo en paz y Zhivago comienza a escribir poesía y a visitar la biblioteca del pueblo cercano, Yuriatin. Allí se encuentra con Lara (Julie Christie) a quien había conocido en difíciles circunstancias en Moscú, y posteriormente durante la Primera Guerra Mundial, cuando él servía como médico militar y ella como enfermera. Su relación con Lara se transforma en una relación amorosa. Todos sus movimientos y actividades son vigilados por los funcionarios soviéticos. Tonya queda embarazada y Yuri decide terminar su relación con Lara. Después de una triste despedida regresa a Varikino y es sorpresivamente reclutado a la fuerza por un pelotón de guerrilla soviético, y debe seguirlos en su campaña. Después de dos años, deserta y regresa a Varikino en busca de su familia, pero allí se entera de que han emigrado a Francia y que su rastro se ha perdido. Yuri se reencuentra con su antiguo amor, Lara. Juntos, más la hija de Lara, deciden irse a vivir a la casa de campo en Varikinno. Es el período del crudo invierno ruso y Zhivago decide desobedecer la confiscación y rompe los maderos que tapiaban la casa, para refugiarse allí. Pasa el tiempo y la guerra llega nuevamente, obligando a Lara a huir junto a su hija. Yuri no se entera nunca de que Lara espera un hijo de él. Regresa a Moscú, donde su medio hermano Yevgraf le consigue un puesto en un hospital. Pasan los años, y un día, viajando en el tranvía, Yuri ve a Lara caminando por la calle y desesperadamente trata de detener el transporte y correr tras ella, sin poderla alcanzar, ocurre entonces un inesperado final, fallece de un paro respiratorio.

La película termina con el regreso a la escena primera, donde la muchacha (Rita Tushingam) dice no recordar a su madre y que quien supone es su padre la había abandonado durante un bombardeo. Luego de crecer en un orfanato, había encontrado su actual trabajo, donde se desarrolla la escena. Yevgraf comprende que hay que dar tiempo al tiempo y la deja ir. La última escena ocurre con el alejamiento de la muchacha y su novio. Yevgraf nota que ella lleva una balalaika al hombro y le pregunta si toca bien, y el novio le responde que era una virtuosa y que había aprendido por sí misma. Yevgraf comenta: ¡Entonces es un don!. La madre de Yuri también interpretaba con maestría el instrumento y se decía que tenía el don.
[editar] Comentarios

Se rodó básicamente en España, más concretamente en Madrid y Soria, con el sistema de filmación en color Metrocolor, característico de la Metro-Goldwyn-Mayer. En Madrid se rodaron las escenas moscovitas en lo que actualmente es la calle de Silvano a la altura del cementerio de Canillas, en aquel entonces campo abierto, en donde construyeron un decorado de unos 20.000 m² que recreaba Moscú, con su trazado de vías de tranvía electrificado, por donde circulaban incluso dos tranvías cedidos por la Empresa Municipal de Transportes. También se rodó en la Estación de Delicias. En Soria se rodaron prácticamente todos los exteriores, empleando para ello todas las líneas de ferrocarril que por entonces estaban en uso. Se rodaron escenas ferroviarias en los siguientes escenarios:

* Estación de Delicias[1]
* Estación de Soria-Cañuelo
* Candilichera (Campo de Gómara)
* Villaseca de Arciel (Campo de Gómara)
* Navaleno (Pinar Grande)
* Villar del Campo
* Yanguas
* Matamala de Almazán

Las escenas de la residencia de Varíkino fueron rodadas en Candilichera. En algunos países, este film estuvo en cartelera mucho tiempo, siendo récord de taquilla. Durante varios años, las compañías de cinematógrafos la re-estrenaron a petición del público.

La presa que sale al final de la película es la de Aldeadávila de la Ribera, en la provincia de Salamanca. Las escenas del entierro, al principio de la película, con unas montañas al fondo, están rodadas en la provincia de Granada. Las escenas de invierno se rodaron principalmente en Finlandia, cerca de la frontera con la entonces URSS.
[editar] Premios
[editar] Oscar 1965
Categoría Persona Resultado
Mejor película Candidata
Mejor director David Lean Candidato
Mejor actor de reparto Tom Courtnay Candidato
Mejor montaje Borman Savage Candidato
Mejor guión adaptado Robert Bolt Ganador
Mejor fotografía Freddie Young Ganador
Mejor banda sonora Maurice Jarre Ganador
Mejor sonido Winston Ryder Candidato
Mejor vestuario Phyllis Dalton Ganador
Mejor dirección artística Gil Parrondo
Terence Marsh
Dario Simoni Ganadores
[editar] Globos de Oro 1966
Categoría Persona Resultado
Mejor Actor - Drama Omar Sharif Ganador
Mejor música Maurice Jarre Ganador
Mejor vestuario Phyllis Dalton Ganador
Mejor guión adaptado Robert Bolt Ganador
Mejor dirección artística Terence Marsh
Gil Parrondo Ganador
Mejor fotografía en color Freddie Young Ganador
[editar] Referencias

1. ↑ Aniversario de una estación de cine

[editar] Enlaces externos

* Colabora en Wikiquote Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Doctor Zhivago (película). Wikiquote
* Doctor Zhivago de David Lean
* Coloquio sobre la película en ¡Qué grande es el cine!, de José Luis Garci
* Trailer de 1965 de Doctor Zhivago.

Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Doctor_Zhivago_(pel%C3%ADcula)"
Categorías: Películas dirigidas por David Lean Películas de Estados Unidos Películas de Metro-Goldwyn-Mayer Películas de 1965 Películas dramáticas Películas basadas en novelas Películas rodadas en España

El hombre que sabía demasiado

2010-10-29T09:48:00.000-07:00

TÍTULO ORIGINAL The Man Who Knew Too Much
AÑO 1956

DURACIÓN 120 min. Trailers/Vídeos

PAÍS

DIRECTOR Alfred Hitchcock
GUIÓN John Michael Hayes
MÚSICA Bernard Herrmann
FOTOGRAFÍA Robert Burks
REPARTO James Stewart, Doris Day, Brenda de Banzie, Bernard Miles, Ralph Truman, Daniel Gélin, Alan Mowbray
PRODUCTORA Paramount Pictures
PREMIOS 1956: Oscar: Mejor canción
GÉNERO Intriga Espionaje. Remake
SINOPSIS El Dr. Ben MacKenna y su mujer Jo son una pareja estadounidense que pasa sus vacaciones en Marruecos junto con su hijo Hank. Tras la muerte de un espía en brazos de Ben, cuando éste se encontraban visitando el mercado de Marrakech, el matrimonio descubre que su hijo ha sido secuestrado. Sin saber en quién confiar, los MacKenna se ven envueltos en una pesadilla de espionaje internacional, asesinatos y angustia. (FILMAFFINITY)

CRÍTICAS ----------------------------------------
"El maestro retoma la historia que ya rodase en 1934 para dar forma a este inquietante thriller protagonizado por un inconmensurable Stewart. Conspiraciones, pistas falsas y malentendidos para una joya del cine de intriga" (Fernando Morales: Diario El País)
----------------------------------------
El hombre que sabía demasiado (película de 1934)
De Wikipedia, la enciclopedia libre
(Redirigido desde El hombre que sabía demasiado (1934))
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Para otros usos de este término, véase El hombre que sabía demasiado.
The Man Who Knew Too Much
Título El hombre que sabía demasiado
Ficha técnica
Dirección Alfred Hitchcock
Dirección artística Alfred Junge
Guión Charles Bennett
D.B. Wyndham-Lewis
Fotografía Curt Courant
Montaje Hugh Stewart
Reparto Leslie Banks
Edna Best
Peter Lorre
Frank Vosper
Hugh Wakefield
Nova Pilbeam
Datos y cifras
País(es) Reino Unido
Año 1934
Duración 75 minutos
Compañías
Productora Gaumont British Picture Corporation
Ficha en IMDb
Ficha en FilmAffinity
El hombre que sabía demasiado es una película dirigida por Alfred Hitchcock. Años más tarde realizaría una versión en Estados Unidos que contó con la participación de James Stewart.

[editar] Argumento
Betty (Nova Pilbeam), hija de Bob (Leslie Banks) y Jean Lawrence (Edna Best), se van de vacaciones a Suiza. Allí conocen a Louis Bernard (Pierre Fresnay), un hombre un poco extraño. Louis, justo antes de morir, le pide a Bob que entregue unos documentos a las Autoridades. Poco a poco, se descubrirá que es un espía británico.
editar] Comentarios
El propio Hitchcock hizo una nueva versión en 1956 con mucho más presupuesto. [editar] Enlaces externos
El hombre que sabía demasiado
PELICULA ORIGINAL DE 1936 COMPLETA

The Man Who Knew Too Much (película de 1956)
De Wikipedia, la enciclopedia libre
(Redirigido desde El hombre que sabía demasiado (1956))
Saltar a navegación, búsqueda
Para otros usos de este término, véase El hombre que sabía demasiado.
The Man Who Knew Too Much
Título El hombre que sabía demasiado / En manos del destino
Ficha técnica
Dirección Alfred Hitchcock
Dirección artística Henry Bumstead
Hal Pereira
Guión Charles Bennett
D.B. Wyndham-Lewis
Música Bernard Herrmann
Fotografía Robert Burks
Montaje George Tomasini
Reparto James Stewart
Doris Day
Brenda De Banzie
Bernard Miles
Ralph Truman
Daniel Gélin
Datos y cifras
País(es) Estados Unidos
Año 1956
Duración 120 minutos
Compañías
Productora Gaumont British Picture Corporation
Ficha en IMDb
Ficha en FilmAffinity
The Man Who Knew Too Much conocida en castellano como El hombre que sabía demasiado (España y Sudamérica), y En manos del destino (México y Centroamérica), es una película de 1956 dirigida por Alfred Hitchcock. La película ya había sido realizada por el director en 1934 en el Reino Unido, años más tarde y ya en Estados Unidos volvió a hacer esta película con un presupuesto mayor y con actores más conocidos como James Stewart, Doris Day y Brenda de Banzie.

Contenido [ocultar]
1 Argumento
2 Comentarios
3 Premios
4 Enlaces externos

[editar] Argumento
Hank (Christopher Olsen), hijo de Ben (James Stewart) y Josephine Conway McKenna (Doris Day), se van de vacaciones a Marruecos. En el autobús conocen a Louis Bernard (Daniel Gélin), un hombre un poco extraño, quien es apuñalado mientras corría en la ciudad disfrazado de marroquí. Louis, justo antes de morir, le pide a Bob que entregue unos documentos a las autoridades. Poco a poco, se descubrirá que es un espía británico. Louis Bernard, en su agonía, comenta a Ben que es un espía y ha descubierto un complot para asesinar al premier inglés, así que le encomienda la misión de evitar el magnicidio. Este secreto pone en peligro la vida de Hank (hijo de Ben), quien es secuestrado por los autores del complot,con el fin de que Ben y su esposa Jo no divulguen a las autoridades inglesas el plan y eviten el asesinato. Ben y su esposa tratan por su cuenta de liberar a su hijo, pasando memorables equívocos. Ben entra a la tienda de un taxidermista llamado Ambrose Chapell (en inglés, Capilla de Ambrosio) siendo confundido con un demente, y al llegar a la verdadera capilla descubre que el reverendo y las damas de honor son los espías, quienes lo atrapan. Logra escapar para tratar de evitar el asesinato, lo que consigue Jo al gritar y distraer al asesino, provocando que falle el tiro. En represalia, se llevan Hank a una embajada, donde Jo con su famosa canción Lo que será, será consigue localizar a Hank, el cual responde silbando. Ben forcejea con el último asesino, quien cae por una larga escalinata y se desnuca (se dispara con su propia pistola y muere).

[editar] Comentarios

'El hombre que sabía demasiado', encuentro en Marrakech
Alfred Hitchcock se "remakea" a sí mismo y cumple con nota
8

Autor: Christian Aguilera

Anticipándose a la serie de remakes (encubiertos o no) que se han confeccionado con el paso de los años -El agente secreto, 39 escalones, Alarma en el expreso, Crimen perfecto, etc.-, Alfred Hitchcock decidió hacer lo propio con uno de sus films de la etapa inglesa que había marcado un punto de inflexión en cuanto a la recepción comercial.

El título en cuestión, El hombre que sabía demasiado (1934) ya había sido valorado en su época bajo el mecenazgo de David O. Selznick para ser readaptado, pero el proyecto acabaría siendo postpuesto, dándose un trasvase de «poderes» en el sentido que Paramount adquiriría los derechos de explotación de la historia urdida por Charles Bennett y D. B. Wyndham-Lewis.

Los dieciocho años transcurridos desde que se decidiera por dar luz verde al proyecto devino tiempo suficiente para que la historia sufriera notables cambios, el más evidente de los cuales sería el que la nueva versión de El hombre que sabía demasiado aconteciera, en su primera parte, en Marruecos en lugar de Suiza.

A pesar de que el guión escrito por John Michael Hayes y Angus McPhail contempla una breve referencia al país helvético donde Hitchcock y su familia solía pasar las vacaciones, esta nueva versión se mueve en dos naciones que exhiben severos contrastes entre ambas: Marruecos e Inglaterra.

La idea propuesta por Hayes de habilitar el país nordafricano como escenario de la primera parte del film permite el desarrollo de un concepto que define el modelo de historia de suspense imaginado por Hitchcock: tras las apariencias se esconde una realidad sustancialmente diferente.

Un juego de máscaras

La primera secuencia de El hombre que sabía demasiado (1956) nos ayuda a medir el alcance alegórico que persigue el guión de Hayes: Hank (Christopher Olsen), el hijo del matrimonio formado por el doctor Ben Mckenna (James Stewart) y Jo (Doris Day), al efectuar una brusca maniobra el conductor del autocar en el que viajan, propicia que el rostro de una mujer árabe quede al descubierto.

Una situación que podría servir como mero pretexto para introducir en la acción a un súbdito francés, Louis Bernard (Daniel Gélin), quien trata de explicar a los McKenna el porqué de la ira de los árabes al quedar sin velo la mujer. Pero en manos de Hitchcock nos indica que estamos ante un relato dual, que juega con el valor de las máscaras con la voluntad de ocultar una realidad distinta.

En esta dinámica se mueve El hombre que sabía demasiado, un título que hace referencia al personaje del propio Bernard, quien acaba siendo asesinado parapetado en otra identidad, la que le confiere un vestuario y un rostro embadurnado más acorde al de unárabe queal de un genuino francés.

Al margen de la revelación de información en ese instante en el que Bernard, herido de muerte, se pliega de rodillas frente a Ben McKenna en medio de una plaza atestada de viandantes, se produce una transferencia de compromiso: las manos del doctor se cubren de barro, como si de sangre se tratara; para que queden «limpias» deberá implicarse en una investigación que asimismo compromete al futuro de su hijo Hank, secuestrado por Edward (Bernard Miles) y Lucy Drayton (Brenda de Branzie, actriz que un año más tarde intervino en una producción televisiva de 39 escalones), una pareja de británicos que los McKenna habían conocido en un restaurante de Marrakech.

La escena en el restaurante sería la primera de las que Hitchcock ideó -su aportación más «visible» a un guión que firman Hayes y McPhail- para crear espacios de «descanso» en el curso de una trama de suspense que tiene en el escenario del Royal Albert Hall su clímax. Antes de ceder buena parte del protagonismo a este emblemático recinto londinense, Hitchcock habilita una serie de escenas que abundan en el concepto de relajar al espectador -la del taxidermista, las idas y venidas de Jo y Ben para estupefacción de sus invitados- pero al mismo tiempo ofrece pistas falsas a las que el cineasta británico era tan proclive colocar en medio de la trama.

En este proceso de investigación se evidencia lo ambivalente de una relación conyugal que hace más creíbles si cabea los personajes: la misma se lleva a cabo por separado por parte de Ben y Jo, pero también unen sus esfuerzos en un momento crucial para su posterior resolución.

Este detalle de «visualizar» juntos y por separado a Ben y Jo persiguiendo un mismo objetivo -la liberación de su hijo- refuerza todo aquello que había quedado plasmado en los diálogos de la primera parte del film.Éstos ya colocan «en guardia» al espectador de que no estamos frente a una ejemplar familia norteamericana: ella se ha resignado a abandonar su carrera como cantante porque su marido se muestra remiso a abandonar su plaza en un hospital de Indianápolis.

A tal propósito, Hitchcock se cobra una de sus habituales ironías ya que el hospital lleva por nombre«El Buen Samaritano». Si a ello sumamos la escena del taxidermista con Ben McKenna amenazado por la presencia de criaturas disecadas (un anticipo de la fauna que «adorna» el hall del Motel Bates en Psicosis) o que otro Benjamin, de nombre Arthur, fuera el artífice de la obra «Nubes tormentosas» interpretada por la London Symphony Orchestra bajo la dirección de Bernard Herrmann, podemos dar fe que Hitchcock no había perdido la noción de ironía que implicaría al grueso de sus producciones pese a que, en apariencia, El hombre que sabía demasiado se ofrece como un efectivo mecanismo de relojería de suspense que, en cada revisión, gana enteros por su impecable construcción.

Tan sólo si nos centramos en la forma cómo se rodó la parte final en el Royal Albert Hall -con la concatenación de planos fijos, muy en la línea de la planificación de las escenas preliminares de Yo confieso (1952)- podremos calibrar aquella máxima que reza que lo más sencillo es, a veces, lo más complejo de realizar. Y en esta argumentación encontramos en Hitchcock al «hombre que sabía demasiado».

V invasión extraterreste

2010-10-11T06:55:00.000-07:00

Hace unos treinta años presentaron esta serie en TV,de unos lagartos invasores disfrazdos de humanos que llegaron a la Tierra ,para robarnos el agua y se fingieron amigos
V es la historia de los resistentes minoritarios que se organizaron hasta derrotar a los extraterrestres.
La V era el símbolo de la resistencia
No es un clasico de la ciencia ficción ,pero si ha sido considerada muy buena en todos los paises donde se exhibio con gran éxito

Asomándonos al Cine Nicaraguense

2010-07-07T02:10:00.000-07:00

Esta semana ha habido un acontecimiento en la cinematografía de Nicaragua. Luego de más de veinte años, ha llegado a las salas un largometraje de ficción, La Yuma, de la realizadora Florence Jaugey, cineasta y actriz francesa radicada en ese país prácticamente ese mismo tiempo. Es el retrato de una joven boxeadora, cuyo nombre da el título a la cinta, que vive en un barrio marginal de Managua y pertenece a una pandilla, y busca superar con su desempeño en el ring las necesidades económicas de su familia.
“Es importante que la gente conozca ese barrio, es nicaragüense, y esa es la forma que tiene la gente de enfrentar todas las desgracias; como francesa que soy toda la vida me ha llamado la atención ese talento de la gente, esa picardía de transformar las desgracias, de burlarse del drama”, dijo Jaugey en el estreno.
Previamente, ha dirigido cinco documentales, cuatro de breve duración y el largo La isla de los niños perdidos (2001). Este lanzamiento es un paso más en la paulatina reactivación del cine nicaragüense, que antaño llegó a disputar el Oscar extranjero con Alsino y el cóndor (1982), de Miguel Littin, teniendo como socios a Costa Rica, Cuba y México. En la última década, se ha incrementado, sobre todo a través de jóvenes autores, la cifra de cortometrajes y documentales producidos en soporte digital, luego de la adaptación de una comunidad formada principalmente en el celuloide.
La Yuma es una coproducción con México, España y Francia, dura hora y media, y es distribuida por Wanda Visión, la coproductora de las cintas de Claudia Llosa, Madeinusa y La teta asustada, y otros importantes filmes latinoamericanos como Hamaca paraguaya y La ciénaga.
Ha transitado el conocido camino de los fondos y festivales, donde coincidió con proyectos peruanos, como en el Göteborg International Film Festival, en el que ganó un premio de post producción junto a Paraíso de Héctor Gálvez, y el Festival de Cartagena, en el que reconocieron a la protagonista Alma Blanco y Eliézer Traña como mejor actriz y actor de reparto, mientras Contracorriente, de Javier Fuentes–León, recibía el premio del público. Vean el tráiler:

CORTOMETRAJE "La Traición"

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De Marcel Rasquin "HERMANO"

2010-06-17T01:51:00.000-07:00

Sinopsis: Daniel es un delantero excepcional, un fenómeno. Julio es el capitán del equipo, un líder nato. Son hermanos de crianza y juegan fútbol en su pequeño barrio. Daniel sueña con jugar a nivel profesional mientras que Julio mantiene a la familia con dinero sucio, no tiene tiempo de soñar.

La oportunidad de sus vidas llega cuando un cazatalentos del Caracas Fútbol Club los invita a unas pruebas en el equipo. Pero la vida los sacude y tendrán que decidir sus destinos sobre una cancha de tierra. ¿Qué es más importante? ¿La unión de la familia o el sueño de sus vidas?

Hermano de Marcel Rasquin va al Festival de Cine de Moscú
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Publicada a las 07:45 AM del 03 de Junio de 2010 El Nacional
La película más reciente del español Ventura Pons y las óperas primas del venezolano Marcel Rasquin y de la costarricense Hilda Hidalgo representarán al cine hispanoamericano en la edición número 32 del Festival Internacional de Cine de Moscú, anunció el director de programación del certamen, Kirill Razlogov.

Hermano de Rasquin y A la deriva de Pons son 2 de las 15 cintas que participarán en el concurso oficial, mientras que Del amor y otros demonios de Hidalgo, una coproducción colombiano-costarricense, se medirá con otros 7 filmes en la sección paralela Perspectivas.

La selección de películas finalistas al San Jorge de Oro incluye, además, producciones de Alemania, Rusia, Turquía, República Checa, Canadá, Hungría, Polonia, Rumania, Austria y Francia.
El cineasta francés Luc Besson presidirá el jurado de la sección oficial, cuyos miembros serán las actrices chilena Catalina Saavedra y la rusa Maria Mirónova, el productor austríaco Veit Heiduschka y el director lituano Sharunas Bartas.
El jurado de la sección paralela estará integrado por el director británico John Irvin, en calidad de presidente; el realizador ruso Serguéi Ovcharov y la actriz polaca Karolina Gruszka.

"Como se celebra el Año de Francia en Rusia y el Año de Rusia en Francia, el tema ocupa un lugar principal en el programa", dijo Razlogov. Por ello, las cintas más recientes de los franceses Claude Lelouch y Besson abrirán y cerrarán el festival, respectivamente, indicó. También señaló que en esta edición el certamen se centrará en dos líneas temáticas.
Añadió que la primera incluirá filmes que "desenmascaran el pasado reciente" tanto de la actual Rusia como de países que pertenecían a la extinta Unión Soviética. "Nos parecía que llegó la hora de ajustar cuentas con el pasado", afirmó. La segunda línea, agregó, es geográfica, en alusión al cine latinoamericano.

El Festival Internacional de Cine de Moscú, que este año se celebrará desde el 17 y hasta el 26 de junio, comenzó en 1959 y en 2002 pasó a tener carácter anual, aunque la primera muestra de cine extranjero en la capital rusa se remonta al año 1935.

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ENTREVISTA marcel rasquin, cineasta

"Cada vez hay mejores películas"
"'Hermano' es una película deportiva pero no es Disney; aborda la violencia, pero no es violenta"

Rasquin hizo más de 200 entrevistas para elegir a cada personaje. Así llegó a actores conocidos y no tanto (Cortesía Marcel Rasquin)

"¿Sabías que entre 2010 y 2011 se estrenarán cerca de 25 películas de cine venezolano?", decía el martes un twitt de @CinesUnidos. Hermano, ópera prima de Marcel Rasquin, forma parte de este número que constituye una buena noticia para la industria local. La cinta, que debuta en mayo, cuenta la historia de dos hermanos de crianza que comparten una misma pasión por el fútbol.

"La vida siempre nos va a caer a goles -dice el entrenador a sus muchachos, en el trailer-, por eso es que todos los días tenemos que levantarnos convencidos de que el juego va cero a cero".

El director adelanta el perfil de sus personajes principales. "Son dos chamos que juegan en la liga de su barrio. Daniel es el chiquito, un delantero nato. Su ilusión es jugar fútbol profesionalmente y al lado de su hermano. Julio es el grande, líder por naturaleza, es el protector de su equipo, al que considera su familia. Como es el mayor, éste ha entrado en el lado oscuro del barrio".

Un cazatalentos del Caracas Fútbol Club -equipo que patrocina la película- los invita a unas pruebas, con lo cual el sueño está como balón de penalty. Sin embargo, un acontecimiento los obliga a distanciarse y en cierta medida los roles se invierten.

Marcel Rasquin, graduado en Comunicación Social en la Universidad Católica Andrés Bello en 1999, con estudios de Cine en Australia, tiene entre manos una historia sobre la familia y sus valores, sobre la solidaridad y la posibilidad de alcanzar los sueños.

Para el realizador, el hecho de que sean dos jóvenes venezolanos queriendo jugar fútbol en un país de tradición beisbolera, constituye una contradicción que hace a la historia más interesante. "La película no sería tan potente en un país potencia del fútbol como Brasil. Eso se convierte en otro obs- táculo a superar".

Rasquin habla de los puntos medios de su ópera prima. "Hermano es una película de corte deportivo pero no es Disney; aborda la violencia a la que estamos expuestos, pero no es violenta, el motor dramático no es la violencia. Creo que la película tiene un mensaje de redención", comenta.

Tampoco es una película fácil. Para el director, el film es difícil de digerir, "se queda en tí y la vuelves a pensar, es como un mazo en la cabeza... Es una historia potente que me da la posibilidad de predicar sin ser moralista".

La situación del cine venezolano es similar a la de la vinotinto, según lo ve Marcel Rasquin. "Se hacen cada vez más y mejores películas, pronto iremos al Mundial. Creo que Hermano abona ese camino. Obviamente, hay industrias como la argentina, la brasileña -y ahora la peruana-, que nos llevan una morena, pero Venezuela tiene potencial, puede y debe captar la atención del mundo, porque además hay un idilio con lo que es el sabor latino".

Eso sí, el director no cree en "nuevas olas". "Creo que está ocurriendo algo pero es por la suma de esfuerzos indivi- duales".

Ángel Ricardo Gómez
EL UNIVERSAL

Biografias. Marcel Rasquin
viernes 26 de febrero de 2010
Hace el mejor cafecito del mundo. Es capaz de recitar Pulp Fiction y Volver al Futuro de memoria. Una vez soñó que se iba de excursión con Harrison Ford. Vivió emtre canguros y libros de cine. Sus materias pendientes: Astronomía e Historia Universal. Futuro ex fumador.

Tuvo el descaro de subirse al escenario a actuar en teatro después de viejo. Le gustaría regañar a Lucar por la nueva trilogía pero todavia se asusta con la marcha imperial.

No era tan mal baterista. Le gusta hablar del Ávila y de Caracas, y ya no hace tanto deporte como quisiera. Sus cortometrajes son un vacilón (Happy Endings, RING, Easier Riders, Llévate Todo, Fri Jan). Paga el condominio filmando con A&B. Ya casi no abre el Messenger y le da flojera afeitarse a diario. Escribió y dirigió Hermano.

