Andrei Tarkovsky Tribute

Doctor Zhivago

Título Doctor Zhivago
Ficha técnica
Dirección David Lean
Producción Carlo Ponti
David Lean
Arvid Griffen
Guion Robert Bolt
Música Maurice Jarre
Fotografía Freddie Young
Montaje Borman Savage
Vestuario Phyllis Dalton
Reparto Omar Sharif
Julie Christie
Geraldine Chaplin
Tom Courtenay
Alec Guinness
Rod Steiger
Ralph Richardson
Rita Tushingham
Klaus Kinski
Siobhan McKenna
Jeffrey Rockland
Ver todos los créditos (IMDb)
Datos y cifras
País(es) Estados Unidos
Año 1965
Género Drama
Duración 197 minutos
Compañías
Productora Metro-Goldwyn-Mayer
Ficha en IMDb
Julie Christie como Lara.

Doctor Zhivago es una película estadounidense de 1965, dirigida por David Lean, con Omar Sharif en el rol principal. Está basada en la novela Doctor Zhivago, de 1957, del escritor ruso Boris Pasternak (Premio Nobel de Literatura 1958)

[editar] Argumento

La película está narrada por un general de la policía secreta soviética, Yevgraf Zhivago (Alec Guinness), medio hermano de Yuri Zhivago (Omar Sharif), a la que cree que es hija de éste, Tonya Komarovskya (Rita Tushingam). La trama principal se desarrolla entre 1905-1921.


TEMA DE LARA Y VARIOS

Yuri Zhivago es un médico y poeta en la época del advenimiento de la Revolución rusa. Está casado con Tonya (Geraldine Chaplin), una joven de la alta burguesía que le quiere y le admira. Durante la Guerra Civil Rusa, la mansión familiar en Moscú es requisada y ocupada por otras familias. La situación se torna insostenible para ellos. Reaparece Yevgraf Zhivago y les recomienda salir de Moscú y viajar a la mansión de campo de la familia, en Varikino. Después de una odisea, viajando en un vagón de ferrocarril atestado, la familia logra trasladarse a su casa de campo, pensando en pasar el duro período de la guerra civil allí. Cuando llegan a la casa se enteran de que ha sido confiscada por el gobierno revolucionario y se ven obligados a refugiarse en una cabaña cercana que forma parte de la propiedad. Logran pasar un tiempo en paz y Zhivago comienza a escribir poesía y a visitar la biblioteca del pueblo cercano, Yuriatin. Allí se encuentra con Lara (Julie Christie) a quien había conocido en difíciles circunstancias en Moscú, y posteriormente durante la Primera Guerra Mundial, cuando él servía como médico militar y ella como enfermera. Su relación con Lara se transforma en una relación amorosa. Todos sus movimientos y actividades son vigilados por los funcionarios soviéticos. Tonya queda embarazada y Yuri decide terminar su relación con Lara. Después de una triste despedida regresa a Varikino y es sorpresivamente reclutado a la fuerza por un pelotón de guerrilla soviético, y debe seguirlos en su campaña. Después de dos años, deserta y regresa a Varikino en busca de su familia, pero allí se entera de que han emigrado a Francia y que su rastro se ha perdido. Yuri se reencuentra con su antiguo amor, Lara. Juntos, más la hija de Lara, deciden irse a vivir a la casa de campo en Varikinno. Es el período del crudo invierno ruso y Zhivago decide desobedecer la confiscación y rompe los maderos que tapiaban la casa, para refugiarse allí. Pasa el tiempo y la guerra llega nuevamente, obligando a Lara a huir junto a su hija. Yuri no se entera nunca de que Lara espera un hijo de él. Regresa a Moscú, donde su medio hermano Yevgraf le consigue un puesto en un hospital. Pasan los años, y un día, viajando en el tranvía, Yuri ve a Lara caminando por la calle y desesperadamente trata de detener el transporte y correr tras ella, sin poderla alcanzar, ocurre entonces un inesperado final, fallece de un paro respiratorio.