ESTRENO

Por bPablo Antillano

Anoche fuimos al estreno de la película de Marcel Rasquin, “Hermano”, que viene de ser triplemente premiada en la más reciente edición del Festival de Cine de Moscú: jurado, crítica y ¡público! Entendimos por qué.
Es una película que se atiene a las convenciones universales de un buen cuento. Dos jóvenes hermanos que viven en un barrio caraqueño emprenden juntos un viaje hacia una meta promisoria: ser seleccionados para jugar en el Caracas Fútbol Club. Desde el principio mismo se nos advierte que entramos en el reino de las Moiras, de los designios de un destino prefigurado, con aliento mítico.
Uno de los hermanos entra en la historia como un recién nacido abandonado en un depósito de basura. Aparece, atravesado por decisión soberana de los dioses, en el camino azaroso de una madre y su pequeño hijo. El uno, Daniel, y el expósito, Gato, se crían juntos trenzados por el amor maternal y la pasión por el fútbol, pero la travesía hacia su destino final es amenazada e interrumpida por vicisitudes de diversa índole, algunas de ellas insalvables, trágicas.
La narración fluye, pues, sin fisuras, sin dejarse vencer por ningún tipo de ruego, impulsada por el deseo y la destreza de los hermanos pero torturada por las tensiones de la violencia y la necesidad. Ganar al fútbol, entrar en un equipo profesional, significa “salir de la vida”, romper el anillo de la moral delictiva que sujeta cualquier gesto en el barrio, escaparse de las sombras que acechan en las escalinatas, en las pico´e loro, en los “piedreros”, en las armas que sobresalen en los cinturones de los adolescentes. Unos lo lograrán, mientras que otros, dolorosamente, no.

Dos grandes fuerzas opuestas tallan el carácter de los personajes centrales: la venganza y el secreto. Daniel, confabulado con mitos arcaicos de la audiencia, desea vengar la muerte de su madre, y en su furia ciega se aleja del fútbol y el anhelo. Gato, en cambio, apuesta a la opción racional, guarda en secreto la identidad del asesino en función de la meta final y para salvaguardar el destino del hermano. Dos claras opciones éticas del mundo moderno.
Frente a esta historia, escrita por él mismo en el molde de la tradición mitológica, Rasquin coloca sus cámaras con ánimo épico y brinda un espectáculo sobrecogedor que por momentos estrangula la respiración del espectador. Los “combates” futbolísticos entre los dos hermanos se desatan en una especie de anfiteatro romano que refuerza el tono de pertenencia a las grandes historias humanas. El montaje del furioso encuentro entre los dos “gladiadores”, así como el de las secuencias de los juegos de fútbol exhiben un virtuosismo cinematográfico que dice mucho de su formación técnica y la de su equipo.
El público que suele ver cine venezolano encontrará aquí nuevas y alentadoras virtudes: un guión riguroso para un cuento bien diseñado, una economía absoluta de secuencias y planos en función de la narración, sin panorámicas del barrio ni regodeo en asuntos secundarios, preeminencia del cuento por encima del discurso sociológico, visión “horizontal” del barrio a pesar de la topografía y las escaleras.
A la verosimilitud de la historia vienen a contribuir un lenguaje coloquial sobrio --- ajeno a los costumbrismos habituales --- y una imaginación cinematográfica que disfruta escenas dramáticas memorables ( escenas familiares con la madre, los hermanos bailando bajo la mirada del corazón de Jesús en el cuarto de la madre asesinada, el joven Gato que llora en el baño , los encontronazos sentimentales entre los hermanos gladiadores, etc.), y frases memorables ( “Ya se está yendo el olor a torta” , en referencia al oficio de repostera de la madre muerta) .
Cuando se puede ver con fruición una película sin baches provoca decir que ha terminado el amateurismo y el autodidactismo que actuaron como potencias hasta hace muy poco en el cine venezolano. Incluso los actores, con poquísimas excepciones, son verosímiles y sus parlamentos tienen credibilidad como en muy pocos casos de nuestra cinematografía.

La coartada final, la manera como Rasquin culmina su película, puede sorprender a muchos a pesar de que sintoniza con secretos deseos de los venezolanos de hoy: logro y esperanza. Uno de los hermanos alcanza la meta en una atmósfera de celebración y fuegos artificiales. El precio sin embargo se muestra desmesurado: el logro adviene preñado de dolor, de sacrificio, de un alto costo sentimental y simbólico. El episodio evoca el mito de Castor y Polux, uno mortal y otro inmortal, fundidos tras la muerte de Castor en una sóla entidad de terneza y gloria.

La hora cero

2010-06-13T00:48:00.000-07:00

DE PROXIMO ESTRENO INTERNACIONAL
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Se inicia conteo regresivo para La Hora Cero, ópera prima del venezolano Diego Velasco [teaser]
Por Carlos Caridad-Montero Publicado: 10/06/2010
Diego Velasco es cineasta, venezolano y autor de uno de los cortos más famosos de la historia del cine venezolano: Cédula, Ciudadano. Quizás algunos les suene el nombre, pues Diego ha sido comentarista muy activo de esta página. Hace un par de años, creo, Diego me pasó su guión, El Día de los Pobres

Se inicia conteo regresivo para La Hora Cero, ópera prima del venezolano Diego Velasco [teaser]
10 de Junio de 2010
[Traductor]
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Hace un par de años, creo, Diego me pasó su guión, El Día de los Pobres. Era una historia de criminales en Caracas, con una alta carga social. La trama era vertiginosa y, aún en forma de guión (que no es fácil de leer) uno no podía dejar de pasar las páginas. Sí, creo que era uno de los guiones más emocionantes que he leído. Y aún le faltaban unas cuantas versiones más.

Su sinopsis:

La muerte llego para salvarla…

Basada en la cruda realidad de Caracas y en la huelga médica del 96, LA HORA CERO es la historia de un sicario que se ve obligado a secuestrar una clínica privada para salvar al amor de su vida. Una historia de violencia y venganza, de amor y acción…

Esta mañana he visto el primer teaser y me han sorprendido varias cosas. Para empezar, El Día de los Pobres se llama ahora, La Hora Cero. Luego está la elección del actor principal, Zapata666, quien parece la viva encarnación del personaje que leí en papel. Después, lo vertiginoso de las imágenes, que dan la impresión de trasladar el ritmo de la palabra escrita a la pantalla.

La Hora Cero está protagonizada por Zapata 666, Amanda Key, Erich Wildpret, Laureano Olivares, Mascioli Zapata, Marisa Román, Alex Furth, Rolando Padilla, Albi de Abreu, Steve Wilcox y Beatriz Vásquez.

La Hora Cero Página Oficial Twitter Facebook Youtube

Una ayuda para Diego
Por Carlos Caridad-Montero Publicado: 19/01/2006
Diego Velasco es director, venezolano y autor de uno de los cortometrajes más celebrados de los últimos cinco años: Cédula, Ciudadano. En la actualidad, Velasco reside en Los Ángeles y acaba de ser invitado a participar en las Jornadas de reflexión sobre el Guión en Venezuela, que se realizarán en el marco de la VIII edición del Festival Manuel Trujillo Durán, en Maracaibo.

Velasco ha sido convocado para hablar de El Quehacer del Guionista en Venezuela, pero cuando se sentó a escribir su disertación, se le ocurrió “que es imposible hablar sobre el guionista venezolano sin antes saber que opinan los venezolanos de sus guionistas”.

Biografias. Diego Velasco
var ultimaFecha = 'viernes 26 de febrero de 2010';
viernes 26 de febrero de 2010
Director/Escritor, 36 añosVenezolano viviendo entre CCS y LA que desde los 15 años ha estado inventando historias que contar, 21 años después lo sigue haciendo con la misma pasión y dedicación sólo que mucho más endeudado.

Formado dentro del departamento de cámara, Diego ha pasado por todos los trabajos en el set, cuando dice todos eso incluye desde hacer café hasta firmar los cheques.

Sus cortos "Cédula Ciudadano" y "Day Shift" han ganado más de 30 premios, incluyendo ser pre-nominado para el OSCAR en el 2000 por "Cédula Ciudadano".

En el 2005 se cansó de quejarse ante sus amigos y esposa de que no aun no había hecho un largo, finalmente en el 2009 termino de filmar su Opera Prima "La Hora Cero" que será estrenada a finales del 2010. Para más información sobre sus créditos visite: http://www.imdb.com/name/nm0892264/ o http://www.diegovelasco.comhttp://www.loscortos.com/index.php?option=com_seyret&Itemid=0&task=videodirectlink&id=

Cine colombiano

2010-05-15T07:28:00.000-07:00

Rabia Coproduccion ecuatoriano-colombiana
RABIA, de Sebastián Cordero
Narra la historia de José María, quien es albañil y su novia Rosa, una empleada doméstica. Ambos son inmigrantes sudamericanos (él es ecuatoriano, ella colombiana) y trabajan en Madrid. Por un malentendido, el capataz de la construcción, despide a José María que espera hasta el final del día para recibir su liquidación, pero el capataz no le da nada. Ya no queda nadie, y en un arrebato de rabia José María le coge a golpes y lo mata. José María visita a Rosa en la casa donde trabaja, y no le cuenta lo sucedido. Los patrones están por llegar, y José María va a salir rápidamente por la puerta de servicio, pero decide quedarse sin avisar a Rosa. Se esconde en el último piso, y decide esperar. José María se instala por un tiempo en el desván, por las noches se roba un poco de comida de la alacena y del basurero, e inicia una vida de silencio y austeridad, convirtiéndose casi en un fantasma de la casa.

APAPORIS, EN BUSCA DEL RÍO, de José Antonio Dorado (Documental)
Siguiendo los pasos del etnobotánico Richard Evans Schultes, en un diario de viaje desde Mitú hasta el río Apaporis, se documentan secretos del conocimiento indígena y vivencias únicas en este rincón inexplorado de la selva amazónica. A través de imágenes, se revelan secretos milenarios como la preparación del yagé, la coca en polvo y el curare, además de una reveladora práctica para revivir a los muertos. Un documental auto-reflexivo en el que se cuestiona el desplazamiento de la guerra hacia la selva, pese a la lucha de los chamanes por combatir los espíritus malignos, y la situación de las comunidades que se ven asediadas por la desaparición de sus lenguas y culturas.

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CHANCE, de Abner Benaim
Chance es una comedia que se desarrolla en la lujosa mansión de los González-Dubois, una familia aristocrática panameña donde trabajan como empleadas domesticas Paquita y Toña. Hace tiempo que las dos están cansadas del maltrato, el incumplimiento de sus pagos y la falta de respeto. Mientras la familia prepara con emoción sus vacaciones en Miami, Paquita y Toña diseñan para ellos un plan muy diferente: tomar el control de la casa y cobrar sus deudas, a las buenas o a las malas. "Chance" es una coproducción colombo panameña que en 2007 recibió estímulos del Programa Ibermedia.

CONTRACORRIENTE, de Javier Fuentes
Miguel, pescador de 30 años, está casado con Mariela quien espera su primer hijo, ama en secreto a Santiago un joven pintor ermitaño que se mudó al pueblo hace un año. Dividido entre su atracción por Santiago y su amor por Mariela, Miguel trata el romance como algo puramente sexual. Las cosas cambian cuando Santiago se ahoga accidentalmente en el mar y regresa después de muerto a pedirle que encuentre su cuerpo y lo entierre según la tradición del pueblo para que su alma pueda descansar. Aunque Santiago ya no es de carne y hueso, Miguel puede tocarlo y sentirlo como si estuviera ahí en persona. La situación es ideal; Miguel puede tener su romance Holasin el riesgo de ser descubierto.

LA SOCIEDAD DEL SEMÁFORO, de Rubén Mendoza
Los semáforos son la tumba en vida de miles de campesinos desplazados que se ven obligados a ir a mendigar a la ciudad. Uno de ellos, Raúl, un reciclador enajenado por la terquedad, la libertad absoluta y las drogas, está empeñado en lograr, con sus pocos conocimientos y sus improvisados dispositivos, que la duración de la luz roja del semáforo pueda ser controlada por ellos, el tiempo que quieran, para poder montar actos más largos entre malabaristas, lisiados y vendedores ambulantes. En medio del delirio y la fantasía, el halo circense que recubre sus vidas se va convirtiendo en una sinfonía de la desesperación y la anarquía.

"Garbo, el espía", el español que engañó a los nazis

2009-12-19T03:25:00.001-08:00

En 1940 se realizo la pelicula GARBO EL ESPIA y ahora en el 2009 se estrena un dcumental español sobre el mismo tema

La Mentira de Garbo estreno en cines. Madrid, 1940,Pelicula de Afganistan
Juan Puyol, autodidacta, gerente de una granja de pollos, conserje de hotel, empieza a planear su contribución al "bienestar de la humanidad", y decide ofrecerse a los británicos para "echarles una mano", pero su ingenuo plan fracasa. En lugar de desanimarse y abandonar, convence a los nazis de que puede trabajar para ellos. Sorprendentemente confían en él y lo contratan, su nombre en clave: Arabal.

Después de una serie de aventuras, Puyol es localizado por la Intelegencia Británica, que le convierte en agente doble.
Nombre en clave: Garbo.
Desde Londrés hace creer al Tercer Reich que el desembarco de Normandía no es más que una estrategia de engaño, ya que el verdadero desdembarco tendrá lugar en el Paso de Calais.

Treinta años más tarde, un escritor inglés de novelas de espías, Nigel West, empieza a dudar de su muerte, y empieza a buscarle, y le localiza en Venezuela, donde ha iniciado una nueva vida como profesor de inglés. Nadie en su entorno sabe de su participación en la guerra.

Esta esta es la historia "del mejor actor del mundo"

MALAGAES.COM
GRAN ÉXITO DE GARBO 'EL ESPIA' (Version 2009)

12/12/2009.- www.malagaes.com

IKIRU FILMS y GUMMO FILMS se complacen en informaros de que "GARBO. EL ESPÍA" ha obtenido cerca de 5.000€ por copia en su fin de semana de estreno. Dicha cifra la sitúa como la película más rentable por copia del fin de semana. Un éxito como éste, tratándose de un documental nacional, no se daba desde La pelota vasca, en Octubre de 2003.

Además, cabe recordar que, tras su paso por numerosos festivales internacionales, "GARBO. EL ESPÍA" ha obtenido recientemente el segundo lugar finalista en el Festival de Amsterdam y el Giraldillo de Oro al mejor documental en el Festival de Sevilla.

La crítica ha dicho:

"Una historia perfecta con un modo perfecto de ser contada. Deslumbrante". ABC. Oti Rguez. Marchante

"Film inclasificable, divertido y revelador. Una joya". Time Out. Núria Vidal.

"Apasionante". Cinemanía. Toni Vall.

"No te la pierdas". Fotogramas

"GARBO. EL ESPÍA" es un thriller documental sobre espías, agentes dobles, secretos y mentiras, hecho con fragmentos de películas de Hollywood, material de archivo, entrevistas y efectos digitales, cuya estructura nos fuerza a elegir nuestra particular interpretación sobre la verdad de Juan Pujol, el español que embaucó a los nazis.

Juan Pujol (Garbo)
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Juan Pujol, nombre en clave "Garbo", cuando trabajaba para el MI5Juan Pujol García (Barcelona, España, 14 de febrero de 1912 - Caracas, Venezuela, 10 de octubre de 1988) conocido por su nombre en clave británico Garbo, y por su nombre en clave alemán Arabel, fue un doble agente español que con la asistencia de su esposa, Araceli González Carballo González (Lugo, España, 1914 - Madrid, 1990) desempeñó un papel clave en el éxito del desembarco en Normandía al final de la Segunda Guerra Mundial, y cuyo protagonismo aún no ha sido totalmente desvelado. La información falsa que Pujol proporcionó a Alemania ayudó a convencer a Hitler de que el ataque principal sería más tarde y en otro lugar, lo que resultó en su decisión de reducir las tropas en la zona del desembarco

Agente del Reich [editar]Nacido en Barcelona, Pujol desarrolló una profunda aversión hacia la Alemania Nazi y la Unión Soviética después de sus vivencias del fascismo y del comunismo en España tras la guerra civil. Alrededor de 1940, decidió que debía contribuir al final de la guerra ayudando a Gran Bretaña, único adversario de Alemania en aquellas fechas.

Araceli González se dirigió entonces a la embajada británica en Madrid, donde ofreció los servicios de su marido como espía. Tras ser rechazado ofreció sus servicios al III Reich con la intención de servir como espía doble para los aliados. Una vez aceptado por los alemanes estableció una falsa red de espías e hizo pequeños trabajos para éstos, tales como retrasmitir códigos por radio... y volvió a ofrecer sus servicios al MI5, siendo esta vez aceptado, ya que el servicio de inteligencia británico había controlado sus pasos y conocía su situación (aunque esto él nunca lo llegó a saber).

Aunque operaba inicialmente desde Lisboa, fingía a los alemanes estar en Gran Bretaña. Inventaba informes ficticios sobre movimientos de barcos mercantes, convenciéndoles con éxito de que eran datos verdaderamente valiosos, gracias a información obtenida en la biblioteca de Lisboa y noticieros del cine. Fingía viajar por toda Gran Bretaña y enviaba sus partes de gastos, según los precios que obtenía de una guía de ferrocarriles británica. Al comienzo pasó ciertos apuros al no entender correctamente el sistema británico de moneda pre-decimal (libras, chelines y peniques), pero solventó sus problemas enviando los partes gasto por gasto, y arguyendo que ya enviaría el total más tarde.

Agente doble [editar]Llegó a Inglaterra en primavera de 1942 y operó como agente doble bajo el auspicio del Comité XX (Sistema de la Doble Cruz), una iniciativa de la Inteligencia Británica basada en la captura de agentes alemanes y su posterior conversión en agentes dobles para labores de contraespionaje o para maniobras de desinformación del enemigo. Su trabajo principal fue el de convencer a los alemanes que había conseguido reclutar a un gran número de agentes en Gran Bretaña, algunos de ellos personas de mucha influencia y con información valiosa. La dificultad de su trabajo radicaba en que debía en todo momento fabricar informes coherentes de todos los agentes que iba inventando y que no se contradijeran entre sí, sin perder credibilidad.

A veces debía inventar razones para explicar al Abwehr por qué uno de sus agentes había sido incapaz de informar sobre alguna operación que tarde o temprano llegaría a oídos alemanes y para no descubrir que todo era una farsa. En una ocasión informó que uno de sus agentes de Liverpool había caído enfermo justo antes de un gran movimiento de flota desde ese puerto a la costa oeste de Inglaterra. Al caer supuestamente enfermo, le fue imposible a ese espía transmitir aquella información. Para dar énfasis a su historia inventada, incluso tuvo que fingir la muerte de ese agente y hasta una esquela falsa fue publicada en un diario local. De esa forma, los alemanes creyeron su historia y hasta pagaron una pensión a la viuda del agente muerto.

La información que Pujol enviaba a los alemanes era inventada por sus superiores Británicos e incluía una gran parte de sucesos verdaderos para que los informes fueran más convincentes. A veces, se conseguía el efecto deseado mandando información genuina pero retrasando su llegada para que el daño fuera mínimo. Para ello a veces se recurría a matasellar una carta con una fecha anterior, pero no mandándola hasta la víspera del movimiento de tropas en cuestión para que cuando llegara pareciera un retraso del servicio de correos. Los alemanes pagaban a Garbo grandes cantidades de dinero para mantener su red de agentes, que en un momento dado llegó a contar con 27 personajes ficticios. Garbo gozó de bastante credibilidad entre sus superiores (tanto de un bando como del otro) lo que le llevó a adquirir el status de "A1 Agent".

Operación Fortitude [editar]Artículo principal: Operación Fortitude
El trabajo de desinformación de Garbo era parte de la Operación Fortitude, que convenció a Adolf Hitler y a muchos de sus colaboradores de que la invasión aliada ocurriría en el Estrecho de Calais, a 249 km de Normandía, y que el desembarco de Normandía era sólo una maniobra para atraer a las tropas alemanas lejos de Calais. De hecho, fue tal la credibilidad de la que gozó por parte de Hitler, que incluso una vez comenzado el desembarco, siguió pensando que esta no era la verdadera invasión, sino una mera distracción para el verdadero ataque en Calais. Para cuando Hitler se dió cuenta del engaño, la Operación Overlord ya había sido un éxito y las tropas aliadas ya se había adentrado demasiado, por lo que la movilización de las divisiones acorazadas no tendrían el mismo significado. Existe información sobre este espía en el Imperial War Museum de Londres, que incluye material altamente sensible desclasificado.

Condecoraciones [editar]Garbo tiene el honor de ser la primera y una de las pocas personas condecoradas con medallas de ambos bandos: la Cruz de Hierro alemana y la Orden del Imperio Británico.

Fin de la guerra [editar]Después de la guerra, Pujol se sintió atemorizado por posibles represarias políticas y se mudó a Venezuela, donde vivió en el anonimato. Murió en Choroní, cerca de Caracas en 1988.

Cinematografía [editar]Se encuentra en fase de montaje el documental "Hitler, Garbo...y Araceli", que descubre una colaboración de esta última en el trabajo de Garbo nunca conocidas.

Referencias [editar]Harris, Tomás (2000). Garbo The Spy Who Saved D-Day. The National Archives. ISBN 1-903365-58-9
Holt, Thaddeus, The Deceivers: Allied Military Deception in the Second World War (New York, Scribners, 2004)
Pujol, Juan, with Nigel West [Rupert Allason], Operation Garbo (Random House, New York, 1985)
Enlaces externos [editar]Breve biografía (en Inglés)
Biografía más extensa (en Español)
MI5: Garbo y el Desembarco de Normandía (en Inglés)
Nombre clave: Garbo (en español)
Documental: Garbo el Espía, el hombre que salvó el mundo. (en español

http://www.garbothemovie.com/

NOTA
Batalla de Normandía - Wikipedia, la enciclopedia libreIr a El desembarco, 6 de junio‎: También el 2º batallón Ranger de los estadounidenses desembarcó en Pointe du Hoc el 5 de junio de 1944 (un día antes) a ...
La Segunda Guerra Mundial fue el conflicto armado más grande y sangriento de la historia mundial, en el que se enfrentaron las Potencias Aliadas y las Potencias del Eje, entre 1939 y 1945. Fuerzas armadas de más de setenta países participaron en combates aéreos, navales y terrestres. Por efecto de la guerra murió alrededor del 2% de la población mundial de la época (unos 60 millones de personas), en su mayor parte civiles. Como conflicto mundial comenzó el 1 de septiembre de 1939 (si bien algunos historiadores argumentan que en su frente asiático se declaró el 7 de julio de 1937) para acabar oficialmente el 2 de septiembre de 1945.

Podran apreciar en la nota ke parece ke no cuadra la fecha de el estreno de la primera version de la pelicula, 1940 con las verdaderas.Como es material tan viejo puede ke tenga errores
Joakin

Cine mejicano-1936-1957

2009-11-29T03:53:00.000-08:00

Alla en el rancho grande,1936

Al terminar la guerra, el cine mexicano gozó del prestigio que había alcanzado durante unos años más. Sin embargo, el repunte del cine norteamericano y la aparición de la televisión representaron una seria amenaza para una cinematografía que ya daba señales de cansancio.

En 1946 asumió la presidencia el veracruzano Miguel Alemán Valdés. La llegada al poder de Alemán representó un cambio importante dentro de las estructuras del poder político en México. Alemán era el primer civil que llegaba a la presidencia desde 1932.

Entre 1946 y 1950 ocurrieron cosas importantes dentro del cine nacional: Emilio Fernández consolidó su fama mundial al obtener distintos premios internacionales, el director español Luis Buñuel inició la etapa mexicana de su filmografía y Pedro Infante se convirtió en el actor más popular de nuestro país.

A pesar de ello, el cine mexicano comenzó a manifestar síntomas de no estar del todo bien. Para preservar el ritmo de trabajo alcanzado durante la guerra, las compañías productoras decidieron abaratar los costos de producción de las películas. De esta manera proliferaron los llamados "churros": películas de bajo presupuesto, filmadas en poco tiempo y de mala calidad en general.

Bajo el gobierno de Alemán se decretó la Ley de la Industria Cinematográfica. En ella se dejaba a la Secretaría de Gobernación, por conducto de la Dirección General de Cinematografía, el estudio y resolución de los problemas relativos al cine. Esta decisión -que con el tiempo afectaría negativamente al desarrollo de nuestro cine- fue tomada por la necesidad de controlar al monopolio de la exhibición cinematográfica que existía en esos años (García Riera, 1986: 160).

Para 1949, la exhibición de películas en la República Mexicana estaba casi totalmente controlada por un grupo encabezado por el norteamericano William Jenkins. Al pasar el control del cine a la Secretaría de Gobernación, Alemán intentó desmantelar el monopolio, al mismo tiempo que dio el primer paso para la burocratización del cine, un lastre que la industria ha venido arrastrando hasta nuestros días.

Clásicos de la época de oro (1936-1957)
Con el estreno de Allá en el Rancho Grande (1936) de Fernando de Fuentes el cine mexicano inició su época de oro. En esos años, la conjunción perfecta de una industria pujante, excelentes realizadores y un soberbio cuadro de estrellas permitió la producción de un cine de gran calidad y éxito comercial. Prueba de ello es que más de la mitad de las seleccionadas entre las 100 mejores películas del cine mexicano corresponden a aquellos años dorados. En 1957, con la trágica muerte de Pedro Infante, el cine mexicano culminó su mejor etapa e inició una larga crisis que perdura hasta nuestros días.

Clásicos de la época de oro:
Allá en el Rancho Grande (1936) de Fernando de Fuentes
Águila o sol (1937) de Arcady Boytler
La mujer de nadie (1937) de Adela Sequeyro
Diablillos de arrabal (1938) de Adela Sequeyro
Ahí está el detalle (1940) de Juan Bustillo Oro
Cuando los hijos se van (1941) de Juan Bustillo Oro
La isla de la Pasión (Clipperton) (1941) de Emilio Fernández
El baisano Jalil (1942) de Joaquín Pardavé
Historia de un gran amor (1942) de Julio Bracho
Una carta de amor (1943) de Miguel Zacarías
Distinto amanecer (1943) de Julio Bracho
Doña Bárbara (1943) de Fernando de Fuentes
Flor silvestre (1943) de Emilio Fernández
María Candelaria (Xochimilco) (1943) de Emilio Fernández
México de mis recuerdos (1943) de Juan Bustillo Oro
Santa (1943) de Norman Foster y Alfredo Gómez de la Vega
Las abandonadas (1944) de Emilio Fernández
La barraca (1944) de Roberto Gavaldón
Bugambilia (1944) de Emilio Fernández
Campeón sin corona (1945) de Alejandro Galindo
Pepita Jiménez (1945) de Emilio Fernández
La perla (1945) de Emilio Fernández
Enamorada (1946) de Emilio Fernández
Gran Casino (1946) de Luis Buñuel
La otra (1946) de Roberto Gavaldón
Los tres García (1946) de Ismael Rodríguez
La diosa arrodillada (1947) de Roberto Gavaldón
Gángsters contra charros (1947) de Juan Orol
Músico, poeta y loco (1947) de Humberto Gómez Landero
El niño perdido (1947) de Humberto Gómez Landero
Nosotros los pobres (1947) de Ismael Rodríguez
Río Escondido (1947) de Emilio Fernández
Calabacitas tiernas (¡Ay qué bonitas piernas!) (1948) de Gilberto Martínez Solares
Esquina bajan...! (1948) de Alejandro Galindo
Una familia de tantas (1948) de Alejandro Galindo
Lola Casanova (1948) de Matilde Landeta
Maclovia (1948) de Emilio Fernández
Pueblerina (1948) de Emilio Fernández
Salón México (1948) de Emilio Fernández
Los tres huastecos (1948) de Ismael Rodríguez
Aventurera (1949) de Alberto Gout
Doña Diabla (1949) de Tito Davison
Duelo en las montañas (1949) de Emilio Fernández
El gran calavera (1949) de Luis Buñuel
La malquerida (1949) de Emilio Fernández
La negra Angustias (1949) de Matilde Landeta
La oveja negra (1949) de Ismael Rodríguez
No desearás la mujer de tu hijo (1949) de Ismael Rodríguez
El rey del barrio (1949) de Gilberto Martínez Solares
¡Ay amor... cómo me has puesto! (1950) de Gilberto Martínez Solares
Doña Perfecta (1950) de Alejandro Galindo
En la palma de tu mano (1950) de Roberto Gavaldón
La marca del zorrillo (1950) de Gilberto Martínez Solares
Los olvidados (1950) de Luis Buñuel
Rosauro Castro (1950) de Roberto Gavaldón
Sensualidad (1950) de Alberto Gout
Siempre tuya (1950) de Emilio Fernández
Simbad el mareado (1950) de Gilberto Martínez Solares
El suavecito (1950) de Fernando Méndez
Susana (Carne y demonio) (1950) de Luis Buñuel
Víctimas del pecado (1950) de Emilio Fernández
A. T. M. A toda máquina! (1951) de Ismael Rodríguez
El ceniciento (1951) de Gilberto Martínez Solares
Chucho el Remendado (1951) de Gilberto Martínez Solares
La hija del engaño (1951) de Luis Buñuel
Una mujer sin amor (1951) de Luis Buñuel
Mujeres sin mañana (1951) de Tito Davison
La noche avanza (1951) de Roberto Gavaldón
El revoltoso (1951) de Gilberto Martínez Solares
Subida al cielo (1951) de Luis Buñuel
Trotacalles (1951) de Matilde Landeta
El bello durmiente (1952) de Gilberto Martínez Solares
El bruto (1952) de Luis Buñuel
Dos tipos de cuidado (1952) de Ismael Rodríguez
Él (1952) de Luis Buñuel
Me traes de un ala (1952) de Gilberto Martínez Solares
El rebozo de Soledad (1952) de Roberto Gavaldón
Robinson Crusoe (Adventures of Robinson Crusoe) (1952) de Luis Buñuel
Abismos de pasión (1953) de Luis Buñuel
Espaldas mojadas (1953) de Alejandro Galindo
La ilusión viaja en tranvía (1953) de Luis Buñuel
El mariachi desconocido (Tin Tan en La Habana) (1953) de Gilberto Martínez Solares
Raíces (1953) de Benito Alazraki
El rapto (1953) de Emilio Fernández
Reportaje (1953) de Emilio Fernández
Escuela de vagabundos (1954) de Rogelio A. González
El río y la muerte (1954) de Luis Buñuel
El vizconde de Montecristo (1954) de Gilberto Martínez Solares
Ensayo de un crimen (1955) de Luis Buñuel
El inocente (1955) de Rogelio A. González
Lo que le pasó a Sansón (1955) de Gilberto Martínez Solares
El médico de las locas (1955) de Miguel Morayta
El gato sin botas (1956) de Fernando "Papi" Cortés
Ladrón de cadáveres (1956) de Fernando Méndez
La muerte en este jardín (La mort en ce jardin) (1956) de Luis Buñuel
Torero (1956) de Carlos Velo
El vampiro (1957) de Fernando Méndez

Espaldas mojadas (1953)

México Blanco y Negro
Lugar dentro de las 100 mejores películas del cine mexicano: 97

Una producción de:
ATA Films y Atlas Films

Género:
Drama social

Duración:
116 min.

Sonido:
Monoaural

Dirección:
Alejandro Galindo

Asistente de Dirección:
Jesús Marín

Producción:
José Elvira; gerente de producción: Manuel Jasso Rojas; jefe de producción: Luis G. Rubín

Guión:
Alejandro Galindo

Fotografía:
Rosalío Solano; stock shots para efectos especiales: Bill Miller

Escenografía:
Edward Fitzgerald

Maquillaje:
Carmen Palomino

Edición:
Carlos Savage

Sonido:
Rodolfo Solís y Jesús González Gancy

Música:
Jorge Pérez H.; canciones: "Nací en la frontera", "Canción mixteca", "Desterrado me fuí", "Dos arbolitos"

Reparto: David Silva
....
Rafael Améndola Campuzano

Víctor Parra
....
míster Sterling

Martha Valdés
....
Mary o María del Consuelo

Óscar Pulido
....
Luis Villarreal o Louie Royalville

José Elías Moreno
....
Frank Mendoza

Pedro Vargas
....
bracero

Alicia Malvido
....
Agnes

Carolina Barret
....
Margarita Frías

Salvador Godínez
....
bracero

Lola Beltrán
....
cantante

Rogelio Fernández
....
bracero

Guillermo Álvarez Bianchi
....
Rico

Eulalio González "Piporro"
....
Alberto Cuevas

Jorge Treviño
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cantinero

Jorge Arriaga
....
comisario

José Chávez Trowe
....
Felipe Quintanilla

Salvador Quiroz
....
policía mexicano

Gregorio Acosta

Julio Sotelo

Emilio Garibay

José Luis Fernández

Trío Calaveras

Sinopsis:
Huyendo de la justicia, el trabajador Rafael Améndola logra cruzar la frontera ayudado por el "pollero" Frank Mendoza, socio del estadounidense Sterling. Ya en territorio de los Estados Unidos, Rafael vive en constante zozobra, sin lograr adaptarse al estilo de vida americano y añorando con nostalgia su vida en México.Crítica y análisis sobre el cine mexicano

Libros de crítica y análisis

Revistas

El ejercicio de la crítica cinematográfica en México cuenta con una tradición centenaria y se ha visto revitalizado con la constante aparición de libros y revistas que revisan, desde una perspectiva crítica, el fenómeno cinematográfico en nuestro país. La siguiente selección no es exhaustiva pero demuestra la gran cantidad de material que se ha escrito sobre nuestro cine.

Libros de crítica y análisis (listado alfabético por título):
Aventura del cine mexicano: En la época de oro y después, La (1993) por Jorge Ayala Blanco
Bandolero, el pocho y la raza, El (2000) por David R. Maciel
Búsqueda del cine mexicano, La (1986) por Jorge Ayala Blanco
Bye Bye Lumière... Investigación sobre cine en México (1994) por Eduardo de la Vega Alfaro y Enrique E. Sánchez Ruiz (Compiladores)
Cine y género (2001) por Patricia Torres San Martín
Cinta de plata, La (1986) por Jaime Torres Bodet
Condición del cine mexicano, La (1986) por Jorge Ayala Blanco
Década perdida, La (1986) por Gustavo García
Disolvencia del cine mexicano: Entre lo popular y lo exquisito, La (1991) por Jorge Ayala Blanco
Eficacia del cine mexicano: Entre lo viejo y lo nuevo, La (1996) por Jorge Ayala Blanco
Exaltados, Los (1992) por Ángel Miquel
Fugacidad del cine mexicano, La (2001) por Jorge Ayala Blanco
Grandeza del cine mexicano, La (2004) por Jorge Ayala Blanco
Horizontes del segundo siglo: Investigación y pedagogía del cine mexicano, latinoamericano y chicano (1998) por Julianne Burton-Carvajal, Patricia Torres San Martín y Ángel Miquel (Editores)
Imágenes cambiantes (1996) por Luis Trelles Plazaola
Mujeres de luz y sombra en el cine mexicano (1998) por Julia Tuñón
Por las pantallas de la ciudad de México (1995) por Ángel Miquel
Rostros de un mito: Personajes femeninos en las películas de Emilio "Indio " Fernández, Los (2000) por Julia Tuñón
Rostros del cine mexicano (1999) por Carlos Monsivais
Verdad y mentira del cine mexicano (1981) por Alejandro Galindo
Revistas (listado cronológico):
DICINE (1984-1997)

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“El cine mexicano no se puede explicar actualmente sin las escuelas de cine”

Patricia E. Dávalos Culturas Martes 14 de Marzo, 2006 Hora de creación: 00:00 Ultima modificación: 04:02

El cine se aprendía en la práctica y sin fundamento teórico y fue a partir de la creación de escuelas que se formaron cineastas con preocupaciones más profundas y una visión más crítica de lo que les rodea. Y es claro que el talento no se adquiere, pero sí las técnicas para consolidar una visión y transmitirla; para eso están las escuelas como el CUEC, señaló su director, el cineasta Armando Casas.
Hoy en Bellas Artes, durante la ceremonia número 48 de la entrega del Ariel a lo mejor del cine mexicano, el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos, conjuntamente con el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC), recibirán el Ariel de Oro por su contribución al cine mexicano.
Armando Casas (Un mundo raro, 2001), actual director del CUEC, subraya que la escuela, inscrita dentro de la Universidad Nacional Autónoma de México, es merecedora justa del reconocimiento de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, pues se ha encargado de formar a cineastas reconocidos a lo largo de 43 años, desde su fundación, en 1963.
El cineasta, entrevistado en su oficina de Adolfo Prieto donde se ubica la escuela, explica a Crónica orgulloso: “ya se habían tardado” en otorgar este reconocimiento, y asegura, no se puede entender el buen cine mexicano, con todo y los problemas de la producción, sin las escuelas de cine.
“Tenemos unos cineastas más preparados técnicamente, con una visión y un bagaje más profundo; creo que la academia es el camino más corto, no el más fácil, para formarse como cineastas, y es el camino que tiene mayores certezas. Finalmente uno va formando y aprendiendo con ejercicios y es menos doloroso que el mundo real”, dice Casas, quien al igual que otros cineastas, debió pasar por momentos difíciles para conseguir levantar su propia ópera prima.
Orgulloso universitario, Casas afirma que el CUEC tienes más fortalezas que debilidades, entre las que destacan la pluralidad, la visión crítica, la tolerancia, la amplitud de ideas, el análisis, la dimensión social, “creo que estas son las características de la escuela. Hay gente que estudia en el extranjero, a donde van sólo quienes tienen la posibilidad económica, pero regresan con la convicción de que el CUEC es mejor”.
Cada año, la escuela de cine de la UNAM admite solo a 15 personas, de un promedio de 250 peticiones. “La escuela tiene un gran nivel de funcionamiento, estamos en festivales, obtenemos premios, la gente es muy capacitada porque aceptamos sólo quince. Y son los 15 mejores. Tenemos la experiencia para decir quiénes son. No puedes aceptar a alguien que no trae cierto bagaje cultural, a quien no le detectas cierta visión; a quien no tiene cierta capacidad de imaginación, o de construcción de lenguaje, de articulación, le va a costar más trabajo”, explica Casas.
Mientras se discute sobre si el cine se enseña o no, Casas habla de gente generosa que siempre quiere transmitir sus conocimientos y su arte a los estudiantes, en esta paradoja, refiere el cineasta, hay elementos que no se pueden enseñar, “y es cierto que el bagaje, el talento, la visión no se enseñan, pero si las técnicas para que ellos puedan consolidar una visión, con un sentido crítico social, muy distinto a lo que se estaba haciendo en el cine mexicano.
“Se ve que la mirada es otra, hay análisis. A diferencia de muchas otras escuelas, los muchachos no están solos ni filman por filmar; hay una historia, todo debe estar al servicio de una visión, de un universo propio, con el dominio de la técnica, que sin tener nada que expresar es vacía. Aquí hacemos cine que busca expresar emociones, transmitir emociones e ideas”, afirma el director del CUEC.

De sus filas han egresado 349 cineastas
Como hacedor de cineastas, el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos tiene en su haber 349 egresados en sus 43 años de creación, cuando el maestro Manuel González Casanova se interesó en la enseñanza académica del cine en la UNAM y a partir de las reflexiones llamadas 50 lecciones de cine y lecciones de análisis cinematográfico surgieron algunas conferencias y después la primera escuela de cine en México y América Latina.
Un par de viejas cámaras bolex de 16 mm, una moviola también de 16 mm., y un estudio de proyección usado fueron los primeros elementos de la escuela que hoy presume una cámara profesional de 35 mm.
Desde su fundación han egresado 349 alumnos de unos 800 que han pasado por sus aulas, y cada año se reciben sólo a 15. Su acervo es de 800 películas y sus realizaciones han obtenido 85 premios y reconocimientos nacionales e internacionales, 40 de los cuales han sido en los últimos cinco años.
A 43 años de su creación, el CUEC no es sólo semillero de cineastas, que, a decir de su director, Armando Casas, encuentran trabajo en el extendido universo audiovisual —entiéndanse cine y sus rubros, como sonido, edición, fotografía, etcétera—, sino que es también formador de profesores reconocidos internacionalmente.
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Los sentidos del cine político

2009-10-17T01:30:00.000-07:00

JOSÉ MARÍA RIDAO 17/10/2009

Como en el caso de la literatura o el arte políticos, rechazar por principio la viabilidad estética de un cine político participa de los mismos equívocos, por no decir de los mismos errores, que la posición contraria, para la que ningún cine, como tampoco ninguna literatura ni ningún arte, pueden ser otra cosa que políticos.

En el ámbito de la creación, no existen normas que no puedan desmentir una obra o un talento nuevos, incluso una interpretación crítica distinta de la imperante en un momento dado. Cuando, defendiendo la condición política de cualquier obra artística, Sartre aseguraba que los escritores -aunque lo mismo valdría para los cineastas- no pueden escapar de su época, y apoyaba en este punto de partida la necesidad del compromiso, esto es, la necesidad de adoptar la posición correcta, Julien Benda le recordó que el problema radicaba en la premisa, no en la conclusión. ¿Qué quería decir Sartre exactamente, replicó Benda, con eso de que el escritor, de que el artista no puede escapar de su época?

Bajo la expresión aparentemente unívoca de cine político se esconde, en realidad, una pluralidad de sentidos, lo mismo que sucede con la literatura y, en general, el arte políticos.

Cine político puede ser el que adopta una circunstancia política como tema o como contexto, para denunciarla, pero también el que pretende ilustrar o defender una causa política. Ni en un caso ni en otro el valor artístico está determinado de antemano, ni en contra ni a favor.

Otra cosa es que, analizando el pasado, no se pueda advertir el espejismo que hizo muchas veces confundir las intenciones de un creador, buenas o malas, con los logros artísticos alcanzados. Obras admiradas un día se desmoronaron al siguiente, coincidiendo con el desvanecimiento de ese espejismo que llevó a tomar por logros artísticos lo que sólo era una coincidencia de los lectores, los espectadores o los críticos con la intención, con la causa política que defendía el creador. La revisión a la baja del arte comprometido, según lo entendía Sartre, tiene que ver, no con el reconocimiento de que la causa política a la que pretendía servir se revelara abyecta, sino con el hecho de que, utilizando la causa política como señuelo, colocara en segundo plano los logros artísticos. De ahí que el argumento también opere en sentido contrario: cuando algunas obras alcanzaron logros artísticos, su vigencia permanece más allá de la causa política a la que pretendieron servir.
En el cine político actual, lo mismo que en la literatura y el arte políticos, el riesgo, el espejismo que se advierte es de naturaleza distinta al que acechó durante la vigencia del compromiso en sentido sartreano.

Por lo general, se trata de un cine que es político no tanto por defender una causa política, sino por adoptar una circunstancia política como tema o como contexto, para denunciarla. "La característica dominante de la actual escena literaria", escribe George Steiner en Lenguaje y silencio, "es la mayor excelencia de la no-ficción -del reportaje, la historia, el argumento filosófico, la biografía, el ensayo crítico- sobre las formas tradicionales de la imaginación". Una vez más, lo mismo podría decirse del cine; en concreto, del actual cine político. En este caso, el riesgo, el espejismo consistiría en confundir la eficacia en la denuncia de una situación política con sus logros artísticos.

Sobre todo cuando, como ahora sucede, se multiplican las películas, o las novelas y las obras artísticas, que vuelven una y otra vez sobre las tragedias del siglo XX o sobre lacras sociales sobradamente reconocidas como tales, como los efectos de la globalización sobre los trabajadores, el medio ambiente o el crimen organizado.
Muchos de estos asuntos merecen, sin duda, una reiterada e infatigable denuncia. Pero cabe preguntarse si las obras que se proponen llevar a cabo esa denuncia serán siempre apreciadas como arte o quedarán, por el contrario, como ejemplares testimonios de compromiso civil. Desde luego, no son valores excluyentes, ni es legítimo considerar uno como superior al otro. Sencillamente, se trata de ser conscientes de cuál se escoge, si es que se acepta escoger, a la hora de juzgar sus resultados. -

La socierdad de los poetas muertos

2009-10-02T08:59:00.000-07:00

Basada en un impecable guión de Tom Schulman, ganador del Oscar en 1990, la película La sociedad de los poetas muertos expone el despertar adolescente al placer del lenguaje poético, al romanticismo, la búsqueda de la identidad y la canalización de las posibilidades vocacionales.

La película se torna indispensable para docentes preocupados por la formación de niños y jóvenes, además de ofrecerles información. Asimismo cuestiona a los padres que, aun con buenas intenciones y buscando lo mejor para sus hijos, no se detienen a pensar y sentir lo que éstos necesitan y quieren.

En el guión quedan perfectamente engarzados poemas de Walt Whitman, Henry D. Thoreau y Lord Tennyson, entre otros, así como unos diálogos verosímiles que en unas cuantas frases muestran la personalidad, los conflictos, las posibilidades y expectativas de sus personajes. El escenario es un colegio tradicional, rígido y exigente, donde el peso de la tradición gravita sobre las vidas y las conciencias de los jóvenes adolescentes, que son inscritos y presionados por sus acaudalados y severos padres.

La trama se presenta con unos leves y breves trazos, donde el conflicto queda expuesto y así conocemos a los personajes: padres, maestros y autoridades dispuestos a todo, menos a romper las reglas que han seguido por años, un conjunto de estudiantes, con distintas potencialidades de pensar y sentir a profundidad, y un maestro de literatura dispuesto a abrir las mentes y los corazones de sus alumnos al goce de la lectura y la libertad de pensamiento.

El tema principal cuestiona las prácticas rígidas y memorísticas de las escuelas tradicionales, contrastadas y retadas por este exalumno convertido ahora en maestro, que viene decidido a romper dichas formas de enseñanza y aprendizaje.

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ANALISIS DE LA PELÍCULA: "LA SOCIEDAD DE LOS POETAS MUERTOS"

Secuencia Narrativa:

Comienza un nuevo a?o lectivo en la Academia Welton (colegio para varones), era una escuela aislada y tradicional. Tiene 4 pilares a seguir; TRADICION, HONOR, DICIPLINA, EXELENCIA. Ese a?o, siete estudiantes conocer?n a un profesor cuyas ideas sobre la vida les inspirar?n para emprender la b?squeda de sus pasiones individuales, para explorar nuevos horizontes y descubrir la agitaci?n de un mundo m?s all? del estricto plan de estudios de Welton. Desafiando a las autoridades escolares y a los severos padres de los alumnos, el profesor John Keating, ser? para ellos algo m?s que un simple profesor. Ser? para ellos la inspiraci?n que haga de sus vidas algo extraordinario. Los alumnos comienzan a amar la poes?a y descubren la Sociedad de los Poetas Muertos, en la cual se escapaban por las noches, y se reunian a leer poesia, a entenderla y disfrutarla, y mas que nada a sentirla. Todo parecia venir bien, hasta que Nell, se ve como obligado y sin ganas de vivir por lo que su padre le hiso, ya que para Nell lo mas importante en su mundo era actuar, por esto se suicida.

El suicido de Nell es quiz?s una de las acciones m?s impactantes y tristes que se hayan mostrado en la pel?cula. Representa, para muchos j?venes, la impotencia ante un orden m?s all? de su comprensi?n. Al mismo tiempo, simboliza los l?mites de una libertad mal comprendida.

Al final, los personajes descubren que es in?til tratar de encontrar culpables. Tambi?n descubren- Y en forma dolorosa - que no tiene sentido tratar de imitar a nadie. La vida de cada persona es ?nica e inimitable. Es precisamente eso lo que hace de la vida algo tan precioso para cada uno de nosotros.

Personajes:

Robin Williams (John Keating)

Robert Sean Leonard (Nell Perry)

Ethan Hawke (Todd Anderson)

Josh Charles (Knox Overstreet)

Gale Hansen (Charlie Dalton)

Dylan Kussman (Richard Cameron)

Allelon Ruggiero (Steven Meeks)

James Waterston (Gerard Pitts)

Kurtwood Smith (Mr. Perry)

Ideas - Fuerza:

Adem?s de ser una pel?cula sobre el poder de la poes?a, La Sociedad de los Poetas Muertos, es una pel?cula que inspira la reflexi?n sobre la vida. "Aprovechen el d?a" dice en un momento clave el profesor de ingl?s. Y los j?venes se toman el consejo al pie de la letra.

Esta tambi?n presenta el dilema de la libertad en la b?squeda por vivir la vida. El entorno social de los j?venes de la misma no es precisamente el m?s propicio para seguir los consejos del Profesor Keating. De ah? que, en el intento por conseguir la libertad sobrevenga la tragedia.

Ideas y Fraces que rescato:

-No dejes que termine el d?a sin haber crecido un poco,
sin haber sido feliz, sin haber aumentado tus sue?os.

-No te dejes vencer por el desaliento.
-No permitas que nadie te quite el derecho a expresarte, que es casi un deber.

-No abandones las ansias de hacer de tu vida algo extraordinario.
-No dejes de creer que las palabras y las poes?as, s? pueden cambiar el mundo.

-Pase lo que pase nuestra esencia est? intacta.
-Somos seres llenos de pasi?n.

-La vida es desierto y es oasis.
-Nos derriba, nos lastima, nos ense?a, nos convierte en protagonistas de nuestra propia historia.

-Aunque el viento sople en contra, la poderosa obra contin?a: T? puedes aportar una estrofa.

-No dejes nunca de so?ar, porque s?lo en sue?os puede ser libre el Hombre.

-No caigas en el peor de los errores: el silencio. La mayor?a vive en un silencio espantoso.

-No te resignes. Huye.

-"Emito mis alaridos por los techos de este mundo", dice el poeta.

-Valora la belleza de las cosas simples. Se puede hacer bella poes?a sobre peque?as cosas.

-No traiciones tus creencias. Porque no podemos remar en contra de nosotros mismos: Eso transforma la vida en un infierno.

-Disfruta del p?nico que te provoca tener la vida por delante.

-V?vela intensamente, sin mediocridad.
-Piensa que en ti est? el futuro y encara la tarea con orgullo y sin miedo.

-Aprende de quienes puedan ense?arte.

-Las experiencias de quienes nos precedieron,
de nuestros "Poetas Muertos", te ayudan a caminar por la vida.

La sociedad de hoy somos nosotros:
Los "Poetas Vivos".
No permitas que la vida te pase a ti sin que la vivas...

Dead Poets Society (traducida en Argentina, Colombia y México como La sociedad de los poetas muertos y en España como El club de los poetas muertos) es una película estadounidense dirigida por Peter Weir en 1989 con guión de Tom Schulman. Protagonizada por Robin Williams, narra el encuentro de un profesor de literatura con un grupo de estudiantes durante 1959 en una prestigiosa y conservadora academia. A través de la poesía, el profesor inspira un cambio en las vidas de sus alumnos, que se rebelan contra el conservadurismo moral y reclaman su puesto en la sociedad. Ganó un Oscar al mejor guión original. En 1991 se publicó una adaptación del guión original, en forma de novela, escrita por la ex-reportera y editora Nancy H. Kleinbaum.[1]

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1 Argumento
2 Cita
3 Referencias
4 Enlaces externos

[editar] Argumento
La historia se sitúa en una de las academias más prestigiosas de los Estados Unidos, el colegio Welton, en donde cuatro postulados marcarán la vida de los jóvenes. Tales valores son los siguientes: “Tradición, honor, disciplina y excelencia”.

Es luego de ésto que las autoridades presentan al nuevo profesor de literatura: John Keating; que cambiará la vida de un pequeño grupo de jóvenes. Posteriormente a la ceremonia, los jóvenes se reúnen en sus habitaciones, y Todd Anderson conoce a Neil Perry. Después conocen a Knox Overstreet junto con Charles Dalton, quienes ya se conocían anteriormente.

Es en esta etapa donde se presenta en la película por primera vez el padre de Neil, que es una persona bastante bipolar y con creencias firmes en la que él tiene que decidir por el bien de su hijo y no Neil. Aquí es donde Neil da un giro de 180º en su personalidad y se convierte en una persona temerosa y sumisa en presencia de su progenitor. A pesar de que Neil muestra respeto hacia su padre no significa que esté de acuerdo con sus elecciones. Aunque, a pesar de esto, no tiene el valor suficiente como para contradecirlo (a pesar de ser una persona muy expresiva).

En los salones, los alumnos están esperando al nuevo maestro de literatura: John Keating. Éste, al llegar al salón, pasa despreocupado haciendo ademanes curiosos y jugando con las luces. Luego, les indica a los alumnos que salgan del salón.

Una vez fuera del salón, en un estante con recuadros de antiguos alumnos que Keating les cita un poema dedicado a Lincoln, llamado “Oh Capitán, mi Capitán” (de Walt Whitman dedicado al fallecido presidente Lincoln).

Innovadoramente, el señor Keating les dice que si son osados podrán llamarlo así. Les muestra un cuadro en donde aparece la primera generación egresada de Welton; en donde todos los estudiantes deben concentrarse y escuchar. De pronto una voz de carácter lúgubre y del más allá se escucha diciendo “Carpe diem”. Es Keating nuevamente, que les explica el sentido de la vida haciendo una analogía con los alumnos antiguos. Les explica que ellos no supieron aprovechar el tiempo, y ahora, desde el otro mundo ellos claman por los estudiantes nuevos, para que no pierdan lo que no podrán a volver a recuperar: “El Tiempo”. Es aquí donde el tópico más famoso de la historia entra en acción, donde cada adolescente comienza a aprender el sentido de aprovechar el día, así logrando romper los esquemas del pensamiento formal y preso de un sistema educacional autoritario, represivo y conservador.

Posteriormente, en una clase de literatura Keating les hace leer la introducción del libro de literatura que explica qué es la poesía, cómo se debe analizar y cómo se debe fabricar. “Basura”, dice Keating, y les hace arrancar toda la introducción del libro (he aquí otro acto rebelde para la época, e incluso para esta); pues la concepción de poesía para Keating es mucho más simplista: La poesía no tiene estructura, la poesía no tiene normas, sólo crea y piensa en algo, dale el énfasis que necesitas y rompe esquemas.

Más tarde los jóvenes se interesan por conocer quién fue Keating, por eso consiguen su anuario y se enteran de La Sociedad de los Poetas Muertos. Le preguntan qué es eso y Keating les responde que eran reuniones realizadas en la Cueva India en pro de fabricar poesía, en pro de pensar libremente y expresar sus emociones, una verborrea que fluía como la savia de un árbol lastimado. Los jóvenes se interesaron y quisieron participar en ella; reanimarla para poder salir de lo común. Tras largos intentos por reunirse, los jóvenes, encabezados por Neil, una noche escapan a la cueva y comienzan un ritual; el que se ve reflejado en que la cueva está libre de los prejuicios de la sociedad y no hay nadie que pueda oprimirlos. Tal es el gusto a la libertad que declaran la guerra a los cuatro pilares de Welton, reemplazándolos por los siguientes: “Travesura, horror, decadencia, pereza”.

Tras la primera vez de reunirse, los jóvenes le tomaron el gusto a la poesía, por lo que siguieron con las juntas. Los jóvenes, van desarrollando su libertad interna y sólo tratan de expresarla, por lo que Neil consigue el rol de protagonista en una obra de William Shakespeare. Todd logra despojar su timidez por un momento en una tarea de poesía, donde ésta fluyó espontánea, sin antes crearla. Knox se atrevió a declararle su amor a una joven sin importarle lo que pudiera suceder, y Charles invitó a dos chicas a la cueva, liberándose y planteando un tema: el de dejar entrar mujeres a Welton. Posteriormente se colocó un seudónimo: Nuwanda.

En una publicación de la revista escolar, Charles coloca en un acto de rebeldía un artículo en donde sin prejuicios se hace hincapié a dejar ingresar chicas a Welton, con la firma de La Sociedad de los Poetas Muertos, por lo que el rígido Sr. Nolan decide llamar a conferencia con los estudiantes para investigar quién fue el que quebrantó los pilares de Welton. De pronto, suena un teléfono. Contesta Charles Dalton y dice: “Señor Nolan, es para usted. Es Dios, dice que debería haber chicas en Welton”.

Keating va con los jóvenes reunidos y les dice que el “Carpe diem” no es sólo una oración común: para hacer uso de ella hay que usar la razón y tener la capacidad de anticiparse a las consecuencias. Neil se siente triste porque su padre le dice que abandone el papel principal de la obra y le hace caso. Para encontrarle una solución a esta problemática decide ir muy triste a hablar con Keating. Él le recomienda hablar, atreverse, mirar a los ojos a su padre y decirle lo que a él realmente le gusta en la vida: “Carpe diem”; nade se pierde con intentarlo. Neil decide hacerle caso y hablar con su padre, quien supuestamente le brinda la oportunidad de actuar. Se está presentando la obra que es El sueño de una noche de verano, que simboliza la única oportunidad que Neil tendrá para poder cumplir su sueño: Ser actor. Más repentinamente aparece su padre, quien, al concluir la obra, se lleva a casa a Neil sin felicitarlo por su excelente cometido.

Todos alababan a Neil pero su padre no supo reconocer esto. En la noche en un acto ritual, luego de una discusión vocacional, Neil saca la corona que había utilizado en la obra y la coloca con mucha impotencia y tristeza en la ventana; representando así que sus sueños se le iban por la borda; todo quedaba en el aire, y la única solución es poner fin a su vida porque piensa que aprovechó el momento mientras fue feliz y su vida ya no tiene sentido porque su padre no le dejaría serlo. Piensa que su padre así entenderá que lo que importa es lo que su hijo quería ser y no la arbitrariedad de su decisión de imponerle un futuro no deseado, para poder así ayudar a toda una comunidad que padece los mismos problemas en Welton. Tras el suicidio de Neil, los jóvenes acongojados de la SPM sienten que el padre del fallecido fue el culpable y le endosan toda esta responsabilidad a él. Al contrario, el Señor Perry dice a las autoridades de Welton que Keating está rebelando a sus hijos y está tratando de convertirlos en libres pensadores cuando sólo tienen 17 años.

Por lo que el profesor de literatura es, a los ojos de Nolan y sus séquitos de la dirección, el culpable de dicho acto tan terrible. Lo culpan para limpiar el nombre de la escuela Welton. Para poder culpar a Keating, antes realizan un sumario e investigación en donde se obliga a firmar a cada uno de los “Poetas Muertos” y a reconocer que Keating fue el artífice de esto. Pues Cameron, uno de los compañeros de los chicos, estuvo de acuerdo con la dirección y también le echó la culpa a Keating, haciendo una declaración. Sin más remedio que irse, Keating recogía sus pertenencias durante una clase, para luego cruzar el salón por última vez; esta vez con el pupitre de Neil Perry vacío. Es aquí cuando Todd Anderson se levanta repentinamente y dice: “Nos obligaron a firmar, señor Keating”. Los jóvenes, uno a uno comienzan a pararse sobre sus bancos diciendo: “Oh Capitán, mi Capitán” al que Keating responde con una breve y simple frase, pero que deja caer toda la gratitud, ya que no desecharon lo que él les enseñó e hicieron del “Carpe diem” una de las armas más letales contra la sociedad opresora: “Gracias muchachos, gracias”.

[editar] Cita
El día de hoy no se volverá a repetir. Vive intensamente cada instante. Lo que no significa alocadamente, sino mimando cada situación, escuchando a cada compañero, intentando realizar cada sueño positivo, buscando el éxito del otro, examinándote de la asignatura fundamental: el Amor. Para que un día no lamentes haber malgastado egoístamente tu capacidad de amar y dar vida por lo que continuara...

[editar] Referencias
↑ Kleinbaum, N. H. (1997). El club de los poetas muertos, 7ª edición, Barcelona:Plaza & Janés. ISBN 978-84-01-49186-3.
[editar] Enlaces externos
Wikiquote

Wikiquote alberga frases célebres de Dead Poets Society.
Dead Poets Society en Internet Movie Database
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Dead_Poets_Society"

Dia naranja en Buenos Aires

2009-09-01T04:59:00.000-07:00

Desde Buenos Aires, Argentina; Bogotá, Colombia y Caracas, Venezuela; las tres protagonistas compartirán una misma experiencia: creer que están embarazadas. Desde un elegante atelier, las calles de una agitada ciudad o una acogedora casa, estas tres mujeres se enfrentarán a la impactante realidad de un embarazo no planificado, evento que las llevará a descubrir sus prioridades y a sincerarse con ellas mismas.

La historia escrita por Alejandra Zseplaki y Leticia Castro es llevada a la vida por los actores venezolanos Carolina Riveros, Reinaldo Zavarce “Peche”, los argentinos Bernarda Pages y Martín Borinsenko, y los colombianos Marina García, Juan Pablo Raba y Andrés Suárez; todos bajo la dirección de Szeplaki, y con la dirección ejecutiva de Daniel Jerozolimski.

Lejos de lo que se acostumbra llamar ‘el típico cine venezolano’, Día Naranja no presenta matices políticos, violentos o de crítica social; esta película es más bien soñadora, un tanto humorística y muy femenina; se nota en ella la influencia del filme francés Amelie y de directores como Almodovar y Tim Burton. Además, en sus múltiples animaciones, la escenografía y el vestuario de las actrices, queda clara la participación de un importante equipo de diseñadores gráficos, de moda y artistas plásticos.

Entrevista a Alejandra Szeplaki.

Todo ocurrió en un Día Naranja.
martes, 04 de agosto de 2009 a las 15:59
Se estima que para el mes de Octubre de este año se estará estrenando en la cartelera venezolana Día Naranja, el primer largometraje de la realizadora venezolana Alejandra Szeplaki. La película cuenta la historia de tres mujeres, Ana, Patricia y Sol, quienes, en tres lugares diferentes de Suramérica, se enfrentan a un destino común: la posibilidad de ser madres. Caracas, Buenos Aires y Colombia son el marco de las tres historias, las cuales se desarrollan en un sólo día. Un Día Naranja.

Según un artículo publicado por la Agencia Bolivariana de Noticias, la película fue financiada por el Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC), el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales de Argentina (INCAA) y las compañías venezolanas Estrella Films, Lagarto Films y Bolívar Films, entre otras.

Para hablar de Día Naranja y otras cuestiones de interés, Alejandra nos concedió una entrevista, la cual transcribo a continuación.

EC: ¿Quién es Alejandra Szeplaki? ¿Dónde coinciden la mujer y la cineasta?

AS: He tratado de responder a esta terrible pregunta varias veces, he abierto varias botellas de vino tinto, me siento frente a mi mac, me sirvo una copa y termino la botella sin poder siquiera redactar dos líneas coherentes. Has empezado la entrevista por un lugar que me intimida, no puedo responder muy bien, no soy muy buena redactando, pero juro hago mi mejor esfuerzo aunque he tardado más de un mes en responder, esta difícil, no soy una intelectual. Es muy difícil saber quien soy o hablar de mi, me da un poco de angustia, pero te puedo decir que soy alguien que ama el cine, cada vez que estoy triste voy al cine y en esa sala oscura siempre me siento mejor. Cuando estoy feliz también lo celebro viendo una película, cuando me siento perdida en la vida siempre tengo al cine como tabla de salvación. Trabajo en el mundo del cine desde muy joven, mi primeros salarios fueron gracias al cine y desde muy joven decidí que no quería hacer otra cosa en el mundo. Siempre me ha interesado el mundo de lo femenino, desde esta óptica femenina enfoco mi trabajo. También desde este lugar he hecho de mi trabajo una visión feminista de la imagen.

EC: ¿Crees que la mujer venezolana, además de las grandes actrices, ha tenido una participación importante en el cine venezolano?

AS: El cine venezolano está lleno de grandes mujeres, desde grandes mujeres que han escrito crítica de cine, hasta importantes directoras de cine, cuyas películas están entre las más taquilleras de cine nacional. Los galardones más importantes que ha conquistado el cine nacional han sido de películas hechas por mujeres. Pero entre los mejores productores ejecutivos del país hay varias mujeres, productoras generales, productoras de campo, además de otros cargos donde es más común que sean mujeres las responsables del cargo, me refiero a script, vestuario, maquillaje. Muchísimas de mis compañeras de oficio han decidido incluso hacer del cine su familia y no tener hijos porque el sacrificio de la profesión se los ha impedido. Este es un oficio duro y para las mujeres más. Pero el cine nacional existe gracias al trabajo y talento de muchas mujeres.

EC: Sé que tienes encima 35 documentales y 3 cortos de ficción. Háblanos un poco (brevemente) de esos primeros trabajos, así como de tus influencias.

AS: Nunca pensé que haría documental, de hecho era un género que nunca me interesó, pero el país comenzó a cambiar y estos cambios merecían ser documentados, esta energía quizás me llevo a trabajar en el género documental. Pero también aquí descubrí una libertad creativa inmensa, las cámaras de video son muy ágiles, el equipo es mínimo y es increíble la libertad que se gana, comparado con la rigidez del 35 mm, la edición inmediata es mágica. Es un género que hoy amo.

El corto de ficción, fue mi escuela. Al no tener estudios formales en cine en ninguna gran universidad, allí aprendí todo confrontándome conmigo misma, aprendí procesos técnicos, aprendí a dirigir, a amar mi profesión, a entender que este oficio es un apostolado al que debes dedicar tu cuerpo y alma y entregarte de verdad, sino no terminas los cortos, y que allí pones tu dinero, tus sueños, tus ideas, tus frustraciones, tu amor. Ahora cuando veo mis cortos, igual que antes, lloro de emoción, me conmueven mucho, porque les dediqué mi cuerpo y alma. Mis cortos fueron un espacio de libertad, experimentación, un espacio para encontrar un lenguaje propio. Buenos o malos al menos se que los he hecho con el corazón en la mano.

EC: Entiendo que tu obra siempre ha tenido una mirada intimista de lo femenino. ¿Qué significa mostrar ese lado de la realidad? ¿Crees que un hombre está en capacidad de mostrar a la mujer tal y como es?

AS: Hay hombres que han retratado muy bien el alma de la mujer. Pero en mi trabajo la mirada de la mujer, de lo únicamente femenino, está siempre presente, procuro buscarla y la atesoro, como una llama frágil. Nunca me interesó lo feminista en el sentido panfletario, más bien siempre he buscado lo pequeñito, lo cotidiano, lo que puede decir un gesto, una mirada, un movimiento de cámara, más que una gran declaración de principios. El mundo de la mujer me parece interesante, por esto lo he explorado en mi trabajo. El mundo de mis amigas, de las mujeres de mi familia. Casi siempre escucho música cantada por mujeres, leo literatura escrita por mujeres, no es algo impuesto, se da por sí mismo, es como una energía que me busca. Quizás porque los cuentos que se contaban mientras se cocinaba en la cocina de mi casa, eran los que me comenzaron a vincular con el mundo.
Lo lindo de mi trabajo, es que algunas cosas que he filmado han permitido a muchas mujeres hablar de cosas que se relacionan con los temas que tocan las películas. Esto ha propiciado discusiones o compartir sentimientos, y esto es mágico. Si alguna frase o imagen de las que creo, conmueve a una mujer y la nueve a hablar o compartir con otra, he logrado mi objetivo.

EC: ¿De qué va Día Naranja y en qué crees se diferencia del resto de tu obra?

AS: Un largo es tan diferente!, tanto dinero!. Tanto tiempo. En esencia yo creo que se parece mucho a mis otras pelis, claro más profesional, mejor hecha, con más recursos, espero que quede mejor y también menos radical!
La gente habla!!! (los otros cortos son mudos). Bueno ha sido un gran proceso de aprendizaje, desde el guión, que fue un trabajo de 2 años y medio que escribí gracias a la colaboración de una talentosa guionista argentina llamada Leticia Castro. No sabes lo que me di de cabezazos hasta entender que no podía yo sola, que yo no soy guionista. También que un largo es muy diferente a un corto, en el aspecto de planificación, producción, etc. Aprendí a trabajar con actores, a trabajar con un gran equipo de profesionales donde de cada uno aprendes muchísimo, también a tener paciencia; los procesos son muy largos. Bueno y el camino que me queda por delante será de aprender mucho más. Pero he aprendido de todo, de fotografía, de arte, de dirección, de actuación, de edición, de cámara, de producción, de post producción. Un largometraje es un gran trabajo en equipo. Sin un gran equipo no hay película y mi labor aquí ha sido coordinar el talento de muchas personas para lograr un lindo resultado. En lo que más se parece a todos mis trabajos, es que sigue siendo una gran escuela de vida.

EC: ¿Cómo lograste conseguir financiamiento para Día Naranja?

AS: Gracias al gran esfuerzo y talento del productor ejecutivo de la película Daniel Jerozolimski, quien ha conseguido el dinero para la producción en Venezuela y los acuerdos de coproducción con Argentina y Colombia, Ibermedia entre otros, aportes como Cines unidos, Bolivar Films, Adolfo Lopez Sojo, etc, así como un grupo de talentosos productores ejecutivos regionales como Hugo Castro Fau de Argentina, Alexandro Angulo de Colombia. Igualmente Daniel ha convocado un gran equipo de producción local que ha hecho posible que la película se filme. Como siempre, una sola persona no hace una película, sino un conjunto de talentosas personas, en este caso el equipo de Daniel, que ha trabajado para hacer de Día Naranja una realidad. Este gran equipo pasa desde jefes de producción como Marianella Illas hasta los asistentes de producción.

EC: ¿Crees que actualmente existe un renacer del cine venezolano?

AS: Sin duda, un renacer de temas, de taquilla, de talentos, un interés de la gente por nuestro cine, un Estado comprometido con que exista de verdad el cine nacional. Estamos en un momento más que alentador, un momento fantástico. Y me alegra estar aquí y ser parte de esto.

EC: ¿Qué opinas de la Villa del Cine como institución?

AS: Creo que como concepto es algo formidable. Un espacio que se abre para el cine nacional, algo totalmente novedoso. Una institución con grandes recursos para el cine y una posibilidad para hacer más películas. Allí en poco tiempo van a haber equipos de tecnología de punta que se ofrecerán a todo el cine a precios solidarios. Estudios de sonido, de filmación, talleres de costura, cámaras. La villa del cine generará empleo para cientos de colegas. Es un espacio que no existe en Latinoamérica. Es producto de un Estado que entiende y asume con letras mayúsculas, su compromiso con el séptimo arte.

EC: Has escrito crítica de cine. Algunos consideran a los críticos como seres insufribles. ¿Cuál es tu opinión?

AS: Si he escrito, crítica de cine. No lo considero un oficio de gente insufrible, sólo creo que los malos críticos de cine son seres insufribles, sin duda, pues escriben creyéndose dueños de la verdad absoluta. Esto siempre es, cuando menos, de muy mal gusto.
Nunca quise escribir de cine nacional, fue siempre mi única condición para aceptar escribir en prensa. Me niego a hablar mal de nuestro cine, no tengo objetividad con el cine venezolano, lo amo demasiado y cuando algo no me gusta, igual me duele demasiado, lo sufro mucho, soy parte de él.
Escribir crítica de cine es un oficio, bellísimo. Uno que te deja unos recuerdos preciosos, la gente me conoce más por mi labor de crítico que como cineasta. Es algo real, precioso, que los lectores, si tienen empatía como lo que escribes y con tu estilo, están pendientes de lo que reseñas, van a ver las películas si hablas bien de ellas, te leen cada semana. Es una pena que en Venezuela, la crítica en prensa es casi inexistente, los grandes periódicos cerraron las puertas y las columnas de sus críticos, el país se quedó sin este espacio de reflexión, es algo que da vergüenza.

EC: Empezaste a hacer cine muy joven. ¿Qué le dirías a aquellos que están empezando?

AS: Cuando empecé a hacer cine, entré por donde casi todo el mundo entra, como asistente de producción, trabajando gratuitamente en un cortometraje. De allí en adelante son muchos años trabajando duro en este medio. Es una profesión bella y fuerte. Yo nunca pensé que llegaría a ser directora, y bueno aquí estoy, he pasado por muchos lugares maquillaje, utilería, asistente de dirección, dirección de arte, he dirigido cosas bonitas y cosas feas, he llorado y me he estrellado y me han salido mis proyectos y he ganado premios. Esta es una profesión donde los sueños se pueden hacer realidad. El cine es mi lugar en el mundo.

EC: ¿Tienes una fecha de estreno para Día Naranja?

AS: Sueño con la gran frase: ¡pronto en cines! y espero que en septiembre esté en las pantallas nacionales!!

Gilda

2009-08-21T05:51:00.000-07:00

1946

Sinopsis

Johnny Farrel, un aventurero de los bajos fondos, recala en Buenos Aires, la capital argentina, donde pronto le saca de un apuro un hombre llamado Ballin Mundson, propietario de un lujoso casino. El recién llegado termina convirtiéndose con el tiempo en el individuo de confianza de su anfitrión. Cierto día, su superior le presenta a su esposa, Gilda. El reacciona con perplejidad, ya que fue ella quien le convirtió en el ser cínico y amargado que es ahora.

Gilda es una película estadounidense de 1946, en blanco y negro, del género drama, dirigida por Charles Vidor. Protagonizada por Rita Hayworth y Glenn Ford en los papeles principales.
El jugador de poca monta Johnny Farrell (Glenn Ford) llega a Argentina. Ballin Mundson (George Macready), el propietario de un casino y hombre indeseable, lo salva de un pistolero, y lo convierte en su mano derecha en el negocio que regenta. Sin embargo, la relación entre ambos hombres, que se basa en una mutua desconfianza y falta de escrúpulos, se resiente definitivamente cuando Mundson regresa de una ausencia, acompañado de Gilda (Rita Hayworth), a quien ha conocido en el viaje y con la que se ha casado. Farrell había tenido años atrás una relación con esta mujer, extremadamente sensual y atractiva, pero acabó odiándola. La nueva relación entre Farrell y Gilda está llena de emociones y reticencias, de sentimientos y de reproches, y se torna más extraña cuando súbitamente Mundson desaparece.

Tal vez la mejor película de Rita Hayworth en su rol de mujer fatal.

La bofetada que le da Glenn Ford ha entrado en la historia del cine, así como el desenguante de Gilda mientras canta "Put The Blame On Mame".
Glenn Ford recibió el premio Donosti del Festival de cine de San Sebastián en 1987 y eligió que de entre todas sus películas se proyectara Gilda para el homenaje. No podía contener las lágrimas cada vez que Rita Hayworth aparecía en la pantalla.
Gilda es Rita. Un guante, una canción y el bofetón propinado por el gran Glenn Ford hicieron el resto. Más allá de su valor estrictamente artístico, este drama pasional se convirtió en un icono de la historia del cine. La década de los cuarenta alumbró películas mucho mejores, pero el simbolismo y estética de "Gilda" la convirtieron, todavía hoy, en una obra imprescindible. (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)

CRITICAS

HISTORIA DE UNA BOFETADA Y UN GUANTE
Excelente melodrama pasional con tintes de cine negro, sobre la turbia relación de tres ambiguos y fascinantes personajes: Gilda, aventurera de oscuro pasado, casada con el propietario de un casino, que contrata al jugador de fortuna, Johnny Farrell, sin saber que ha sido amante de su mujer.

Entre los tres se establecerá una extraña relación a tres bandas en las que primará entre Gilda y Johnny, el odio como sentimiento opuesto, y por lo tanto próximo, al amor-pasión, expresado en una relación de raíces sadomasoquistas, y la ciega e inquebrantable lealtad de Johnny hacia su jefe, en la que muchos han querido ver una relación de base homosexual.

El film forma parte por derecho propio de la galería de películas míticas, debido principalmente al hipnótico magnetismo de Rita Hayworth en pantalla, a quien le bastó aparacer enfundada en un vestido de satén negro, entonando los acordes, con voz prestada, de "Put the Blame on Mame" y quitarse un guante, para marcar la educación sexual de toda una generación y elevarse a la categoría de diosa inmortal de la belleza y la sensualidad.

La química desbordante entre ella y Glenn Ford, que alcanza su punto álgido en el momento en que Johnny abofetea a Gilda con la rabia del despecho y del deseo contenido, es otra de las razones de mitificación del film, junto a la espléndida fotografía de Rudolph Maté, que supo hacer que la pantalla cobrara vida, cada vez que Gilda movía su radiante cabellera roja.Gilda marcaría toda la carrera de la infortunada Rita Hayworth, que resumiría perfectamente su fracaso personal al afirmar: "Mi desgracia es que los hombres se acuestan con Gilda y se levantan conmigo".

Maximillian

Nunca hubo otra como ella.
“No ha habido nunca una mujer como Gilda”, decían los carteles de esta película cuando se estrenó. Sesenta años después, esa fascinación sigue intacta. Nosotros envejecemos, pero Gilda mantiene legendario embrujo porque Gilda nació para quedarse en nuestros sueños cinéfilos. Recuerdo que la primera vez que la vi era un crío (había sido el único de la clase al que habían dejado verla, por lo que me pasé semanas narrándola con todo lujo de detalles), y aún ahora vuelvo a esta película llena de una inspiración y una magia cómo sólo el Hollywood clásico podía realizar.“Gilda” es una de esas reuniones mágicas que acontecen de tanto en tanto para destilar más allá del buen cine y crear leyenda, como ocurre con “Casablanca”, “Lo que el viento se llevó” y tantas otras.

Es un soplo único, irrepetible (de hecho, intentaron repetir el éxito reuniendo al mismo equipo y apoyándolo con un mayor presupuesto en “La dama de Trinidad”, y la magia no apareció por ningún lado, aunque la Hayworth bailaba como los ángeles en esta producción), lleno de secuencias y diálogos que se te clavan en la mente, en la que quizás es una de las mejores películas de cine negro de todos los tiempos.

Curiosamente, y esto lo comparte con “Casablanca”, pese a ser Rita la mayor estrella de la Columbia, la película se comenzó sin tener un guión acabado ni tampoco tener la menor idea a dónde irían a parar todos estos personajes en los que nada es lo que parece… sino muchísimo peor. Según iban rodando, iban creando nuevas secuencias (algunos de los diálogos se añadieron en doblaje), incluso los famosos números musicales de “Put the Blame on Mame” y “Amado mío” se realizaron casi finalizando el rodaje.

No importa que Rita no supiera cantar. Nadie se movía como ella, nadie podía interpretar un personaje como este. Cuando dice en un diálogo memorable que si “fuera un rancho, se llamaría Tierra de Nadie”, quedas sobrecogido. El lucimiento que realiza en cada secuencia es espectacular. No es sólo belleza (es cierto, nunca hubo otra como ella) es la fuerza y la vulnerabilidad a un tiempo.

El maravilloso número en el que ella se venga de Johnny interpretando en el casino el tórrido “strip-tease” pasa con justicia a la historia del cine (remata con la famosa bofetada). “Gilda” es una obra maestra, en la que todos los detalles que hacen una gran película están ahí con la máxima expresión.

Una fotografía maravillosa de Rudolph Maté; una dirección artística que hacen un Buenos Aires improbable pero imborrable; las actuaciones prodigiosas con un Glenn Ford destilando una química insuperable no sólo con Rita, sino con Geoge Macready con el que mantiene una relación homosexual brillantemente insinuada (o un trío, pues siempre está un “pequeño amigo”); y Steven Geray, como “Tío Pío”, un personaje único en toda la historia del cine negro.Hay que saborear “Gilda”, tiene el sabor del cine legendario.

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Ni contigo ni sin ti
Huyo como loca poseida de todos aquellos a quienes escucho mediante discurso técnico-intelectual, hablar de lo que sea, pero como aquí hablamos de lo que hablamos...pues eso, echo a correr ante discursos que me intenten convencer de una manera teórica que una peli antigua es buena, mala, mejor o peor... Por eso los dogmáticos del cine clásico suelen caerme muy mal, siendo como soy una enamorada de éste.

Por qué? secillo, una peli me gusta o no me gusta por cómo me entra por los poros en el momento que la veo, por las sensaciones que me provoca, por el sabor que deja en mi paladar, por la excitación incluso sexual de esos momentos, por cómo noto sin vérmelos que mis ojos brillan más y distinto...

De la teorización coñazo ya se encargará mi maleducada cabecita después, pero porque aún no la tengo del todo dominada, eh...porque pienso conseguir hasta eso, anularla por completo incluso después de levantarme de la butaca una vez acabada la peli, y dejarme impregnar exclusivamente por la sabiduría de lo sensorial.

Eso es lo que realmente no me engaña y a lo único que debo escuchar para saber si me encuentro ante una buena o una mala película.

Por eso para estar convencida y decir abiertamente que el cine sufre inmerso en una espiral de terrible y continua involución, no me hacen falta rolletes dircursivos que hablen de talento narrativo, de dirección de actores, de profesionalidad interpretativa, de fotografía, planos o técnica de cámara...Por dios, no...Yo, simplemete te digo que veas Gilda
Siona

El último metro

2009-07-17T01:27:00.000-07:00

De Wikipedia, la enciclopedia libre
Le Dernier Métro
Título
El último metro
Ficha técnica
Dirección
François Truffaut
Producción
Les Films du Carrosse
Guión
François Truffaut

Suzanne Schiffman Jean-Claude Grumberg
Música
Georges Delerue
Reparto
Catherine Deneuve Gérard Depardieu Heinz Bennent Jean Poiret Andréa Ferréol Paulette Dubost Sabine Haudepin Jean-Louis Richard Maurice Risch Jean-Pierre Klein Richard Bohringer Christian Baltauss László Szabó
Datos y cifras
País(es)
Francia
Año
1980
Género
Drama
Duración 130 minutos
minutos

Idioma(s)
frances
Ficha en IMDb
El último metro es una película francesa dirigida por François Truffaut, que se estrenó en 1980.
Contenido[ocultar]
1 Sinopsis
2 Comentarios
3 Reparto
4 Galardones
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Sinopsis [editar]
Durante la ocupación alemana de la Segunda Guerra Mundial, un director de teatro judío de teatro parisino se ve obligado a ensayar con sus actores escondiéndose en la bodega. Su mujer, Marion (Catherine Deneuve), le ayuda a contactar con el exterior.

Comentarios [editar]
En 1981, esta película obtuvo 10 Premios César de la Academia del Cine Francés, entre los que estaban los más importantes: mejor película, mejor director, mejores actor y actriz y mejor guión.
Quizás sea la película más rica y más conseguida de entre las de Truffaut. Aborda muchos temas a la vez: la ocupación alemana, las consecuencias en cuanto a comportamientos y actitudes a que conduce, y las interferencias entre la vida real y la ficción teatral, y como en Fahrenheit 451 los mecanismos de defensa contra la opresión y el oscurantismo. La homosexualidad masculina y femenina se aborda con tolerancia. El triángulo central, una mujer y dos hombres (como en Jules y Jim) se supera por la inteligencia y la creación.

Reparto [editar]
Catherine Deneuve : Marion Steiner
Gérard Depardieu : Bernard Granger
Heinz Bennent : Lucas Steiner
Jean Poiret : Jean-Loup Cottin
Andréa Ferréol : Arlette Guillaume
Paulette Dubost : Germaine Fabre
Sabine Haudepin : Nadine Marsac
Jean-Louis Richard : Daxiat
Maurice Risch : Raymond Boursier
Jean-Pierre Klein
Richard Bohringer : Oficial Gestapo
Christian Baltauss
László Szabó : Oficial alemán

Galardones [editar]
Premios César 1981:
César a la mejor película
César al mejor director: François Truffaut
César al mejor actor: Gérard Depardieu
César a la mejor actriz: Catherine Deneuve
César al mejor guión original o adaptación :François Truffaut y Suzanne Schiffman
César a la mejor música escrita para una película :Georges Delerue
César a la mejor fotografía :Néstor Almendros
César al mejor decorado :Jean-Pierre Kohut-Svelko
César al mejor sonido :Michel Laurent
César al mejor montaje :Martine Barraque-Curie

FRANCIA - 1980 - 131 min.VO, VE - .Calificación: 13
Drama

Director: François Truffaut

Intérpretes: Catherine Deneuve, Gérard Depardieu, Jean Poiret, Andréa Ferréol
Sinopsis
Probablemente haya en “El último metro”, la antepenúltima película de François Truffaut, algún involuntario detalle que deja entrever que el gran maestro del cine europeo tenía muchas cosas que decir pero el fin de sus días de cine estaba cerca. Su filmografía es una sucesión de obras maestras, de descubrimientos, de estimulantes hallazgos, de personajes que dejan huella, de humanismo practicado con el corazón, de sensibilidad auténtica, de derroche de pasión por el cine y por las artes.
En “El último metro” (todavía rodaría en los años posteriores dos películas más: “La femme d’à côté” y “Vivement Dimanche!”, ambas con su compañera y fetiche Fanny Ardant) hay un poco de todo esto, especialmente de lo último.
En el París ocupado por los nazis y resistente ante su inmisericorde bota, un judío al que se conmina a abandonar Francia vive refugiado en el sótano del teatro que por su ausencia dirige su mujer, actriz que no se resigna a echar el cierre al escenario sobre el que ha cosechado tantos éxitos en libertad.
Ella, Catherine Deneuve, intocable tótem del cine galo, decide montar una nueva obra, que ella misma protagonizará junto a un respetable actor de primera fila, personaje que interpreta François Truffaut.
A medida que avanza la acción, todo se desarrolla entre la resistencia entendida en su sentido más amplio y la ocultación, la mentira, como si de la vida y la escena se tratase. “El último metro” es una película de susurros, de tristeza contenida, de sentimientos, de ira sorda. Como el cine de Truffaut.
Los años más tristes y desgraciadamente siniestros de la historia reciente de Francia son contemplados por François Truffaut con contundencia ideológica, sin medias tintas, y desde un profundo sentimiento de tristeza.
Los personajes de la película, cada uno a su manera y en la medida de sus posibilidades, se movilizan contra el fascismo que ha tomado el Poder y se rebelan contra sí mismos, expresando sin temor la necesidad de producir grandeza hasta en los más nimios detalles. Bernard, en la película un Depardieu en estado de buenaventura y gracia interpretativa, toma la decisión de pasar a la acción, de poner fin al terror que primero se apodera gregariamente de la sociedad para acabar tomando el control de los individuos.
La que para la mayoría de aficionados es la mejor obra del último Truffaut, con guión de él mismo y de su habitual colega de máquina de escribir Suzanne Schiffman desde que trabajaran juntos en “La noche americana”, estuvo a un paso de hacerse con el Oscar a la mejor película de habla no inglesa, fue nominada en la misma categoría de los Globos de Oro y literalmente arrasó en los César, los mayores galardones del cine francés: 10 premios para 12 nominaciones, todos menos los correspondientes a mejores actor y actriz de reparto. La espléndida fotografía de Néstor Almendros y la banda sonora de Georges Delerue también fueron debidamente afortunadas con sendos César.

Taras Bulba

2009-06-21T08:12:00.000-07:00

Título
Taras Bulba
Ficha técnica
Dirección
J. Lee Thompson
Producción
Harold Hecht Sandy Whitelaw
Guión
Waldo Salt Karl Tunberg
Música
Franz Waxman
Fotografía
Joseph MacDonald
Reparto
Tony Curtis Yul Brynner Sam Wanamaker Brad DexterGuy RolfeChristine Kaufmann
Datos y cifras
País(es)
Estados Unidos Yugoslavia Argentina
Año
1962
Género
Aventuras Histórica
Duración
122 minutos
Ficha en IMDb
Taras Bulba es una película basada en la novela del mismo título de Nikolái Gógol.

Argumento [editar]
La película trata sobre las disputas entre polacos (muy refinados) y cosacos (auténticos guerreros de las estepas, rudos y valientes) por las estepas rusas. Comienza con una alianza de ambos bandos en una guerra común. Pero una vez vencida la guerra gracias a la valentía de los cosacos, liderados por Taras Bulba (Yul Brynner), el general polaco los traiciona y asesina a la mayoría de la hermandad cosaca. Los supervivientes, Taras entre ellos, se esconden en las montañas.
Años más tarde, Taras Bulba ya tiene dos hijos, pero sigue fuerte y valeroso. El mayor de sus hijos (Tony Curtis) decide ir a estudiar a una ciudad polaca, donde lo tratan como a un perro. Aún así, se enamora de una mujer polaca, que le corresponde. Cuando al fin se va, no es capaz de desprenderse de su imagen; todos sus actos van encaminados a conseguirla.
Más tarde, el general polaco vuelve a convocar a los cosacos para guerrear, creyendo que habían olvidado antiguas ofensas. Pero Taras Bulba nunca olvida. Tiende una emboscada a los polacos, acabando con muchos y obligando al general a refugiarse en su ciudad, a la que pone sitio.
En la ciudad sitiada, en la que se encuentra la bella polaca a la que ama el hijo de Bulba, se declara la peste. Éste piensa que su deber de rescatarla está por encima de todo, así que entra en la ciudad para llevársela antes de que enferme. Pero los polacos los capturan y amenazan con matar a la mujer. Entonces, el hijo del general cosaco decide traicionar a su raza para salvarla.
Al mismo tiempo, uno de los generales de Taras Bulba decide que en el sitio de la ciudad están perdiendo el tiempo, y se va con su gente, dejando a Taras con muy pocos hombres frente a la ciudad polaca.
Alobject width="425" height="344"> ver que los cosacos se dividen, el general polaco saca a todos sus hombres de la ciudad y los lanza sobre los guerreros de Taras. Éste presenta batalla delante de la fortaleza, y allí descubre la traición de su hijo, luchando contra los de su raza. En un lugar apartado de la batalla, Taras Bulba da muerte a su hijo por su traición.
Tras resolver sus asuntos de honor familiar, Taras regresa a la lucha, y ordena a los cosacos retirarse hasta encontrar al general que se había despegado del resto del ejército durante el asedio. Éste general ataca por la retaguardia a las fuerzas polacas, y gracias a esto y al conocimiento del terreno del que disponen los cosacos, la ciudad cae en su poder.
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Taras_Bulba"

Sipnosis

Durante miles de años, arios y otros pueblos han luchado por la hegemonía en la región de Ucrania. En el siglo XVI, son el polaco y el turco los dos ejércitos que luchan por el poder en la zona. Finalmente la victoria se decanta del lado eslavo, gracias a la ayuda de los cosacos, comandados por Taras Bulba. El jefe de los polacos invita a los jefes aliados a brindar por la victoria. Sin embargo, sus agasajos son despreciados por Bulba, incapaz de subordinarse.

Sinopsis: Durante cuatro mil años, toda clase de razas, desde Tártaros y Búlgaros, pasando por Arios y Scintios han luchado en vano por controlar Ucrania, una tierra de hermosas estepas y ondulantes ríos. Finalmente, en el siglo XVI, el ejército turco esta arrollando a otro ejército, el polaco; miles de soldados cosacos se unirán a la lucha y expulsarán para siempre a los musulames de la zona. Los polacos, agradecidos, deciden celebrar una fiesta en honor de sus salvadores. Sin embargo, los cosacos parecen odiar de la misma forma a los turcos como a los polacos. Los encargados de ir a la recepción son Taras Bulba y sus ofciales.

Todo ellos se comportarán de manera orgullosa ante sus anfitriones. En el transcurso de la fiesta, los polacos, de manera traidora, rodearán a los líderes cosacos e intentarán matarlos. Taras Bulba logra huir con varios de sus hombres, después de herir al príncipe Grigory, máxima autoridad polaca de la región.

En los próximos tiempos se desarrollarán en medio de una paz tensa entre los dos bandos. En ese período Taras Bulba ha criado a dos hijos que ya se encuentran a su juventud. Se trata de Andrei y Ostap. Ver +

CRITICA
10 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil.
vircenguetorix Valladolid (España)
14 de Julio de 2008
Nómadas, guerreros y amantes de la libertad.
Aunque suela ser infinitamente menos conocido que otros escritores rusos del siglo XIX como León Tolstói o Fiódor Dostoyevski, mi favorito es sin lugar a dudas Nikolái Gógol, el único que sabe ser polivalente, y es que puede ser amargo, humorístico, romántico, dramático y entretenido, los demás siempre les faltó algún registro, Gogol los tuvo todos, de la parte más de aventuras tenemos esa pequeña joya –no llega a 200 páginas en las ediciones más voluminosas- que es “Taras Bulba”, un magnífico fresco, eso sí nacionalista, del pueblo cosaco por la lucha por su independencia de los polacos en el siglo XVI. La novela, aunque partidista, es excelente, y nos sirve para adentrarnos en la historia de ese maravilloso país que es Ucrania. No puedo decir lo mismo de la película, que es como Curro Romero, irregular, para matarlo en el primer toro y para sacarlo a hombros en el tercero. Vayamos con los puntos débiles en primer lugar, lo primero ¿Cómo va a ser Tony Curtis hijo de Yul Brynner? Sólo se llevaban cinco años, pero es que además no se parecen en nada. Curtis no tiene pinta de cosaco ni en las uñas de los pies. Un casting totalmente erróneo. El guión, demasiado empalagosa en su primer tercio, la historia de amor no tiene nada que ver con la novela –ya es algo habitual- y se ningunea demasiado al personaje de Taras Bulba que es el que más interés tiene. Aspectos positivos unos cuantos, el principal la banda sonora, no lo digo yo, lo dicen muchos que entienden, la música de Franz Waxman es una de las mejores composiciones de una película de aventuras y acción de todos los tiempos, sencillamente espectacular. Las escenas bélicas, muchas, buenas y bonitas, cuando la película sube de pulsaciones y se acerca a la taquicardia es cuando la vemos en su mayor esplendor, eso que la parte más folclórica no es tampoco nada desdeñable, y al menos se nota que se habían documentado algo más de lo que suele ser habitual en Hollywood.

Los rusos, que ahora andan con dinero, quieren produccir una nueva versión que saldría el próximo año, veremos como queda. J. Lee Thompson, uno de los directores que más gustó siempre de historias exóticas en su filmografía (India, México, Ucrania, Grecia, África, Oriente Medio...) está viviendo a primeros de los sesenta su mejor momento artístico y se nota para bien, desgraciadamente luego ya no podremos decir lo mismo.

Por cierto, una cosa a nuestro querido amigo de la otra crítica, la película se rodó –un parte- en Salta que está situada en el noroeste de la República Argentina, nada que ver con la Pampa. Una buena propuesta para cualquier tarde de verano, y si se acercan a la literatura de Gogol mucho mejor, comenzar por algo más ligero como “Tasas Bulba” es la mejor opción, así empecé yo y ahora es uno de mis escritores favoritos. Nota: 6,5

Trailers de la versión rusa

Cine de Venezuela

2009-04-17T02:55:00.001-07:00

De Wikipedia, la enciclopedia libre

Inicios [editar]
Las primeras películas realizadas en Venezuela fueron Célebre Especialista sacando muelas en el Gran Hotel Europa, y Muchachos Bañándose en la laguna de Maracaibo, ambas estrenadas el 28 de enero de 1897 en el Teatro Baralt de Maracaibo, y cuya realización generalmente es atribuida al realizador Manuel Trujillo Durán.[1] En este mismo año, otros pioneros del cine como Ricardo Rouffet y Carlos Ruiz Chapellín realizan algunos cortometrajes en la ciudad de Caracas.
Sería en 1916 cuando Enrique Zimmerman realiza la primera película larga de ficción de la cual se tiene registro: La Dama de las Cayenas o Pasión y Muerte de Margarita Gutiérrez. Ocho años después, en 1924, se filma La Trepadora, adaptación de la novela homónima de Rómulo Gallegos.
Hacia finales de los años 20, la actividad cinematográfica repunta cuando el Presidente Juan Vicente Gómez instala los Laboratorios Nacionales del Ministerio de Obras Públicas en la ciudad de Maracay. Igualmente, en Barquisimeto, Amábilis Cordero funda los Estudios Cinematográficos Lara. Con la salida de diversos noticieros y revistas, el cine nacional comienza a verse regularmente en las pantallas del país.

Llega el Sonido [editar]
Si bien en 1934 se hicieron algunos intentos de sonido con la película La Venus de Nácar, no sería hasta 1938 con el estreno del cortometraje Taboga que se puede hablar verdaderamente de cine sonoro en Venezuela. Igualmente se rueda el primer largometraje sonoro en el país: El Rompimiento, de A.M. Gómez.
A finales de la década de los treinta, Rómulo Gallegos crea los Estudios Ávila en la ciudad de Caracas, y a principios de los años 40, Guillermo Villegas Blanco constituye formalmente la empresa Bolívar Films, la cual comienza a realizar alianzas estratégicas con el mexicano Rodolfo Espino y el argentino Lino Veluvirretti, para producir largometrajes dentro de un esquema industrial. Tal vez su película más conocida La Balandra Isabel llegó esta tarde, de Carlos Hugo Christensen, llegó a ganar el premio a mejor fotografía en la cuarta edición del Festival Internacional de Cine de Cannes en el año 1951.
En el año 1959, la película documental Araya de Margot Benacerraf logra el Premio de la Crítica en el Festival de Cannes (compartido con Hiroshima, Mon Amour de Alain Resnais), el mayor reconocimiento obtenido por una película venezolana hasta el momento. La misma Benacerraf sería nombrada directora de la Cinemateca Nacional de Venezuela en 1966.

El Cine de los Años Sesenta [editar]
En el año de 1965, Mauricio Odremán Nieto estrena su película EFPEUM. Esta película, que puede ser catalogada como la primera película de ciencia ficción venezolana, nació prematuramente en una Venezuela que aún no había despertado del realismo, y que apenas comenzaba a aceptar el realismo mágico como un elemento de la cultura del venezolano. El cineasta comenta en su novela fantástica El día que todo haga Paff (1973) lo ocurrido con su película:
"...En esos días terminé el rodaje de la película de ciencia-ficción. Cuando la estrenaron, en ese recinto siniestro llamado Cinemateca, no asistí en presencia física, pero desdoblado y desde el astral procuré escuchar los comentarios. - "la Película más loca del año"- dijeron algunos, pero nadie comprendió el asunto del arquitecto con su Estructura-funcional-para-Encontrarse-uno-Mismo. Todo el mundo se rió a carcajadas y al parecer, los espectadores se divirtieron mucho, de lo lindo; mi intención no había sido realizar un film cómico, pero así resultó y eso era el éxito. Nunca más supe de "Efpeum", quedó en manos de los productores que la habrán enlatado y la tendrán debajo de un escritorio como hacen todos los negociantes en películas por estos lados del Atlántico..."
Mauricio Odremán Nieto. "El Día en que todo haga Paff". 1973

El Nuevo Cine Venezolano [editar]
En 1973, la película Cuando quiero llorar, no lloro de Mauricio Walerstein, basada en la novela homónima de Miguel Otero Silva, logra un éxito sin precedentes en taquilla, lo que comienza un boom del llamado Nuevo Cine Venezolano, corriente de cine social muy famosa en los años setenta y cuyos máximos exponentes serían, además de Walerstein, Román Chalbaud (especialmente con su film El Pez Que Fuma), y Clemente de la Cerda con Soy un Delincuente.[2]
Esta corriente se mantendría durante gran parte de los años ochenta, con películas como Macu, la mujer del policía de Solveig Hoogesteijn y Homicidio Culposo de César Bolívar. En el año 1984, seis películas venezolanas —La graduación de un delincuente, Macho y hembra, Ya-Koo, Oriana, El atentado y Más allá del silencio—, se encontrarían entre las diez películas más taquilleras del país. Sin embargo, durante esta década el país cae en una profunda crisis financiera, lo que repercute en una notable disminución del cine nacional.

La crisis de los noventa [editar]
Los años noventa comienzan con muy buen pie para el cine nacional. Se estrenan Jericó de Luis Alberto Lamata y Disparen a Matar de Carlos Azpúrua, ambas con gran éxito de taquilla y crítica, llegando incluso a conseguir varios premios internacionales.
En 1994 se decreta la Ley de Cinematografía Nacional, en la cual se establece la creación del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía. Sin embargo, el resto de la década se caracteriza por una escasa producción cinematográfica, siendo lo más resaltante las colaboraciones del matrimonio de Elia Schenider con José Ramón Novoa, con las películas Sicario (1995) (una de la más taquillera del país hasta ese momento), Huelepega: Ley de la calle (1997) y Garimpeiros (1999, conocida en el extranjero como Oro Diablo).

Nuevo siglo, nueva tecnología [editar]
En el año 2000 la cinta Manuela Sáenz, del realizador Diego Rísquez, logra un nuevo éxito de taquilla para el cine nacional. Sin embargo, el verdadero cambio en el cine venezolano se podría ver unos años después, en el 2003, con el estreno de Yotama se va Volando, de Luis Armando Roche y el mexicano Rodolfo Espino, primera cinta venezolana realizada en cine digital que es estrenada en salas comerciales.

En el año 2005 la cinta Secuestro Express, de Jonathan Jakubowicz, se convierte en la película nacional más vista en Venezuela. Igualmente se considera un gran éxito su venta a la distribuidora Miramax para su comercialización a nivel mundial. Este mismo año se estrena El Caracazo de Román Chalbaud, la cinta más costosa en la historia del cine venezolano. Además, entra en vigencia una Reforma a la Ley de Cinematografía Nacional que fomenta algunos cambios, tales como un porcentaje de cuota de pantalla para el cine venezolano, además de fomentar una mayor participación de la empresa privada en la actividad cinematográfica a través de diversos impuestos e incentivos fiscales.
La cinta Elipsis de Eduardo Arias-Nath, producida en el año 2006, fue estrenada el 29 de septiembre y es la primera película venezolana producida y distribuida por la 20th Century Fox y su división latinoamericana. Durante ese año se estrenaron once películas venezolanas en el país, siendo la más taquillera la cinta Francisco de Miranda, de Diego Rísquez.[3]
Producida en el año 2005, y estrenada el 15 de septiembre de 2007, sale la película Postales de Leningrado, de Mariana Rondón. Cinta que fue financiada por Ministerio de la Cultura, PDVSA y el canal Telesur. Hasta el momento una de las películas venezolanas más exitosas en el ámbito internacional, habiendo ganado el máximo galardón del Biarritz, Dos premios en la 31º Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, y una postulación al oscar del presente año, que está por disputarse en la categoría ¨Mejor película extranjera¨.
En el año 2007 se estrena la película "Miranda regresa" dónde se relata la historia de este prócer, producida por la fundación Villa del Cine, institución creada por el Gobierno Venezolano y dependiente del Ministerio del Poder Popular para la Cultura

Organizaciones [editar]

Instituciones y Gremios [editar]
Las instituciones y gremios más importantes del país son los siguientes.
El Centro Nacional Autónomo de Cinematografía es el ente rector de las políticas públicas cinematográficas.
La Asociación Nacional de Autores Cinematográficos es el principal gremio de cineastas del país.
La Cámara Venezolana de Productores de Largometrajes, el principal gremio de productores.
La Cinemateca Nacional, que dispone de una red de exhibición, organiza talleres y publica libros y DVD relacionados con el cine venezolano y mundial.

Casas Productoras [editar]
Las casas de producción en cine más grandes del país son las siguientes:
Bolívar Films.
Cinesa.
La Villa del Cine.
Cinema Sur.
La Movida Films.
Guakamaya Films.
Primeras Voces.

Distribución [editar]
Las principales empresas de distribución en Venezuela son:
Blancica.
Cines Unidos.
Disney de Venezuela.
Amazonia Films.

Exhibición [editar]
Más del 90% de las salas de exhibición del país se encuentran repartidas en dos circuitos comerciales:
Cinex.
Cines Unidos.
Además, existen circuitos alternativos de exhibición:
Circuito Gran Cine.
La Red de Salas Alternativas de la Cinemateca Nacional.

Personalidades [editar]

Cineastas destacados [editar]
Alberto Arvelo
Carlos Azpúrua
Margot Benacerraf
Román Chalbaud
Clemente de la Cerda
Solveig Hoogesteijn
Luis Alberto Lamata
José Ramón Novoa
Diego Rísquez
Luis Armando Roche
Alejandro Saderman
Elia Schneider
Fina Torres
Fernando Venturini
Mauricio Walerstein
Jesús Enrique Guédez
Rodolfo Espino

Actores y Actrices [editar]
María Conchita Alonso
Daniel Alvarado
Daniela Alvarado
Mariano Álvarez
Corina Azopardo
Haydée Balza
Amador Bendayán
Rafael Briceño
Alfredo Sandoval
Flavio Caballero
Simón Díaz
Elba Escobar
Gabriela Espino
Luis Fernández
Luke Grande
Dimas González
Joselo
Jéssika Grau
Jean Paul Lerox
Miguel Ángel Landa
Pedro Lander
Eliana López
Asdrúbal Meléndez
Laureano Olivares
Carlos Olivier
Guillermo González
Alicia Plaza
Eluz Peraza
Edgar Ramírez
Gustavo Rodríguez
Orlando Urdaneta
Lourdes Valera
Patricia Velásquez
Erich Wildpret
Doris Wells
Roque Valero
Carlos A. Cruz
Jerónimo Gil
Pastor Oviedo

Festivales y Premios [

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En Venezuela, los festivales han sido muy irregulares, los más desacados e importantes son:
Festival Nacional del Cortometraje "Manuel Trujillo Durán".
-Este festival se celebra en la ciudad de Maracaibo, estado Zulia. Se celebra bianualmente.
Festival de Cortos Estudiantiles de Caracas VIART.
-Con 13 ediciones se ha convertido en un punto de referencia del cine joven de Venezuela y de toda latinoamerica. En la última edición participaron 16 países para un total de 300 cortos aproximadamente. Dentro del festival se realizan talleres con talentos internacionales totalmente gratuitos, charlas, proyecciones y el concurso con buenos premios. Pero el futuro de este festival es incierto, dado a problemas internos del equipo organizador d
urante la edición 2008.

[1]Festival del Cine Venezolano
Desde el 2005, en la ciudad de Merida se congregan los largometrajes que cada año viene produciendo el país de forma ascendente.
En 1997 se realizó la quinta y última edición de este Festival en Caracas, pero en el 2005 la Fundación para el Desarrollo de las Artes y la Cultura FUNDEARC le dio impulso al Festival del Cine Venezolano, cuya intención original fue hacerlo cada dos años, pero como la creación de largometrajes en Venezuela parece en aumento ya se han realizado la edición del 2006, 2007 y en preparación la edición del 2008.
Véase www.fundearc.org
De igual forma, existen algunos premios que buscan el reconocimiento a la excelencia en la realización cinematográfica. Los tres más importantes son:
El Premio Nacional de Cine, entregado por el Ministerio del Porder Popular para la Cultura, para premiar la destacada trayectoria de una personalidad ligada al cine venezolano.

El Premio Municipal de Cine, entregado por la Comisión Permanente de Cultura del Municipio Libertador de Caracas.
Los Premios ANAC, entregados por la Asociación Nacional de Autores Cinematográficos, principal gremio de realizadores del país.

Escuelas de Cine [editar]

Educacíón Superior [

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En Venezuela existe solamente una escuela especializada en la enseñanza audiovisual a nivel universitario: la Escuela Nacional de Medios Audiovisuales, la cual fue creada en 1998 y funciona en la ciudad de Mérida, bajo el auspicio de la Universidad de Los Andes.
En todo el resto del territorio nacional, existen carreras universitarias que si bien no tratan exclusivamente esta área, pueden llegar a presentar ciclos o menciones que permiten a los estudiantes desarrollarse en el campo audiovisual. Algunas de estas son:
Universidad Central de Venezuela (Escuela de Artes Mención Cinematografía y Escuela de Comunicación Social)
Universidad Católica Andrés Bello (Escuela de Comunicación Social, mención Artes Audiovisuales)
Universidad Santa María (Escuela de Comunicación Social, mención Periodismo Audiovisual)
Universidad del Zulia (Escuela de Artes Escénicas y Audiovisuales, Escuela de Comunicación Social)
Universidad Rafael Belloso Chacín(Escuela de Comunicación Social, mención Audiovisual)
Universidad Bicentenaria de Aragua (Escuela de Comunicación Social, mención Audiovisual).
Universidad Bolivariana de Venezuela (Escuela de Comunicación Social)
Universidad Católica Santa Rosa (Escuela de Comunicación Social, mención Audiovisual)
Universidad Fermín Toro (Escuela de Comunicación Social)
Universidad de los Andes (Escuela de Medios Audiovisuales)
Universidad Católica Cecilio Acosta (Escuela de Comunicación Social y T.S.U en Artes Audiovisuales)
Universidad Arturo Michelena (Escuela de Comunicación Social, Mención Audiovisual)

Proyectos Futuros [editar]
En noviembre de 2006, el Presidente del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía, Luis Girón, anunció la intención del Estado de crear una Escuela Latinoamericana de Cine en Venezuela. En la actualidad se estudia la posibilidad de establecer su sede en Macuto.[4]

Referencias [editar]
↑ Varios Autores. (1997) Filmografía venezolana: 1897-1938. Fundación Cinemateca Nacional. ISBN 980-07-4532-7.
↑ Hernández, Tulio. Cronología del cine venezolano en Gobierno en línea (Consultado el 02/05/2007)
↑ Cifras del Departamento de Estadísticas del CNAC, publicadas en Blogacine (Consultado el 02/05/2007)
↑ Reseña en la Agencia Bolivariana de Noticias

Bibliografía [editar]
Guzmán Cárdenas, Carlos E. (2004) Las cifras del cine y el video en Venezuela. Fundación Polar. ISBN 980-379-088-9.
Izaguirre, Rodolfo. (1983) Cine venezolano: Largometrajes. Fundación Cinemateca Nacional.
Varios Autores. (1997) Filmografía venezolana: 1897-1938. Fundación Cinemateca Nacional. ISBN 980-07-4532-7.
Varios Autores. (2000) Filmografía venezolana: 1979-1999. Fundación Cinemateca Nacional. ISBN 980-07-7106-9.

Véase también [editar]
Películas de Venezuela
Directores de cine venezolanos
Guionistas venezolanos
Actores y actrices de Venezuela
Centro Nacional Autónomo de Cinematografía
Cinemateca Nacional de Venezuela

Enlaces externos [editar]
(http://www.cine100por100venezolano.blogspot.com/) Cine 100% Venezolano
(http://www.blogacine.com)blogacine/
[http://www.cnac.gob.ve/) Centro Nacional Autónomo de Cinematografía. Ente rector del cine nacional.
[http://www.ministeriodelacultura.gob.ve/) Ministerio del Poder Popular para la Cultura.
[http://www.villadelcine.gob.ve/)Fundación Villa del Cine
[http://www.cinemateca.gob.ve/ Cinemateca Nacional]Fundación Cinemateca Nacional.
(http://www.amazoniafilms.gob.ve/). Distribuidora Amazonia Films.
(http://anacvenezuela.blogspot.com/)ANAC Venezuela.
(http://www.bolivarfilms.com/)Bolívar Films
(http://www.grancine.net/). Circuito Gran Cine.
(http://www.cinex.com.ve/) Cinex Venezuela
(http://www.cinesunidos.com/) Cines Unidos Venezuela
(http://www.fundearc.org/) Fundearc. Mérida
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Cine_de_Venezuela"
Categoría: Cine de Venezuela

COMENTARIO:
..............Ambos documentales se soportan en las entrevistas a quienes impulsaron la creación del Fondo de Fomento Cinematográfico –el actual CNAC- y apostaron por una industria nacional del cine y las de un grupo de realizadores de la talla de Román Chalbaud, Clemente de la Cerda, Mauricio Wallerstein, Thaelman Urgelles, Solveig Hoogesteijn, entre otros, y con material de archivo de “Sagrado y Obsceno”, “Soy un delincuente”, “Domingo de Resurrección”, que junto a otras cintas fueron grandes éxitos de taquilla nacional.
Sergio Marcano, co director de La Edad de Oro, esta obra posibilita la apreciación del cine venezolano en su justa dimensión y contexto.
…permitirán entender las razones y el devenir de este segmento de industria cultural venezolana ya que muestra un cine desligado de la cultura oficial, que incluso dinamitaba las estructuras de las castas partidistas del momento, un cine con ideología sociopolítica clara, que desnudaba el alma del venezolano medio y que sin paqueterías, ni medias tintas, nos mostraba cómo era nuestra sociedad, con sus defectos e imperfecciones y las luchas por superarlos. Era un cine con agallas, con corazón, con alma, que mostraba nuestra realidad… lo que veremos en constituyen un relato vivo de nuestra historia cinematográfica más cercana, importante en un país que tiende a no prestar atención al conocimiento de su historia, para una mejor comprensión del presente.
No he visto aún el díptico, así que no me queda más remedio que citar a quien sí lo ha visto, Vicente Forte Sillié, de El Cinescopio:
Las tres películas me conmovieron profundamente en varios sentidos. En primer lugar, no sólo me dejaron claro lo poco que sé sobre cine venezolano, sino que despertaron en mi preguntas dormidas. ¿Por qué sé tan poco del cine nacional? ¿Es esta una condición muy cercana al hecho de que nos desconocemos como venezolanos? En segundo lugar, creo que la trilogía me tocó una fibra que debo resolver, una premura que antes no tenía y que ahora se me hace urgente: la de ver nuestro cine, revisitar nuestra filmografía e investigar sobre nuestros autores. ¿Es malo nuestro cine? ¿Sentimos vergüenza de nuestras películas? El tercer punto es sólo la consecuente reflexión que se origina de los dos anteriores: tenemos la obligación de rescatar materialmente nuestro cine. Resulta insólito y no deja de crearme cierta ansiedad el hecho de que nuestras películas estén desapareciendo o, en el mejor de los casos, resulte casi imposible conseguirlas en formatos como el DVD…
Forte Sillié, además, publica una larga entrevista con uno de los realizadores, Sergio Marcano que, creo, vale la pena leer.
Dice la sinopsis de este díptico documental:
A partir de el 1° de enero de 1976 –fecha de conclusión las concesiones de hidrocarburos a las compañías extranjeras que operaban en Venezuela y nacimiento PDVSA- Venezuela se beneficiaria directamente con el petróleo que brotaba de su suelo y toda esta riqueza dio paso a una época cierta prosperidad o apariencia de prosperidad en nuestra economía y sociedad.
El estado hace del cine una política cultural y subvenciona el nacimiento y la expresión de una generación de cineastas con un compromiso estético y argumental profundamente relacionado con nuestra sociedad y con nuestra idiosincrasia y que logro la empatía con el publico por mas de 10 años.
Esta es la historia de aquellos hombres excepcionales y de su compromiso con el desarrollo de un país con un potencial nunca bien comprendido por sus habitantes.

Carros de fuego

2009-03-07T07:25:00.000-08:00

TITULO ORIGINAL
Chariots of Fire
AÑO
1981
DURACIÓN
123 min.
Trailers/Vídeos
PAÍS

DIRECTOR
Hugh Hudson
GUIÓN
Colin Welland
MÚSICA
Vangelis
FOTOGRAFÍA
David Watkin
REPARTO
Ben Cross, Ian Charleson, Nigel Havers, Cheryl Campbell, Alice Krige, Ian Holm, John Gielgud, Lindsay Anderson, Brad Davis, Dennis Christopher, Nigel Davenport, Peter Egan, Patrick Magee
PRODUCTORA
20th Century Fox / Allied Stars present an Enigma Production. Producer: David Puttnam
GÉNERO Y CRÍTICA
Más información
1981: 4 Oscar: mejor película, guión original, banda sonora original, vestuario / Drama. Deporte (atletismo) /

SINOPSIS: En Gran Bretaña, en el año 1920, Harold Abrahams y Eric Lidell estaban hechos para correr. No sólo una razón les llevaba a correr más rápido que ningún otro hombre. Sus motivos eran tan diferentes como sus pasados; cada uno tenía su propio Dios, sus propias creencias y su propio empuje hacia el triunfo. (FILMAFFINITY)----------------------------------------Oscarizada historia, basada en hechos reales, sobre dos jóvenes británicos que participaron en los Juegos Olímpicos de 1924. Tan reconocida y memorable como el propio film fue su banda sonora de Vangelis. (FILMAFFINITY)----------------------------------------"Dirigida con exquisita corrección (...) Su banda sonora es memorable" (Fernando Morales: Diario El País

Chariots of Fire
De Wikipedia, la enciclopedia libre
Chariots of Fire
Título
Carros de Fuego Carrozas de fuego
Ficha técnica
Dirección Hugh Hudson
Producción David Puttnam
Guión Colin Welland
Música Vangelis
Fotografía David Watkins
Reparto
Ben Cross, Ian Charleston, Nigel Havers, Cheryl Campbell, Alice Krige, Ian Holm, John Gielgud, Lindsay Anderson, Brad Davis, Dennis Christopher, Nigel Davenport, Peter Egan, Patrick Magee
Datos y cifras
País(es) Reino Unido
Año 1981
Género Drama/Deporte
Duración 123 min
Compañías
Presupuesto $5,500,000
Ficha en IMDb

Chariots of Fire (también conocida como Carros de fuego y Carrozas de fuego) es una película británica de 1981. Escrita por Colin Welland y dirigida por Hugh Hudson, y basada en la historia real de los atletas británicos preparándose para competir en los Juegos Olímpicos de París 1924, la película fue nominada a siete Premios Óscar, y ganó cuatro, incluyendo el Oscar a la mejor película.

Argumento [editar]
Gran Bretaña, año 1920. Dos jóvenes corredores de diferentes clases sociales (Harold Abrahams y Eric Liddell) se entrenan con un mismo objetivo: competir en los Juegos Olímpicos de París 1924. Erik es un cristiano evangélico de la iglesia reformada de Escocia y sus

padres son misioneros en
China.
Eric nacido en China pero ha vuelto a Escocia para estudiar, y ha llegado a ser un famoso jugador de Rugby. Su fama como deportista excepcional más su simpática personalidad y su desenvolvimiento como un predicador del evangelio en contacto con la gente hacen de Erik un personaje de excepcional talla: famoso pero humilde, conocido por todos pero también accesible a todos, querido por los niños y por los grandes,...

Cuando finaliza la película se informa que Erik murió después de la Segunda Guerra Mundial en la China ocupada y que toda Escocia lo lloró. Erik aparece como un cristiano humilde y satisfecho en Dios que, con gran clarividencia y fe, entiende que la voluntad de Dios para su vida es ser misionero en la China, una vida heroica de por sí, pero que además Dios se complace con que él corra y use sus dones como el veloz corredor que es, lo cual deberá hacer antes de dirigirse a su destino final en la China. Pero Erik no solo es un veloz corredor, cuando corre puede verse su alegría y su empuje interior excepcionales que deja a todos los espectadores pasmados, entre ellos al mismo Harold Abraham.
Harold Abraham también es un personaje conmovedor, en agudo contraste con Erik, en su condición de judío Harold percibe dolorosamente que no cuenta con el beneplácito de las personas inglesas (una Inglaterra a la que él llama anglosajona y cristiana) al menos no el beneplácito que él espera. Harold posee una personalidad signada por un complejo de inferioridad social, agravado por ser él una persona sensible e inteligente. Harold encuentra una solución a su necesidad de aprecio en ser un famoso corredor.

Cuando entra en el Caius College de la Universidad de Cambridge, bate el record de velocidad tradicional de la Universidad. Más adelante, con tres compañeros de Cambridge, llegarán a formar parte del equipo olímpico, al cual también se integrará Erik Lidell.
El climax de la participación en las olimpíadas nos dejará con un Harold Abraham cumplido y satisfecho que vuelve con una medalla de oro y el aprecio de toda Gran Bretaña a encontrarse con su fiel novia que sería su esposa. Y termina con un Erik Lidell que alcanza toda su talla como el asombroso y querido héroe que es.
Otro personaje importante de la película es Aubrey Montague de quien podría decirse que es el héroe anónimo: es el paciente y comprensivo amigo del conflictuado Harold Abrahams. Montague hace posible para Abrahams el apoyo formidable que sólo puede darlo un verdadero amigo.

Comentarios adicionales [editar]
Película ganadora de 4 Oscars (mejor película - David Puttnam, mejor guión original - Colin Welland, mejor banda sonora original - Vangelis y vestuario - Milena Canonero), y nominada a mejor actor de reparto - Ian Holm, director - Hugh Hudson, y montaje.
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Chariots_of_Fire"

Alas en los pies

Harold Abrahams y Eric Liddell son dos atletas extraordinarios, uno judío y otro cristiano, que han nacido para correr. Pero ambos tienen objetivos diferentes, familia e ideas distintas, aunque tanto uno como el otro quieren competir en las Olimpiadas de 1924 y ser los mejores. Admirable resulta el afán de superación de los muchachos, uno que se lo dedica a Dios y el otro que se lo toma como un orgulloso reto personal, para asegurarse su plaza en la Universidad de Cambridge.

El gran productor británico David Puttnam (Los duelistas, La misión, Los gritos del silencio) dio la oportunidad de debutar en la dirección a un joven Hugh Hudson. Y éste no la desaprovechó. Se trata de una maravillosa película ganadora con todo merecimiento de cuatro Oscar, para vestuario, fotografía, guión e inolvidable banda sonora a cargo de Vangelis.

CRITICAS

Cine bueno: Carros de Fuego
El sábado fui al videoclub. Mire largo rato el anaquel donde están las películas recientes. Por desgracia ninguna me decía nada. Por suerte el videoclub de al lado de caso ha tenido la genial idea de poner a disposición de sus clientes un interesante repertorio de películas clásicas. "Carros de Fuego" es una gran película clásica, de modo que la alquilé.

Trata de un grupo de atletas ingleses que se prepara para competir en las pruebas de atletismo de las olimpiadas de París (1924). La ambientación es excepcional, y la música es emocionante no sólo en si misma sino por lo estupendamente seleccionada que está y los mensajes que manda.

Sin esa música la película no sería ni de lejos la misma, y de hecho uno de los 4 Oscars que recibió fue por la banda sonora.Al final la historia se centra en dos personajes: Eric Liddell y Harold Abrahams.

El primero es un expléndido corredor escocés de familia evangelista para el que su fe y su conciencia priman sobre el deseo de ganar.

El segundo es un estudiante de derecho judio para el que ganar como medio para alcanzar reconocimiento para los de su raza es lo primero.

La película tiene algunas "licencias literarias" que se explican en el vínculo que he puesto para Eric Lidell, pero en general representa fielmente la época y las circunstancias. Uno no puede dejar de sentir aprecio por la posición de Liddell que se niega a competir en la prueba donde a priori tiene más posibilidades (100 metros) dado que las series clasificatorias se corren en Domingo.

Resulta verdaderamente conmovedor, sobre todo en los tiempos que corren, ver como una persona es capaz de poner su conciencia por encima de todas las otras consideraciones. No deja de resonar en la mente de uno, sin embargo, que el sábado está hecho para el hombre y no el hombre para el sábado (Mc 2:27).

Por otro lado la postura de Abrahams (sobre la que no se que hay verdaderamente de cierto) dispuesto a saltarse reglas no escritas (tener un entrenador "profesional") con tal de ganar aparece como egoista, calculadora y mezquina en grado sumo. La circunstancia concreta a dia de hoy no supone nada peculiar, pero sin duda hace pensar que empezando por esas cosas pequeñas se termina en los escándalos de dopaje que tenemos actualmente.

Lo cual lleva a sacar conclusiones morales bastante obvias. En fin, preciosa película donde también hay sitio para el amor (muy bien contado, todo sea dicho) para que la señora no se aburra. Muy recomendable para todo el mundo.

......................................................................................

Un homenaje al deporte y la superación personal
Esta película es un símbolo con el que nos identificaremos todos los que amamos realmente el deporte. El deporte es algo que yo veo como medio de la superación personal, la paz con uno mismo y el bienestar.Sin embargo eso se ha perdido con los años, en los que los Juegos Olímpicos han perdido el espiritu con el que los fundó el Barón Pierre de Coubertin, intentando simular aquel precioso evento que tenía lugar en la Grecia antigua cada cuatro años.

Hoy día, se utilizan para convertirlo en un circo a nivel mundial en el que los deportistas de élite intentan satisfacer la exigencia a las que sometemos miles de espectadores, a la espera de que batan records mundiales y hagan sonar "nuestro" himno nacional (cosa que ha dado lugar al dopaje, del que tanto nos quejamos, sin darnos cuenta que hemos sido nosotros los que lo hemos originado por culpa de nuestra demanda de éxitos bajo nuestra bandera, que en ocasiones, más que hazañas, parecen milagros).Resulta emocionante imaginarse corriendo a Harold Abrahms y Eric Lidell, cada uno con sus creencias, sus ideas...

pero dentro de la pista son iguales, corren el el mismo suelo. Un gran reflejo de los que es el DEPORTE, y el porqué el Barón de Coubertin quiso resucitar este bello acontecimiento.Para mi, al igual de los que alguna vez hemos soñado con nadar en las Picornell, de correr en el olímpico de Munich, de superarnos en Atenas... para todos nosotros será siempre un símbolo de lo que significan realmente los Juegos Olímpicos y el deporte, al igual que la mítica composición de Vangelis será nuestro himno.

................................................................................................................

En esta carrera siempre gana la banda sonora (de Vangelis), y con mucha ventaja. Se mire por donde se mire "Carros de fuego" es un producto agradable, falto del verdadero aliento clásico y sobre todo recordada por la magnífica B.S.O.

Magical Mystery Tour (película)

2009-02-21T14:04:00.000-08:00

Magical Mystery Tour
Ficha técnica
Dirección
The Beatles
Producción
The Beatles Gavrik Losey
Música
The Beatles
Fotografía
Daniel Lacambre
Reparto
The Beatles Vivian Stanshall Mal Evans Ivor Cutler
Datos y cifras
País(es)
Reino Unido
Año
1967
Duración
55 min.
Compañías
Distribución
New Line Cinema
Ficha en IMDb
Magical Mystery Tour, película protagonizada por la banda británica The Beatles. Se trata de un especial de una hora de duración que fue emitida a través de la cadena BBC TV el 26 de diciembre de 1967. Luego de su estreno, la película no fue muy bien recibida por el público y la crítica, sin embargo hoy es considerada una película de culto.

Producción [editar]
A pesar de ser la película más corta de Beatles, casi diez horas de rodaje fueron grabados durante un período de dos semanas. El inicio de la película estaba previsto para el 11 de septiembre y y su concluisión para el 25 de septiembre.[1] Las once semanas siguientes estuvo centrada, sobre todo, en acortar la película a partir de diez horas filmadas a 52 minutos. Las escenas que fueron grabadas pero no incluidas en el corte final incluyen
Una secuencia donde helados, frutas y golosinas fueron vendidos a The Beatles y otros pasajeros.
John, Paul, George y Ringo cada uno mirando por un telescopio.
Happy Nat The Rubber Man (Nat Jackley) persiguiendo mujeres alrededor del "Hotel del Atlántico" en la piscina del interior, una secuencia dirigida por John.[2]
Gran parte del film fue realizado dentro y en las inmediaciones del aeropuerto de la RAF West Malling, en Kent el cual fue desmantelado recientemente.[3]
Muchas de las escenas de interiores, como la del globo al final para la secuencia del tema "Your Mother Should Know", se filmaron en hangares en desuso.
Los exteriores, como en el tema "I Am the Walrus" y la carrera de maratón, fueron rodadas en autopistas y paradas de taxi. Cadetes de la RAF (Royal Air Force) pueden ser vistos marchando en algunas escenas, y durante la canción inidcada, se puede divisar un avión de la RAF sobrevolando al grupo.

El viaje misterioso por sí mismo fue realizado a través del West Country de Inglaterra, incluyendo Devon y Cornwall,[4] aunque la mayor parte del rodaje no fue utilizado en la película final
La secuencia del stiptease por Paul Raymond en Londres y la de la canción "The Fool on the Hill" fueron grabados en Niza, Francia. El efecto visual para el tema instrumental "Flying" en tinte de color fue previsto originalmente para la película de Stanley Kubrick: "2001: A Space Odyssey".

Sinopsis [editar]
La idea original del de la película provino particularmente de Paul McCartney, aunque contó con el apoyo de sus compañeros de banda.
El film no tuvo un libreto definido, por lo que se procedió a una colección de ideas escritas a mano, sketches y situaciones improvisadas, a lo que McCartney le llamó "Scrupt" (en vez de Script o libreto), en alusión a su naturaleza.
La situación era colocar a un grupo de gente un bus británico en un tour por el país, enfocado mayormente en el señor Richard Starkey (Ringo Starr) y su tía recientemente viuda (Jessie Starkey (Jessie Robins).
Otros miembros del grupo en el bus incluyen el director del tour Jolly Jimmy Johnson (Derek Royle), la anfitriona Wendy Winters (Mandy Weet), Buster Bloodvessel (Ivor Cutler), y los otros Beatles.
Durante el curso del viaje, "extrañas cosas comienzan a suceder" al capricho de "cuatro o cinco magos", de los cuales cuatro son representados por los propios Beatles y el quinto por su manager Mal Evans.
Durante el recorrido, Starkey y su tía discuten considerablemente. Mientras tanto, ella se enamora de Buster Bloodvessel, quien manifiesta un comporamiento excéntrico y perturbador.
El tour implica varias actividades extrañas, tales como una carrera improvisada en la cual cada miembro del viaje utiliza un medio de transporte diverso. (algunos corren, algunos saltan entre los coches, un grupo de personas tiene una bicicleta larga que pedalean entre todos).
El bus también recorre un largo túnel que es presentado con un proyector de teatro, e implica una escena extraña cuando el grupo camina a través de lo que parece ser una oficina de reclutamiento del Ejército Británico (British Army) El film culmina con el grupo que se divide para ver presentaciones artísiticas en su destino.
"Magical Mystery Tour" está matizada con interludios musicales. los cuáles incluyen interpretaciones como"I Am the Walrus" con The Beatles usando máscaras de animales, George Harrison cantando "Blue Jay Way" mientras espera en la calle Blue Jay Way y la Bonzo Dog Doo-Dah Band tocando "Death Cab for Cutie".

Distribución [editar]
Fue la primera película presentada en el Reino Unido como un film hecho expresamente para la televisión. La BBC la sacó al aire primeramente en blanco y negro en BBC1, y luego a colores en BBC2 unos pocos días más tarde.
Las críticas fueron tan agrias. que desmotivó a las cadenas de televisión de Estados Unidos para adquirir la.cinta. Mientras tanto, su duración de alrededor de una hora no la hacía comercialmente viable para exhibirla en cines o teatros.
No fue proyectada en teatros comerciales de Estados Unidos hasta 1974, cuando New Line Cinema adquirió los derechos para distribución en teatros o en cualquier forma de exhibición pública. Sin embargo, no fue vista en cadenas de televisión de ese país hasta 1980.
La única excepción fue una proyección especial en 1968 en el Fillmore East en New York organizada por el Servicio de Noticias de Liberación (Liberation News Service).
Las reacciones en 1967 habían sido tan adversas que nadie tuvo a su alcance un negativo del film, y las posteriores reproducciones o versiones tuvieron que ser copiads de impresiones de mala calidad. Para finales de los 80´s MPI, amparado en sus derechos con Apple Corps) lanzó la película en formato de VHS y luego en presentación de DVD bastante tiempo después. Otro relanzamiento oficial se esperó en 2008.[5]

Críticas [editar]
Las expresiones del público británico sobre el film fueron mordaces.

Hunter Davies, biógrafo de la banda, dijo: -"Esa fue la primera vez en la memoria que un artista se sintió obligado a hacer una disculpa pública por su trabajo".
McCartney más tarde en 1967 manifestó a la prensa, diciendo: -"Nosotros no dijimos que fue un buen film, ese fue nuestro primer intento. Si fuimos unos tontos, lo fuimos. Era un desafío y no salió. Será mejor la próxima vez".[6] Sin embargo, con el paso del tiempo, el punto de vista de McCartney respecto al film cambió: -"Mirando hacia atrás, pensé que todo estuvo correcto. Pienso que estuvimos absolutamente contentos con él". El documental "The Compleat Beatles" narrado por Malcolm McDowell) dio su descripción: -"En gran parte un proyecto de Paul, un viaje por el campo inglés en un bus lleno con amigos, actores y monstruos del circo, y filmar lo que sucedió. Desafortunadamente, nada hicieron".

Canciones [editar]
"Magical Mystery Tour"
"The Fool on the Hill"
"Flying"
"I Am the Walrus"
"Blue Jay Way"
"Death Cab for Cutie" (Bonzo Dog Doo-Dah Band)
"Your Mother Should Know"
"Hello Goodbye" (en los créditos finales)
"Jessie's Dream"
"All My Loving" (como música de fondo)
"She Loves You" (tocada durante la maratón)

Notas [editar]
↑ Mark Lewisohn, The Complete Beatles Chronicle (London: Pyramid Books, Hamlyn, 1992, ISBN 0-600-61001-2), p. 267
↑ Mark Lewisohn, The Complete Beatles Chronicle (London: Pyramid Books, Hamlyn, 1992, ISBN 0-600-61001-2), p. 264
↑ The Beatles' bubbly, BBC.
↑ Beatles 'mystery' film discovered, BBC.
↑ 2008 Rerelease
↑ Beatles Database 1967

Enlaces externos
Entrada IMDB para Magical Mystery Tour (1967)

Multimedia [editar]
Complete Film
Obtenido de

"http://es.wikipedia.org/wiki/Magical_Mystery_Tour_(pel%C3%ADcula)"

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lunes, enero 29, 2007

Magical Mistery Tour
1967 fue un año sobresaliente en la carrera de los Beatles. Tras el enorme impacto Sgt Pepper y el lanzamiento de Strawberry Fields Forever y Penny Lane, los fab four añadieron la actuación de All you need is love , que fue la primera retrasmision mundial por satélite.
El proyecto Magical Mistery tour se gestó a la par que Sgt. Pepper daba los últimos coletazos como una idea original de Paul, el concepto era comenzar un viaje por parajes ingleses dentro de un autobús lleno de amigos y familiares (incluyendo a Charlie Lennon, tío de John) se iban a vivir aventuras "mágicas", tal como hacían los ***Merry Pranksters de Ken Kesey*** (donde no hubiera nada preparado, tampoco un guión, y de esta manera dejar surgir situaciones interesantes y grabarlas.
El proyecto que se pactó tenía una hora de duración, se empezaron a grabar las canciones tan pronto como el trabajo anterior de Sgt Pepper fue terminado, pero lo que se suponía que iba a ser un viaje libre, lleno de esas experiencias fantásticas se convirtió en un autentico desastre. La película fue emitida originalmente por la BBC durante las vacaciones de navidad de 1967 y fue duramente criticada.

El disco se editó originalmente como un EP doble conteniendo las seis canciones del filme, aunque en Estados Unidos se le añadieron otras seis canciones publicadas en los tres singles que habían lanzado al mercado durante 1967 y apareció en formato de LP.

La película está rodada casi enteramente dentro del autobús, y este viaje sólo se ve interrumpido en varias ocasiones en las cuales la psicodelia y la experimentación son los factores a señalar, además de momentos de un gran expresionismo onírico.

Las canciones, que para muchos son lo mejor de Magical Mistery Tour, son las que marcan el ritmo frenético de toda la película.Estas canciones algunas etéreas y de corte experimental como, blue jay way o flying; una gran balada al estilo mccartney como fool on the hill, el prodigio de i am the walrus, la delicia de your mother sould know, la genial magical mistery tour y los singles que configuraron la cara b del lp, penny lane, strawberry fields o hello goodbye.Los años transcurridos le han dado a esta película un valor documental imprevisto, ya que muestra al grupo con una honestidad que sus films previos no se habían permitido.

También se ha vuelto más evidente su carácter de obra experimental y pionera de la psicodelia, más próxima al cine de Andy Warhol que al de Richard Lester.Hoy en día muchos cineastas la señalan entre sus títulos preferidos Steven Spielberg es claro ejemplo de ello. La pelicula fue lanzada en dvd en 1997 y las canciones remasterizadas por George Martin en 1988. Magical Mistery Tour está enteramente concebida, dirigida, escrita y producida por The Beatles.

Aclaración*** Durante la segunda mitad de los 60, Ken Kesey y un grupo de amigos, los Alegres Pillastres, fueron pioneros en la experimentación lúdica y espiritual con lsd marihuana y anfetaminas (speed).

A bordo de un autobús pintado con colores fluorescentes, los Pillastres recorrieron América y fueron estableciendo gradualmente muchos de los elementos retóricos y visuales que después popularizó (y, a juicio de Kesey, trivializó) el movimiento hippie. En esta tarea contaron con la colaboración del grupo grateful dead, que acompañaba con su música psicodélica las sesiones abiertas de consumo de LSD organizadas por Kesey.

Durante algún tiempo, Kesey y Timothy Leary representaron dos enfoques complementarios de la naciente contracultura: irreverente e imprevisible el de Kesey, ritualizado y mesiánico el de Leary. Así, mientras Leary, que provenía de un ambiente científico universitario, buscaba inspiración para los viajes de LSD en textos exóticos y prestigiosos como el Libro tibetano de los Muertos, Kesey, autodidacto, prefería inspirarse en la cultura pop norteamericana (comic, ciencia-ficción, rock'n roll).

A finales de la década, la persecución policial y el cansancio por la repetición de las mismas fó

rmulas expresivas, que comenzaban a anquilosarse, llevaron a Kesey a dar por superada la experimentación con drogas. A pesar de eso, permaneció hasta su muerte como uno de las figuras emblemáticas del underground norteamericano.***
Publicado por momo a las 7:27 PM
Etiquetas: Beatles film

7 comentarios:
Alex dijo...
Aunque no es de mis peliculas preferidas, Magical mystery tour como album si lo es. Me parece una evolución de la pscicodelia del Sgt. Pepper´s, y como bien dice el autor, marca el año cumbre de la carrera beatle: 1967.La película creo que fué basicamente idea de Paul, y estaba condicionada a un acuerdo con United Artists por lo que The Beatles debían realizar al menos tres películas. Lo mejor de la peli: La escena de los spaggetis con John y la gorda, y el videoclipo de I´m the walrus traducido.Saludos.
1/30/2007 09:39:00 AM
momo dijo...
pues a mi tampoco me gustaba en un principio pero ahora tengo que reconocer que me fascina. Un saludo!
1/30/2007 09:50:00 AM
jsrh dijo...
Siento corregirte, Alex, pero la película de la que hablas es Yellow Submarine (película en la que tenían tan poco interés que ni tan siquiera se doblaron ellos mismos).Magical Mistery Tour fue dirigida por Apple (empresa de The Beatles)Aparte de todo esto, opino que esta es una película que para disfrutarla el requisito indispensable es ser un fan Beatle, cosa que no ocurre con las otras cuatro.Saludos!
1/30/2007 10:53:00 AM
momo dijo...
a mi yellow submarine me fascina, de hecho es mi preferida, lo que pasa es que ellos estaban muy quemados.
1/30/2007 11:30:00 AM
GretchenPapier dijo...
¿cómo se puede conseguir la de Magical Mistery Tour? Recuerdo hace unos años que contemplé el comprármela... ¡y no la encontré por ninguna parte!
1/30/2007 04:17:00 PM
Un besote!

Nuestra cosa latina

2009-01-28T10:26:00.000-08:00

MÚSICA
DOCUMENTAL SOBRE LA MÚSICA LATINA DE LOS 70

El Harlem hispano, retratado en 'Our Latin Thing' por Pedro Galiano
‘Our Latin Thing’ es más que un documental sobre música. La película, dirigida por Leon Gast (‘Cuando éramos reyes’), es la foto fija de un instante irrepetible, un preciso retrato del Harlem hispano en un momento en el que bullía de creatividad y vida. Gracias a la impagable labor de Vampi Soul, ahora podemos disfrutar, por primera vez en DVD, del film que aupó al estrellato a la Fania All Stars y popularizó la salsa.
Título: OUR LATIN THING (Nuestra cosa)Año: 1971Género: DocumentalDirección: Leon GastProducción: Jerry MassuciDistribución: Vampi Soul DVDDuración: 83 minutos
‘Our Latin Thing’ muestran la vida cotidiana de una comunidad orgullosa y unida que, mediante la música, festeja en la calle la alegría de vivir. Música, diversión y colorido como antídoto a la pobreza y la marginalidad que se alzan, mejor que un grito de desesperación, por encima de los rascacielos.
N LA década de los sesenta se cruzaron muchas tendencias musicales fruto de una efervescencia creativa nunca superada. Propiciado por el derrocamiento de Batista y el consiguiente éxodo masivo de cubanos a Nueva York, tuvo lugar uno de los encuentros más fructíferos y fascinantes, en cuanto a ritmos bailables se refiere, que jamás se hayan producido: el de los ritmos afrocubanos y puertorriqueños tradicionales con el soul, el jazz y el rhythm and blues, semilla del boogaloo y el latin soul.

En un proceso de contaminación mutua, los músicos anglosajones de jazz, prendados de los ritmos calientes, fichan a percusionistas latinos como Ray Barreto o Cándido Camero, mientras que los Nuyoricans (los latinos afincados en Harlem) crean su propia industria paralela con los sellos Fania, Cotique o Tico, donde plastifican el sonido vibrante y contagioso de gente como Machito, Chano Pozo, Arsenio Rodríguez, Joe Bataan, Eddie Palmieri y otras luminarias de ‘El Barrio’, capaces de ofrecer shows cantando en inglés en el Teatro Apolo, templo de la música negra.

Una década después, en plena época de reivindicación de los derechos civiles, la comunidad latina refleja su situación sociopolítica en la descomunal megapoli mediante textos concienciados mientras subvierte patrones sonoros hasta el punto de covertir la etiqueta ‘salsa’ en un término difuso e incluso controvertido.
En estas llegamos a la noche del 26 de agosto de1971. El italo-americano Jerry Massuci, un hombre de negocios que ejerce de capo del sello Fania, tiene el acierto de encargar la filmación de la primera reunión de la Fania All Stars en el emblemático Cheetah neoyorkino a Leon Gast, un fotógrado y documentalista que posteriormente (1973) dirigirá ‘Cuando éramos reyes’. Es una noche mágica en la que un local abarrotado con más de 4.000 almas se mueven al son de los infecciosos ritmos de una superbanda alucinante: Ray Barreto, Willie Colon, Larry Harlow, Johnny Pacheco, Roberto Roena, Bobby Valentín, Santos Colon, Hector Lavoe, Ismael Rivera, Pete ‘El Conde’ Rodríguez, Adalberto Santiago, Bobby Cruz, José ‘Cheo’ Feliciano, Ricardo Ray, Reynaldo Jorge, Roberto Rodríguez, Barry Rogers, Yomo Toro y Hector Zarzuela, entre otros. La química entre los músicos y el público es perfecta, la atmósfera irrepetible y el éxito del estreno de la película catapulta a sus protagonistas al estrellato y sirve de detonante del boom de la salsa durante la década de los setenta, el punto álgido del género con la vuelta al español como idioma de referencia.
Pero la película es mucho más que un concierto. Para completar las imágenes del macroevento, Gast hace una incursión en el corazón del Spanish Harlem y, cámara al hombro, pulsa el ambiente del gueto. Las secuencias tomadas, intercaladas en el montaje final de la película junto a la actuación, muestran la vida cotidiana de una comunidad orgullosa y unida que, mediante la música, festeja en la calle la alegría de vivir.

Música, diversión y colorido como antídoto a la pobreza y la marginalidad que se alzan, mejor que un grito de desesperación, por encima de los rascacielos. Tras un impactante inicio en el que un niño nos va guiando a través los recovecos del barrio latino, peleas de gallos, conciertos callejeros, arrestos policiales y rituales de santería completan un documental que, por primera vez está disponible en DVD gracias a la gentileza de Vampi Soul y que, no sabemos porqué, ha sido ignorado en la edición de este año de In-Eddit. Gózenlo, pero ya!

Anacaona

OUR LATIN THING PARTE I

OUR LATIN THING PARTE 5

La clase obrera va al paraíso

2009-01-11T06:39:00.000-08:00

TITULO ORIGINAL
La classe operaia va in paradiso
AÑO
1972
DURACIÓN
111 min.
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PAÍS
DIRECTOR
Elio Petri
GUIÓN
MÚSICA
FOTOGRAFÍA
REPARTO
Gian Maria Volonté, Mariangela Malato, Salvo Randone
PRODUCTORA
GÉNERO Y CRÍTICA
Más información
1972: Cannes: Palma de Oro / Drama social / Ejemplo del cine denuncia, en este caso de las condiciones laborales en las fábricas, a través de la historia de un obrero modelo que, a raíz de un accidente, se convierte en sindicalista. (FILMAFFINITY)---------------------------------------

LA CLASE OBRERA VA AL PARAISO (1971)

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Mientras que la clase obrera es únicamente aquella parte del proletariado que no tiene otra posibilidad de supervivencia que vender su fuerza de trabajo. Nada más y nada menos.
No son obreros los artesanos y artistas que trabajan y viven de sus propios medios de producción o se mantienen con su ingenio, pequeños comerciantes, deportistas profesionales, pequeños campesinos, profesionales libres o autónomos, funcionarios religiosos, mujeres que no quieren vender su fuerza de trabajo sino intentar gozar o soportar las tareas de reproducción, u otras actividades afines (varones muchos menos, todavía..), y todas las demás personas que renuncian, no pueden o no quieren venderse como mercancía a un capitalista, a un propietario de medios de producción y capital, grande o pequeño que sea.

Mientras que, literalmente, es trabajador todo aquel que trabaja, si y cuando trabaja. Empleado o capitalista activo, en funciones. Mercenario o artista. Obrero o latifundista activo. Político, sindicalista o empleado del hogar. Madre reproductora o Ongeista en misión. Etc.
Pero, por supuesto, únicamente una parte de estos trabajadores son obreros.

Los obreros empleados no agotan el concepto de trabajador. No es lo mismo un obrero que un trabajador, sino que hasta pueden estar en las antípodas como situación de clase. El obrero trabajador, por ejemplo, es casi siempre explotado por un capitalista trabajador. El trabajo los une como concepto, pero uno es obrero, el otro capitalista.

Dicho esto, todo resulta más claro. La trampa semántica que favorece la confusión entre trabajadores y obreros esconde algo mucho más gordo: la negación de la esencia del capitalismo.
Que es la lucha de las dos grandes clases mundiales contemporáneas, y que se presenta como interactividad de oposiciones parciales o en ocasiones antagónicas de los seis sectores que las componen: sector rentista, en funciones y oligárquico de la clase capitalista, y empleado, subempleado y desempleado de la clase obrera.

Así, salvadas rarísimas excepciones, los sindicatos se han transformado en mecanismos internos reguladores del llamado ?mundo del trabajo, ?marco laboral?, ?sector productivo?, ?mercado laboral?, etc.
No buscan el cambio radical, la revolución del modelo de desarrollo, representando a toda la clase.
No pueden ya salirse de su función interna, determinada por los sectores empleados a los que tienen que responder, y al estado que les tolera, apoya o protege.
Todo el mecanismo sindical capitalista, o prácticamente todo, está integrado en esta función, y de ahí que les conviene confundir a obreros con trabajadores, para transmitir una impresión de función social general.

Pero en realidad la clase obrera de la globalización, al interior de cada pueblo o a nivel global planetario, no está ni defendida ni representada, ni menos aún organizada por ningún movimiento social general, como lo es al contrario el sindicalismo para los trabajadores empleados.

Y esto es muy grave. Enormemente preocupante. A nivel mundial, la clase obrera se compone de manera minoritaria de empleados. Mientras, en los países industrializados metropolitanos y de capitalismo imperialista, el otro sector, el precariado o sector subempleado, está superando o ya ha superado en importancia al sector trabajador empleado de la clase!

En EH, la situación no es menos grave, a pesar de que al parecer existen todavía fuerzas sindicales que no han abandonado del todo una concepción de clase

En tierra de nadie

2008-12-23T08:34:00.000-08:00

CINE ANTIBELICO

Año 2001
Nacionalidad Bélgica - Bosnia Herzegovina - Francia - Italia - Slovenia - Reino Unido
Estreno 08-02-2002
Género Drama
Duración 98 m.
ZINEMA.COM T. original No man's land
Dirección Danis Tanovic
Intérpretes Brankó Djuric (Ciki)
Rene Bitorajac (Nino)
Filip Sovagovic (Cera)
Katrin Cartlidge (Jane Livingstone)
Simon Callow (Coronel Soft)
Guión Danis Tanovic
Fotografía Walther Vanden Ende
Música Danis Tanovic
Montaje Francesca Calvelli
Sinopsis
Esta es la historia de dos soldados, Ciki y Nino, uno bosnio y el otro serbio, que se encuentran atrapados entre las líneas enemigas, en tierra de nadie, durante la guerra de Bosnia de 1993. Mientras Ciki y Nino tratan de encontrar una solución a su complicado problema, un sargento de los cascos azules de las Naciones Unidas se prepara para ayudarles, contraviniendo las órdenes de sus superiores. Los medios de comunicación son los encargados de transformar una simple anécdota en un show mediático de carácter internacional. Mientras la tensión entre las diferentes partes va en aumento y la prensa espera pacientemente nuevas noticias, Nino y Ciki tratan por todos los medios de negociar el precio de su propia vida en medio de la locura de la guerra.

Referencias
Es la primera película de ficción dirigida bosnio Danis Tavonic, autor de varios documentales que han sido premiados en distintos Festivales, algunos de los cuales tratan sobre la guerra en su país. Asimismo es el guionista y compositor de la banda sonora. En la actualidad vive en Francia y tiene nacionalidad belga.

Los protagonistas son Branko Djuric y el croata Rene Bitorajac (Garibaldi).

Les acompañan en el reparto Georges Siatidis (El tren de la vida); Katrin Cartlidge (El peso del agua, Claire Dolan, Inocencia robada) y Simon Callow (Cuento de Navidad, Ni en tu casa ni en la mía).

El director de fotografía es Walther Vanden Ende (Corazones enfrentados, El profesor de música, Toto el héroe, Farinelli).

La película está rodada en Eslovenia, antigua república de Yugoslavia que se parece mucho a Bosnia desde el punto de vista geográfico.

Obtuvo la Perla del público en el Festival de Cine de San Sebastián 2001.

Consiguió el premio al mejor guión en el Festival de Cine de Cannes 2001 y en los Premios del Cine Europeo 2001.

Obtuvo el Oscar y el Globo de Oro 2002 a la mejor película extranjera.

EN TIERRA DE NADIE, de Danis Tanovic

Por Javier Castro
Francia / Italia / Eslovenia / Reino Unido / Bélgica, 2001. T.O.: No Man's Land. Director: Danis Tanovic. Productores:Marc Baschet, Frédérique Dumas, Marion Hänsel y Cédomir Kolar. Guión: Danis Tanovic. Fotografía: Walther Vanden Ende, en color. Diseño de producción: Dusko Milavec. Música: Danis Tanovic. Montaje:Francesca Calvelli . Duración: 98 minutos. Intérpretes: Branko Djuric (Ciki), Rene Bitorajac (Nino), Filip Sovagovic (Cera), Katrin Cartlidge (Jane), Simon Callow (Soft), Georges Siatidis (Marchand), Alain Eloy (Pierre), Sacha Kremer (Michel).

inicio
El conflicto desde dentro
Según parece, es sano para nuestra salud psicológica encontrar algo bueno en todo lo que nos rodea, incluso en las circunstancias más penosas y adversas. Incluso en las más absurdas guerras. Como mi capacidad de análisis y mis conocimientos de las circunstancias políticas y sociales de los Balcanes se limita a lo visto en los telediarios varios, fuentes inagotables de maniqueísmos y manipulaciones, me ceñiré a lo que en esta página se trata, que es el cine. Y ahí es donde esta guerra a dado sus mejores frutos, aunque hubiera sido preferible quedarse sin catarlos.
Hay dos películas que se jactan de ser las primeras rodadas acerca de, y en el conflicto, aunque ambas desde fuera. En La mirada de Ulises, del griego Theo Angelopoulos (director también de la magnífica La eternidad y un día), sin ser esta guerra el tema central de la cinta, (el protagonista, Harvey Keitel, busca los negativos de la primera película griega), si que en la parte última se desarrolla en el centro mismo del conflicto, dejando para la historia del cine esas secuencias entre la niebla que permite a los habitantes de la ciudad disfrutar del bullicio de las calles ocultos de losfrancotiradores. Pero esta misma niebla nos devolverá al horror que produce el sentir la violencia a nuestro lado sin poder verla.En Wellcome to Sarajevo del chico de oro inglés Michael Winterbottom (director entre otras de la gloriosa Wonderland) retrata a un grupo d eperiodistas que trata de sacar a unos niños de Sarajevo. El punto de vista de los periodistas es el que más juego ha dado en estas películas, ya que son también protagonistas en la española Territorio comanche (GerardoHerrero) y la reciente Las flores de Harrison de Elie Chouraqui, y con papeles destacados en Before the rain, estupenda película de Milcho Manchevski y la que hoy nos ocupa, En tierra de nadie. En alguna de ellas,especialmente en Las flores de Harrison, da la impresión de que compiten entre ellas por mostrar la barbaridad mayor (recordad la secuencia en que unos milicos meten a unos críos en una habitación y arrojan una granada dentro). Pero exceptuando la de Angelopoulos son las películas rodadas porlos propios yugoslavos (o lo que sean ahora) las que dan una dimensión moral mayor a la tragedia. Mención aparte merecen el cine de Emir Kusturica, al que se ha acusado de pro-Servio y algunos de cuyos títulos anteriores a la guerra ya dejaban claro que algo iba mal, y El polvorín, de Goran Paskaljevic (director de la galardonada "La otra América"), visión urbana del conflicto desde el punto de vista de los propios Servios, desmoralizante y sobrecogedora en su mensaje (aunque como película a mi no me hizo mucha gracia).
¿Qué aporta la cinta que (parece mentira) ahora nos ocupa? Pues ni mas ni menos que el punto de vista de las trincheras. En toda la cinta apenas se sale de una. Contaré primero someramente de qué va, para no reventársela a nadie. Un grupo de soldados bosnios se pierde en la noche y la niebla mientras busca el frente, y al amanecer se dan cuenta de que están en medio del campo de batalla y a tiro de los servios. Sólo dos sobreviven. Un par de servios van a la trinchera a ver lo que ha ocurrido y allí se encuentran alos supervivientes, quedando unos a merced de los otros y cambiándose los papeles alternativamente. Ahí es donde entra en juego la "comunidad internacional", que trata de cumplir su misión de no intervenir, con todo éxito, y que aparecerá sólo cuando una periodista (la gran Katrin Cartlidge, a la que vimos en Rompiendo las olas o Before the rain) meta las narices. Es unespectáculo gratificante ver a estos soldados de la paz, tan aclamados ensus países de origen, cumplir su labor con tanta diligencia y eficacia... Lo han demostrado hasta la saciedad, (y lo siguen haciendo), y este es uno de los puntos donde la cinta se muestra más crítica.
A pesar de lo dramático que pueda parecer, la película trata el tema con humor, al menos en la primera parte, y sin maniqueísmos (dejando a todos igual de mal, quiero decir), dando un punto de vista más cercano a la realidad (creo) que los telediarios o las películas de otros países. Los actores cumplen, (yo siento debilidad por Katrin Cartlidge), y el director se mueve con eficacia en un guión que crece en intensidad dramática sin fisuras, sin que en ningún momento decaiga la película. Tras los premios en Cannes (mejor guión) y otros festivales, y el reciente y merecido oscar a la mejor película extranjera (al menos entre las tres que he visto era mi favorita), quizá se relance esta película sin concesiones,que da mucho que pensar (una de las funciones, a mi entender, del cine), y que bien merece una sala llena.

El imperio de los sentidos,1976

2008-12-10T06:46:00.000-08:00

El IMPERIO DE LOS SENTIDOS

Hoy a las 10:06
Nuestro título evoca la famosa película de Nagisa Oshima de finales de los setenta. El amante movido por el sentido de la seducción y el erotismo conquista a la amada. La pasión del sexo se transforma en el único sentido de la relación. El sexo destrona la seducción. La relación misma genera otros sentidos.

La amada quien en el inicio es el objeto sexual del amado, en el juego sexual, transforma el sentido de eros en tánatos. Precisamente, porque el final de todo juego es jugar hasta que termine, no hay construcción, no hay después, no hay mañana.El objeto sexual se hace un sujeto y su sentido es único, la muerte.

La ausencia absoluta de los amantes como señal de permanencia en lo único que tenía sentido, el sexo como juego. Allí está la paradoja mortal que plantea el film, la destrucción de la seducción por la presencia absoluta de su manifestación placentera, de su juego, el sexo.

El poder, al igual que el sexo, es la arena seductora donde los diversos se encuentran para vivir o morir. La política es una apuesta erótica, es seductora, por su aliento de vida, de transformación, de cambio, de sueños infinitos, por los instantes de sentir el poder darle dirección a una sociedad… La permanencia en la arena del sexo o del poder transfigura los sentidos de seducción en destrucción. Porque los sujetos se dejan llevar por el río de lo dado hasta su muerte. Es un ámbito no de afirmación de la existencia, sino de la negación más plena de la vida. La película es una metáfora que debe alertar a los seguidores del gobierno, a sus actores políticos, a sus intelectuales pero también, a la población en general por el destino del país. Este juego tiene consecuencias nefastas para la vida en común.

El Uh Ah erotizante de una gran parte de la población terminará en el Oh! Ah! del terremoto social. ¿Cómo detener esta pasión enloquecida de estar en el juego permanente de una diatriba electoral? ¿Cómo detener los sentidos que estallan en el mundo de la vida por aquél que se enloqueció por el poder, transfigurándose en la crudeza de sentir que ahora y para siempre será el conductor de la historia? ¿Quién puede pensar en construcción, en cambio, en revolución? ¿Cuál cultura? ¿En qué horizonte?

El poder sedujo de tal manera al presidente que ya el asunto no es gobernar. Su sentido es permanecer en la contienda, para legitimar una y otra vez su mando. Para encarnar de una vez y para siempre su sitial de salvador de la patria. Para ello, su amado pueblo tiene que negarse una y otra vez frente a él, nadie puede afirmarse, nadie puede brillar. Los gobernadores dejaron de ser actores políticos. Se confiesan, sin ningún tipo de vergüenza, sin ninguna ristra de dignidad, en objetos permanentes de la voluntad de su señor, quien juega a sus antojos con todos y cada uno de ellos. El gobernador de Mérida, Marcos Díaz, en declaración publicada el 9 de diciembre resume lo afirmado: “El líder es Chávez. Ninguno tiene aspiraciones. Es absurdo. Tenemos un líder y por él daremos la vida. No somos importantes.

Sólo Chávez.”La declaración no sólo es patética sino que es un síntoma de descomposición del juego social y político que estamos viviendo. No es posible que algunos, intentando encontrar un hilo de racionalidad, aún en la desproporción de la brutalidad del acto del gobierno, sientan que es posible encontrar un resquicio para debatir y diferenciar una reforma de una enmienda (por ejemplo) aunque ambos nombres tengan dentro de sí un contenido idéntico: la reelección indefinida.

El problema al final de la cuentas no este leguleyerismo de cuarta categoría de la asamblea y de los retruécanos de los “intelectuales perrito é taxis”, sino de los sentidos que empiezan a florecer y a configurarse dentro de una sociedad. Se trata no sólo de una rotura del sentido de la política sino de una manifestación atroz de una corrupción ética. Se trata del síntoma de una enfermedad que habita en el cuerpo social, de un cáncer.

La manifestación más evidente es cuando un sujeto se cree el conductor del destino de un país, de un continente y la sociedad discute lo acertado o no de la afirmación. Esto sucede cuando la seducción política se transforma en perversión.

JONATAN ALZURU APONTE

Ficha tecnica de la película

TITULO ORIGINAL
Ai-no corrida (L'Empire des Sens)
AÑO
1976
DURACIÓN
100 min.
Sugerir trailer/vídeo
PAÍS
DIRECTOR
Nagisa Oshima
GUIÓN
Nagisa Oshima
MÚSICA
Minoru Miki
FOTOGRAFÍA
Hideo Ito
REPARTO
Eiko Matsuda, Tatsuya Fuji, Aoi Nakajima, Taiji Tonoyama, Kanae Kobayashi, Melka Seri
PRODUCTORA
Coproducción Japón-Francia; Oshima Productions / Shibata Organisation (Tokio) / Argos Films (París)
GÉNERO Y CRÍTICA
Más información
Erótica. Drama / SINOPSIS: Una pareja de amantes vive una historia de amor al límite. La pasión se ha adueñado de ellos. El sexo ha pasado a ser lo más importante de sus vidas. Poco a poco sus juegos eróticos van traspasando fronteras. Las ansias de la mujer por poseer a su hombre parecen crecer cada vez más, hasta llegar al límite... (FILMAFFINITY)----------------------------------------Drama erótico que causó sensación en Cannes, donde se tuvieron que dar 13 pases, algo sin precedentes. Un clásico del erotismo que triunfó precisamente por su seriedad en la presentación del sexo explícito. (FILMAFFINITY)----------------------------------------

La película es una bellísima sucesión de amor erótico entre una pareja de un hombre y una geisha. Ademas debería contemplarse en el análisis de la simbología japonesa de los colores ,los decorados y ambientes y los kimonos pue tienen un repertorio de significados muy rico distinto a los nuestros.

Hizo época el erotismo en escalada de un film pue valió la pena ver

Joaquin

Simbologia de los colores Publicado por Maikel 16:10 cultura, Japon, simbologia 0 comentarios »
domingo 27 de julio de 2008
Por lo general , la simbologia que se le dan a los colores es universal , pero ademas , en Japon hay muchos colores que tienen una simbologia especial , a continuacion , algunos ejemplos :

Azul （青）: Lo primero que en lo que se piensa es en el cieloPositivo , Esperanza , verdad , respeto , lealtadNegativo , Mentira , lejania , frialdadEl Azul representa tranquilidad y en Japon es el color de la Brujeria , encontrar una flor azul o un pajaro azul es simbolo de buena suerte.

Rojo （赤）: El sol (del amanecer o atardecer) y la sangrePositivo , fuego (deseos de lucha) , calor , amor , filialidad , cualidad , capacidadNegativo , fugaz , poco tiempo , corta vidaEn gran parte , mas que el espiritu , el rojo representa a la carne , en Japon se piensa que el rojo tiene poderes curativos , se usa el HARAMAKI (腹巻　banda para cubrir el estomago) de color rojo para mantenerlo caliente , mejorar las funciones estomacales e intestinales ademas de las de los organos reproductivos (hormonales).

En los anuncios de las farmacias (antiguas) hay un TENGU (天狗　Un dios de la antiguedad , tiene una larga nariz y su cara es de color Rojo) , a los ancianos de 60 años , se les viste con un CHANCHANCO (チャンチャンコ　vestimenta como chaleco) de color rojo para desearles salud y larga vida. Tambien el HANKO (はんこ　sello personal) se pone en este color pues es simbolo de la propia carne (como una firma con sangre).

Anaranjado （オレンジ）: La fruta madura , tambien perfeccion o eternidad Positivo : felicidad , proteccion , fertilidad , bondadNegativo , envidia , mala intencion , resentimiento Es muy raro que se use su significado negativo , en Japon , se le relaciona mas con el fuego , los deseos de lucha y progreso y como las frutas , para desear el desarrolo y crecimiento de los niños. Se acostumbra poner una mandarina (naranja) sobre el MOCHI (餅　pasta de arroz) de fin de año , para que el proximo año sea mejor (de mas progreso) que el actual.

Amarillo （黄色）: Oro o el solPositivo : Luz , intuicion , conocimiento , sabiduria , calor , bonanzaNegativo , infertilidad , traicion , desconfianza , temorAunque la bandera de Japon tiene un sol rojo , desde la antiguedad se utilizaba el color amarillo , tambien es el color del emperador. Actualmente se le ve como simbolo de notoriedad.

Negro （黒）: El color que no es color , el antes de el comienzoPositivo : Calidad , cualidad , origen , fuerza , desicionNegativo , muerte , oscuridad , ignorancia , supersticionMas se ve como el color del luto y a veces peor pues representa lo que esta debajo de la tierra (el infierno) , tambien representa al (transcuro del) tiempo.

Blanco （白）: El color de (la union de) todos los colores , Eternidad Positivo , santidad , pureza , limpieza , eternidad , inocenciaNegativo , frialdad , aislamientoEn Japon , el color de los dioses , pues se relaciona con la luz (transparente) libre de impurezas

Marron （茶色）: La tierraPositivo , otoño , fertilidad , bonanza , simplicidad , sumisionNegativo , tristeza , desgastamiento , dependenciaEn Japon , es el color de la bonanza de la tierra y el campo , pero tambien el color del desierto

Gris （灰色）: impresicionPositivo , proteccion , tranquilidad , recato , serenidadNegativo , miedo , egoismo , envidia , conspiracion No es negro ni blanco , en japones se utiliza "resultado gris" （灰色決着）　es decir , confuso , impresiso. Tambien es el color de las nubes (que traen la tormenta) , inseguridad , miedo por el futuro.

Verde （緑）: El bosque (la naturaleza)Positivo , primavera , naturaleza , vida , frescura , inocencia , juventud , felicidad , paz , amistad , etc.Negativo , muerte , enfermedad , putrefaccion , miedo , mala suerteEn Japon se le relaciona con la naturaleza y bonanza , la felicidad de vivir.

Morado （紫）: Fuerza y poderPositivo , Honor , reconocimiento , sabiduria , conocimientoNegativo , sufrimiento , sumision , muerteAntiguamente era un color que estaba prohibido usar por la gente del pueblo y solo podian usar los nobles en Japon. Si se fijan un poquito veran que los diplomas , condecoraciones y premios siempre van atados con una cinta de color morado (oscuro) o tienen adornos de ese color como simbolo de reconocimiento

Driving Miss Daisy

2008-11-28T08:57:00.001-08:00

Paseando a Miss Daisy
Título original
Driving Miss Daisy
Nacionalidad
Estados Unidos de América
Año
1989
Género
Drama
Formato
Color
Director
Bruce Beresford
Guión
Alfred Uhry
Fotografía
Peter James
Música
Hans Zimmer
Reparto
Morgan Freeman, Jessica Tandy, Dan Aykroyd

Sinopsis
Daisy (Tandy) es una vieja judia a la que tras un accidente automovilistico, su hijo (Aykroyd) le impone un chofer (Freeman) para que la acompañe a todos sitios. La relación entre el chofer y la vieja durará más de 30 años.

Crítica
Puntuacióndel crítico: 5Peliculilla con aspecto de haber sido echa para la televisión que en 1989 ganó el Oscar y yo aún sigo sin entenderlo porque la película no es nada del otro mundo y además está bastante mal estructurada ya que los saltos de tiempo están metidos a palanca y sin fu ni fa en 30 minutos el guionista te esplica 30 años de historia inconexos entre sí y que distinguimos por el horrible maquillaje que lucen los actores, quienes por cierto no estaban en su mejor momento, la Tandy (que le robó el Oscar Michelle Pfeiffer y Jessica Lange) en toda la película no hace absolutamente nada remarcable a excepción de ese patético momento de locura senil por el que probablemente la academia la votó; mientras que Morgan Freeman (en una de sus peores interpretaciones) se limita a reirse tontamente a cualquier parida que dice la vieja "Oh, señorita Daisy, ¡Qué cosas dice usted, Jojojojo!; y lo de Dan Aykroyd no tiene nombre, sale 10 minutos posando y por ello también le nominaron; sin mencionar la horrible y empalagosa música de Hans Zimmer.

Para verla si no hay algo más decente en la tele.Y por cierto por mucho que se ria Morgan Freeman y por mucho Globo de Oro de comedia que ganase, la película es puro drama.Palmarés:4 Oscar: Película, Actriz (Tandy), Guión adaptado y Maquillaje.Nominaciones: Actor (Freeman); Secundario (Aykroyd); Vestuario, Decoración y Montaje.3 Globos Oro: Película, Actor y Actriz.

Driving Miss Daisy
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Driving Miss Daisy
Título
Conduciendo a la señora DaisyPaseando a la señora DaisyEl chófer de la señora DaisyEl chófer y la señora Daisy
Ficha técnica
Dirección
Bruce Beresford
Producción
Richard D. Zanuck Lili Fini Zanuck
Guión
Alfred Uhry
Música
Hans Zimmer
Fotografía
Peter James
Reparto
Jessica Tandy Morgan Freeman Dan Aykroyd Patti LuPone
Datos y cifras
País(es)
Estados Unidos
Año
1989
Género
DramaComedia
Duración
99 minutos
Compañías
Productora
Warner Bros
Ficha en IMDb
Driving Miss Daisy, también conocida como El chófer de la señora Daisy, Conduciendo a Miss Daisy, El chófer y la señora Daisy y Paseando a Miss Daisy es una película estadounidense de 1989, adaptada de la obra de Alfred Uhry Driving Miss Daisy para la Warner Brothers. La película fue dirigida por Bruce Beresford con Morgan Freeman y Jessica Tandy en los papeles protagonicos. La historia define a la señora Daisy y su punto de vista a través de una red de relaciones y emociones que se desarrollan en su casa, en la sinagoga, entre sus amigos y familiares, temores y preocupaciones. Hoke rara vez se ve fuera de la prescencia de la señora Daisy, aunque el título implica que la historia es contada desde su perspectiva. La película fue ganadora del premio de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas a mejor película en 1989.

Argumento [editar]
En 1948 la Señora Daisy Werthan, una viuda judía de 72 años, vive en Atlanta, Georgia, en la compañía de su trabajadora domestica afroamericana llamada Idella. Después de un accidente en su automovil Chrysler el hijo de la Señora Daisy, Boolie, le contrata un chofer porque ninguna compañía de seguro le asegurara, ella se niega, pero Boolie está decidido para encontrar uno. Mientras tanto, ella está parada en casa incapaz de relizar sus compras, visitas a sus amigos y asisitir a la iglesia, por no poder conducir. Boolie encuentra a un hombre, Hoke Colburn, la señora Daisy en un principio se niega a la ayuda de Hoke, ante el hecho de que las personas puedan llegar a creer que es demasiada vieja y tonta para para conducir. La señora Daisy llega a la aceptar Hoke y el hecho de que ella necesita ayuda para transportarse.

La señora Daisy descubre que Hoke no sabe leer, y por su antigua profesión como maestra le enseña cómo leer. La señora Daisy tiene que asistir a la fiesta de cumpleaños número noventa su hermano en Mobile, Alabama. Hoke le revela, durante el viaje, que es la primera vez que él ha salido del Estado de Georgia.

Durante su viaje de Atlanta a Mobile, la señora Daisy comprende en varias circunstancias durante el viaje sobre los aspectos sociales y los prejuicios raciales. Al paso del tiempo la señora Daisy toma aprecio por Hoke ante varias circunstancias. En 1965, mientras veían la televisión en la cocina, Idella muere. la señora Daisy entristece por la cercanía y el tiempo que compartió con Idella, y acompañada por su familia son las únicas personas blancas en el funeral. Ante los importantes cambio sociales de la época, la señora Daisy observa con especial atención los prejuicios y la discriminación hacia los negros y los judíos por lo que asiste al dicurso en Atlanta del Dr. Martin Luther King, invitando inicialmente Boolie a la cena, pero él se medita sobre su posición y los pensamientos de sus asociados ante la asistencia al acto y sugiere a la señora Daisy invitar a Hoke. la señora Daisy no menciona la invitación a Hoke hasta que él está llevándole a la cena. Su renuencia a invitar a Hoke subraya el racismo pasivo que a menudo pasa desapercibido en comparación con el racismo más abierto y agravado.

Pocos años más tarde, Hoke se llega a casa casa de la señora Daisy y la encuentra en un estado de confusion, él llama Boolie y le dice que su madre se encuentra mal. Antes de la llegada de Boolie logra tranquilizar a la señora Daisy y ella le revela a Hoke que él es su mejor amigo sujetándole mano. Boolie decide que lo mejor para su madre es que sea atendida en una casa de retiro. Dos años más tarde, en 1973, Boolie decide vender la casa de la señora Daisy, y Hoke se ha retirado de la conducción.

Hoke ahora cuenta con 85 años y la señora Daisy con 97 años. Boolie y Hoke se reúnen por último en casa de la señora Daisy y parten de ella a la casa de retiro para visitar la señora Daisy. La película termina con Hoke dando de comer una pieza de pie a la señora Daisy, ambos recordando viejos tiempos y mezclado con la imagen del Hudson que inicialmente Hooke condujo para la señora Daisy desplazandoce por la una calle con rumbo al horizonte.

Comentarios [editar]
Driving Miss Daisy es una la primera obra de teatro de la denominada "Trilogía de Atlanta" de Alfred Uhry, en las que se narra la vida de algunos miembros de la comunidad judía en la ciudad de Atlanta, Georgia. Alfred Uhry consiguió un gran éxito con su obra, llegando a ganar el Premio Pulitzer para obras dramáticas.
El titulo de la película debe ser interpretado como Manejando a la señora Daisy por el papel de Hoke al lidiar con el caracter de la señora Daisy

VIDEOS MUSICALES DE DRIVING MISS DAISY

http://www.solorecursos.com/musica/musica-video.php?id=Driving+Miss+Daisy

El cine y su impacto en las elecciones norteamericanas

2008-11-20T09:22:00.000-08:00

Por Tim Robbins

Hollywood ha calentado el ambiente con películas, vídeos y documentales electorales que no han pasado desapercibidos. Oliver Stone puso en el punto de mira la vida de George W. Bush en la satírita biografía cinematográfica 'W', estrenada poco antes de las elecciones. Michael Moore también quiso poner su granito de arena con el documental 'Milk', la biografía sobre el primer político estadounidense que hizo pública su orientación sexual hacia los hombres, Harvey Milk, interpretado nada más y nada menos que por Sean Penn.
Steven Spielberg ha sido más neutral y se decantó por dirigir un vídeo electoral para movilizar a los votantes sea cual sea su color político. Bajo el lema 'No votes' y en clave de humor Will Smith, Harrison Ford, Tom Cruise, Julia Roberts, Leonardo DiCaprio, Orlando Bloom o Scarlett Johanson, se dirigen a los ciudadanos estadounidenses para pedirles que no voten el 4 de noviembre.
La última en apuntarse al carro de los documentales electorales ha sido Kirsten Dunst, quien ha viajado a Dakota del Norte, el único lugar de Estados Unidos en el que no es obligatorio estar registrado para votar, para rodar un documental sobre cómo vota la población estadounidense.

LA POLÉMICA DE LAS ELECCIONES
La polémica más sonada la ha protagonizado el actor estadounidense y activista liberal Tim Robbins, que necesitó cinco horas y una orden judicial para poder ejercer su derecho al voto en Nueva York, ya que su nombre había sido retirado del censo de su centro electoral. El ganador de un Óscar por su papel secundario en 'Mystic River' (2003) fue a votra y allí se encontró con la sorpresa: le comunicaron que su nombre no estaba incluido en el censo de electores.
El actor y director aseguró haber acudido a ese mismo centro desde 1992 y, desde entonces, nunca ha dejado de ir a votar, no ha modificado su domicilio y tampoco ha cambiado de afiliación política, motivos todos ellos que podrían explicar que se le hubiera excluido del censo. Los responsables ofrecieron al conocido actor la oportunidad de cumplimentar una papeleta provisional, pero éste rehusó, asegurando que ese tipo de voto puede terminar no sirviendo para nada. Desde hace meses, Robbins ha venido pidiendo a los estadounidenses en diversos medios de comunicación que no utilicen ese tipo de papeletas. "Si es su última opción, tómela, pero luche antes por su derecho a ejercer el voto. Es su derecho como estadounidense", aseguró el actor de 50 años, quien finalmente necesitó hasta cinco horas, además de una orden judicial, para conseguirlo.
Entre apoyos, denuncias, documentales y polémicas la carrera hacia la Casa Blanca ha llegado a su fin con Barack Obama como ganador. Los ciudadanos lo han elegido y Hollywood ha dejado su huella en la campaña, lo que ya es una tradición. La meca del cine volverá a involucrarse en la vida política de EEUU, ocurrirán nuevas anécdotas y polémicas, pero habrá que esperar otros cuatro años para verlo.
Medio mundo ha seguido las elecciones norteamericanas conscientes del impacto internacional que supone la elección del presidente de EEUU... políticos, empresarios, medios de comunicación, ciudadanos anónimos y, cómo no, la industria de Hollywood que, una vez más, ha participado activamente en la campaña electoral ya sea para recaudar fondos o para difundir las ideas con las que comulgan. En este sentido, muchos actores han proclamado sus ideas a través de vídeos electorales, canciones en favor de un determinado candidato (el mejor ejemplo se puede encontrar en YouTube buscando 'Yes, we can') o, simplemente, declarando abiertamente a quién iban a votar.

A lo largo de la intensa campaña electoral, la meca del cine se ha posicionado casi al completo a favor del candidato demócrata, ya presidente de EEUU, Barack Obama. La lista de iconos del Hollywood actual que han demostrado públicamente su apoyo a Obama es extensa y diversa. Constan en ella, para sorpresa de los que afirman que la juventud no se moviliza a nivel político, un buen número de los jóvenes valores de la industria: de Scarlett Johansson a Jessica Biel, de Ben Affleck a Matt Damon pasando por Elijah Wood, Leonardo DiCaprio, Jessica Alba, Jennifer Aniston…
La lista continúa con algunos veteranos militantes, como Susan Sarandon, George Clooney (uno de los más activos en su apoyo), Robert de Niro, Tommy Lee Jones, Antonio Banderas, Sharon Stone o Tom Hanks. Mientras que el grueso de los actores afroamericanos también se ha situado del lado de Obama, empezando por Will Smith, continuando con Eddie Murphy o Forrest Withaker, y sentenciando con Halle Berry y Tyra Banks. Para rematar el asunto, encontramos entre los fans incondicionales del candidato demócrata al humorista del momento en Hollywood, Ben Stiller, y al super-héroe más cotizado: Tobey “Spider-man” Maguire.

Del rosa al amarillo

2008-10-25T14:17:00.000-07:00

Título original: Del rosa al amarillo

Año: 1963

Duración: 90

Compañía Productora: Eco Films S.A. Impala, S.A. Distribuidora: C.B. Films S.A. Distribuidora DVD: Sogepaq

Género: Comedia

Reparto: Antonio Alfonso Vidal, Antonio D. Olano, Cristina Galbó, José Vicente Cerrudo, Juan Ramón de la Cuadra, Júlio Martín, Lina Onesti, Manuel Summers, María Hevia, María Jesús Corchero, Pedro Díaz del Corral, Pilar Gómez Ferrer, Sergio Mendizabal, Valentín de Miguel, Vicente LLosá, Dirección: Manuel Summers, Productor: Francisco Lara, Manuel Summers, Guión: Manuel Summers, Música: Antonio Pérez Olea, Fotografía: Francisco Fraile, Montaje: Antonio Gimeno, Dirección artística: Recaudación: 19.884,05 € Espectadores: 36.760 Nacionalidad: España Fecha de Estreno: 05-09-1963 Trailer: Clasificacion: NO RECOM. MENORES DE 13 AÑOSUltima Actualización: 25-05-2005Fondo: Filmoteca BasecinePremios:

Sinopsis:
Guillermo, de 12 años, está enamorado de Margarita, de 13.

Un día Margarita, por medio de su mejor amiga, "La Ratona", confiesa a Guillermo que le gusta. Llegan las vacaciones. Margarita en la playa y Guillermo en el campo, intercambian cartas de amor. A la vuelta, Guillermo se pone sus primeros pantalones largos y corre a reunirse con su amada, pero sólo encuentra a "la Ratona" con un nuevo mensaje.

En la segunda historia, Valentín y Josefina pasan sus últimos años en el asilo. Como allí, hombres y mujeres están separados, se conforman con intercambiar cartas y tiernas miradas en la capilla, dadas las absurdas y obsoletas reglas del lugar...

GÉNERO Y CRÍTICA
Más información
Drama. Romance / SINOPSIS: Dos historias de amor destacan en esta película: dos niños de 12 y 13 años, Guillermo y Margarita, obligados a dejar de verse durante el verano, y una pareja de ancianos, Valentín y Josefa, que se aman en silencio en el asilo donde viven. (FILMAFFINITY)

Juan Miguel Lamet (Director cinemátografico de la epoca)

habla sobre "Del Rosa al Amarillo"

http://www.youtube.com/watch?v=fqpVbwMcV_Y

CRITICA

Del Rosa al Amarillo
Abril 3, 2001

DIRECTOR: Summers, Manuel

PAIS: España

A principios de los años sesenta, las tendencias del cine crítico promovido por las nuevas generaciones de realizadores, se encontraban en plena aceptación y desarrollo.
En 1963 Manuel Sumers, dibujante de humor ácido (“humor gris marengo”), inicia el trasplante a la pantalla su corrosiva filosofía gráfica.

En su primera película, “Del Rosa al Amarillo”, mezcla de forma inteligente, la historia del más inocente y candoroso amor, en dos casos aparentemente contrapuestos, con el mundo autoritario y represivo en el que se suceden.
En el primer relato, expone la ingenua aventura sentimental de un primer amor de pubertad (estilo que nos recuerda las formas de hacer, de la entonces naciente “nouvelle vague”). El argumento nos puede parecer tierno, nostálgico o divertido, pero la verdadera carga de profundidad, esta colocada en la cruda descripción, como escenario natural, de un sistema de educación, que visto con la suficiente perspectiva histórica, hiela la sonrisa al más escéptico.
En la segunda historia, el mismo candoroso sentimiento, se desarrolla ahora entre dos ancianos que viven (pero no conviven) en un asilo de monjas. Aquí la ternura se hace, quizás, excesivamente melodramática, pero como en la primera parte, el verdadero sentido del filme, esta en el retrato desnudo de la estremecedora realidad, que se desarrolla tras los muros de las entonces cínicamente llamadas “casas de amparo”.
Sorprende de Sumers, como, en su primera película, acierta perfectamente a combinar la nostalgia de la inocente adolescencia, o del idílico romance otoñal de dos abuelos, con la severa crítica a la dictadura política, social y religiosa del país. Y sorprende más, porque, a la postre, ésta va a ser su mejor obra y prácticamente la única que se pueda encuadrar en el cine de calidad de esa época; su obra posterior, se perderá cada vez más en una fracasada línea comercial y facilona.

Y....

Cancion de Joaquin Sabina

Del rosa al amarillo (doloras)
24 de Septiembre, 2007 Categoría: Sonetos
Por los cerros de Úbeda anduve el otro díade vuelta a los zaguanes azules de mi infancia,

los olivos bordaban su antigua geometría,

el tiempo es un exilio más cruel que la distancia.
Escarbé en los desvanes de los viejos baúlesbuscando en dobles fondos el eco de una brasa,

los años apolillan los besos y los tules,

ninguna edad es buena para volver a casa.
Con su trabajo sucio las uñas del olvidose ensañan con el luto del alma trashumante,de todo lo ganado, de todo lo perdido,

apenas sobrevive la sombra de un instante.
Aquí nací; sin bici ni perro que me ladre

dejé en los soportales la huella de mi canto.

Aquí, ya en otro siglo, las hijas de las madresque amé tanto me besan como se besa a un santo.
Yo iba a los salesianos, ella a las carmelitas,calcetinitos blancos y babi azul marino,la tarde que me dijo que sí la margarita

estrené un corazón fluvial y ultramarino.
Dormitaban los trenes en Linares-Baezasin pasar por tu Mágina,

pobre Muñoz Molina,la miel de otras colmenas hervía en mi cabeza,

entre tantos Martínez elegí ser Sabina.
Arrecia el vendaval de hojas de calendario,

la luna es un semáforo de carne de membrillo,

esta noche me espera Madrid, otro escenario

y tres generaciones del rosa al amarillo.

Poema: Del rosa al amarillo (doloras)

Año: 2007, Interviú

Cine chileno de hoy

2008-09-20T11:28:00.000-07:00

Lo mejor del cine contemporáneo chileno en la sala Charles Chaplin La sede de la Cinemateca de Cuba, acogerá entre el 1ro. y el 7 de septiembre, una muestra cinematográfica que nos actualizará sobre lo más reciente de esa filmografía

Por: Joel del Río

Correo: cult@jrebelde.cip.cu
La popular actriz argentina Cecilia Roth encabeza el elenco de la pelicula Padre nuestro, de Rodrigo Sepuvélda.
Del 1ro. al 7 de septiembre la Cinemateca de Cuba, con sede en el cine Charles Chaplin, programa una jornada de cine chileno contemporáneo que incluye siete destacados títulos, cuatro de ellos estrenos absolutos en Cuba. Valga este botón de muestra para propiciar el acercamiento a una cinematografía antes tan cercana y ahora tan desconocida como distante, a pesar de que hemos aplaudido, entre 2000 y 2007, títulos chilenos de tanto realce como Coronación, En la cama, Play, Machuca, B-Happy y Taxi para tres, por solo mencionar algunos de indiscutible calidad. Pero la muestra no incluye ninguno de estos, pues se pretende más bien actualizar sobre lo más reciente que presentar una antología.

La acción de La sagrada familia, una de las películas «insignias» de esta muestra, ocurre en la casa de playa de una acomodada y actual familia chilena, durante el feriado de Semana Santa. Un dueño de casa exitoso y egocéntrico, una madre desorientada y un hijo, Marco, anulado por su progenitor, componen esta familia que cambiará de golpe cuando llegue Sofía, novia del joven y dueña de una perturbadora intensidad erótica.

La actriz Patricia López presentará dicho filme en la función inaugural de esta semana de cine, dedicada a demostrar la emergencia de una cinematografía clasificada, desde ya, entre las más promisorias y reanimadas de Latinoamérica. El filme ha sido premiado en Viña del Mar, Toulouse (mejor filme), Festival de Cine Independiente de Buenos Aires, muestra de Leida, Seúl (mejor filme), Santa Cruz y Guayaquil, entre otros.

Muy galardonada internacionalmente también ha sido Mi mejor enemigo, de Alex Bowen, que retrocede a diciembre de 1978, cuando Chile y Argentina están a días de comenzar un enfrentamiento armado en la frontera sur. En la Patagonia, una patrulla chilena rompe accidentalmente su brújula y se pierde en la inmensidad de la pampa. Cavan sus trincheras en algún lugar sin saber si es Chile o Argentina. Comienza una larga espera que interrumpirá una patrulla argentina que se instala frente a ellos. Ambas patrullan esperan ahora la guerra, pero la tensa espera dará paso a la amistad que se da entre seres humanos que son enemigos, pero que, confundidos por la soledad de la pampa, transitan en una frágil línea entre el deber y el querer, contando así una profunda historia humana. Mi mejor... recibió honores en los festivales de Bruselas, Los Ángeles, Valdivia, Lima y Cartagena.

Al igual que Mi mejor... también gira en torno al pasado Días de campo, el más reciente empeño de Raúl Ruiz por el cine de su país. Hay dos hombres, aparentemente muertos, que se encuentran en un bar y comienzan a hablar del pasado. Don Federico, de 90 años, recuerda su madurez en una antigua hacienda y a los personajes que rodearon su existencia en ese lugar, mientras intenta permanentemente terminar la novela que escribe...

Ruiz es uno de los cineastas chilenos más conocidos mundialmente. Se exilió en Francia luego del golpe pinochetista y ha conseguido el raro privilegio de mantenerse realizando un cine de vanguardia, intelectualizado y provocador, a lo largo de 30 años, por solo contar su experiencia fuera de Chile, pues en el breve período de la Unidad Popular, anterior al golpe militar, Ruiz realizó dos de las mejores películas nacionales de todos los tiempos: Palomita blanca y Tres tristes tigres.

Si en este festival de cine chileno hay una «sagrada familia», también se cuenta con un «padre nuestro». Rodrigo Sepúlveda dirigió a la eminente actriz argentina Cecilia Roth en un filme titulado del mismo modo que la oración canónica de la cristiandad: Padre Nuestro, una historia emocionante, llena de detalles de la vida común, que muestra cómo, a pesar de todo, siempre hay una última oportunidad para el reencuentro y la comprensión entre los padres y los hijos, a diferencia de la roñosa y gritadora serie argentina Montaña rusa que, supongo, llegará al final algún día.

La última luna, de Miguel Littín ya fue vista en el festival internacional del nuevo cine latinoamericano.
También se exhibe El baño, debut de Gregory Cohen dedicado a mostrar, desde una cámara fija, los cambios culturales, sociales y domésticos acaecidos en el país sudamericano entre 1968 y 1988. Hippies, dueñas de casa, maestros, profesionales, víctimas, victimarios, aparecen en este baño, con su humor, pasiones y miedos, sin saber que siempre hay un Ojo que los está observando...

Menos panorámica y más intimista es El rey de San Gregorio, que narra la vida de Pedro Vargas —quien se interpreta a sí mismo—, un hombre de 30 años que vive en la población de San Gregorio y presenta una discapacidad física y cierto grado de discapacidad mental. Sin embargo, ninguno de estos factores impide que sea el protagonista de una hermosa historia de amor junto a su «princesa» Cati, una chica que presenta un grado severo de discapacidad mental. Ellos deben luchar por su amor, a pesar de la sobreprotección y miedos de sus familias.

Si está en la semana Raúl Ruiz, no tiene por qué faltar el otro gran director chileno consagrado también a finales de la década de 1970. Miguel Littín, el autor de ese clásico que sigue siendo El chacal de Nahueltoro aparece con su filme más reciente, La última luna, el relato de cómo comenzaron a construir una casa en la colina de Judea, Soliman, un joven palestino, y Jacob, su amigo judío, mientras la aparente quietud del lugar es interrumpida por ráfagas de violencia que anticipan los futuros días de la guerra.

Cuando se estrenó en el Festival de La Habana, el colega Rolando Pérez Betancourt aseguró en Granma que La última luna era una de las mejores películas de Littín, «sensible y contenida, sin ser didáctica», «cine para aprender y disfrutar las perspectivas del arte».

En ocasión del Festival de La Habana al que hacía referencia, nos visitó Miguel Littín, y en una entrevista con Frank Padrón emitió las siguientes opiniones sobre el cine chileno hecho por jóvenes, como lo son la mayoría de los realizadores que integran esta jornada de la Cinemateca: «La nueva generación de cineastas chilenos es atrevida, audaz y talentosa; son jóvenes, y ser jóvenes, decía Allende, es sinónimo de rebeldía. Buscan su camino en medio del marasmo y del caos de una sociedad neoliberal confusa y perversa, y allí están desafiantes e iconoclastas; sus obras están abriendo caminos».

Valga la recomendación experta y penetrante, aunque venga de bien cerca.