La película termina con el regreso a la escena primera, donde la muchacha (Rita Tushingam) dice no recordar a su madre y que quien supone es su padre la había abandonado durante un bombardeo. Luego de crecer en un orfanato, había encontrado su actual trabajo, donde se desarrolla la escena. Yevgraf comprende que hay que dar tiempo al tiempo y la deja ir. La última escena ocurre con el alejamiento de la muchacha y su novio. Yevgraf nota que ella lleva una balalaika al hombro y le pregunta si toca bien, y el novio le responde que era una virtuosa y que había aprendido por sí misma. Yevgraf comenta: ¡Entonces es un don!. La madre de Yuri también interpretaba con maestría el instrumento y se decía que tenía el don.
[editar] Comentarios



Se rodó básicamente en España, más concretamente en Madrid y Soria, con el sistema de filmación en color Metrocolor, característico de la Metro-Goldwyn-Mayer. En Madrid se rodaron las escenas moscovitas en lo que actualmente es la calle de Silvano a la altura del cementerio de Canillas, en aquel entonces campo abierto, en donde construyeron un decorado de unos 20.000 m² que recreaba Moscú, con su trazado de vías de tranvía electrificado, por donde circulaban incluso dos tranvías cedidos por la Empresa Municipal de Transportes. También se rodó en la Estación de Delicias. En Soria se rodaron prácticamente todos los exteriores, empleando para ello todas las líneas de ferrocarril que por entonces estaban en uso. Se rodaron escenas ferroviarias en los siguientes escenarios:

* Estación de Delicias[1]
* Estación de Soria-Cañuelo
* Candilichera (Campo de Gómara)
* Villaseca de Arciel (Campo de Gómara)
* Navaleno (Pinar Grande)
* Villar del Campo
* Yanguas
* Matamala de Almazán


Las escenas de la residencia de Varíkino fueron rodadas en Candilichera. En algunos países, este film estuvo en cartelera mucho tiempo, siendo récord de taquilla. Durante varios años, las compañías de cinematógrafos la re-estrenaron a petición del público.


La presa que sale al final de la película es la de Aldeadávila de la Ribera, en la provincia de Salamanca. Las escenas del entierro, al principio de la película, con unas montañas al fondo, están rodadas en la provincia de Granada. Las escenas de invierno se rodaron principalmente en Finlandia, cerca de la frontera con la entonces URSS.
[editar] Premios
[editar] Oscar 1965
Categoría Persona Resultado
Mejor película Candidata
Mejor director David Lean Candidato
Mejor actor de reparto Tom Courtnay Candidato
Mejor montaje Borman Savage Candidato
Mejor guión adaptado Robert Bolt Ganador
Mejor fotografía Freddie Young Ganador
Mejor banda sonora Maurice Jarre Ganador
Mejor sonido Winston Ryder Candidato
Mejor vestuario Phyllis Dalton Ganador
Mejor dirección artística Gil Parrondo
Terence Marsh
Dario Simoni Ganadores
[editar] Globos de Oro 1966
Categoría Persona Resultado
Mejor Actor - Drama Omar Sharif Ganador
Mejor música Maurice Jarre Ganador
Mejor vestuario Phyllis Dalton Ganador
Mejor guión adaptado Robert Bolt Ganador
Mejor dirección artística Terence Marsh
Gil Parrondo Ganador
Mejor fotografía en color Freddie Young Ganador
[editar] Referencias

1. ↑ Aniversario de una estación de cine


[editar] Enlaces externos

* Colabora en Wikiquote Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Doctor Zhivago (película). Wikiquote
* Doctor Zhivago de David Lean
* Coloquio sobre la película en ¡Qué grande es el cine!, de José Luis Garci
* Trailer de 1965 de Doctor Zhivago.



Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Doctor_Zhivago_(pel%C3%ADcula)"
Categorías: Películas dirigidas por David Lean Películas de Estados Unidos Películas de Metro-Goldwyn-Mayer Películas de 1965 Películas dramáticas Películas basadas en novelas Películas rodadas en España

El hombre que sabía demasiado

TÍTULO ORIGINAL The Man Who Knew Too Much
AÑO 1956

DURACIÓN 120 min. Trailers/Vídeos

PAÍS

DIRECTOR Alfred Hitchcock
GUIÓN John Michael Hayes
MÚSICA Bernard Herrmann
FOTOGRAFÍA Robert Burks
REPARTO James Stewart, Doris Day, Brenda de Banzie, Bernard Miles, Ralph Truman, Daniel Gélin, Alan Mowbray
PRODUCTORA Paramount Pictures
PREMIOS 1956: Oscar: Mejor canción
GÉNERO Intriga Espionaje. Remake
SINOPSIS El Dr. Ben MacKenna y su mujer Jo son una pareja estadounidense que pasa sus vacaciones en Marruecos junto con su hijo Hank. Tras la muerte de un espía en brazos de Ben, cuando éste se encontraban visitando el mercado de Marrakech, el matrimonio descubre que su hijo ha sido secuestrado. Sin saber en quién confiar, los MacKenna se ven envueltos en una pesadilla de espionaje internacional, asesinatos y angustia. (FILMAFFINITY)

CRÍTICAS ----------------------------------------
"El maestro retoma la historia que ya rodase en 1934 para dar forma a este inquietante thriller protagonizado por un inconmensurable Stewart. Conspiraciones, pistas falsas y malentendidos para una joya del cine de intriga" (Fernando Morales: Diario El País)
----------------------------------------
El hombre que sabía demasiado (película de 1934)
De Wikipedia, la enciclopedia libre
(Redirigido desde El hombre que sabía demasiado (1934))
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Para otros usos de este término, véase El hombre que sabía demasiado.
The Man Who Knew Too Much
Título El hombre que sabía demasiado
Ficha técnica
Dirección Alfred Hitchcock
Dirección artística Alfred Junge
Guión Charles Bennett
D.B. Wyndham-Lewis
Fotografía Curt Courant
Montaje Hugh Stewart
Reparto Leslie Banks
Edna Best
Peter Lorre
Frank Vosper
Hugh Wakefield
Nova Pilbeam
Datos y cifras
País(es) Reino Unido
Año 1934
Duración 75 minutos
Compañías
Productora Gaumont British Picture Corporation
Ficha en IMDb
Ficha en FilmAffinity
El hombre que sabía demasiado es una película dirigida por Alfred Hitchcock. Años más tarde realizaría una versión en Estados Unidos que contó con la participación de James Stewart.

[editar] Argumento
Betty (Nova Pilbeam), hija de Bob (Leslie Banks) y Jean Lawrence (Edna Best), se van de vacaciones a Suiza. Allí conocen a Louis Bernard (Pierre Fresnay), un hombre un poco extraño. Louis, justo antes de morir, le pide a Bob que entregue unos documentos a las Autoridades. Poco a poco, se descubrirá que es un espía británico.
editar] Comentarios
El propio Hitchcock hizo una nueva versión en 1956 con mucho más presupuesto. [editar] Enlaces externos
El hombre que sabía demasiado
PELICULA ORIGINAL DE 1936 COMPLETA

The Man Who Knew Too Much (película de 1956)
De Wikipedia, la enciclopedia libre
(Redirigido desde El hombre que sabía demasiado (1956))
Saltar a navegación, búsqueda
Para otros usos de este término, véase El hombre que sabía demasiado.
The Man Who Knew Too Much
Título El hombre que sabía demasiado / En manos del destino
Ficha técnica
Dirección Alfred Hitchcock
Dirección artística Henry Bumstead
Hal Pereira
Guión Charles Bennett
D.B. Wyndham-Lewis
Música Bernard Herrmann
Fotografía Robert Burks
Montaje George Tomasini
Reparto James Stewart
Doris Day
Brenda De Banzie
Bernard Miles
Ralph Truman
Daniel Gélin
Datos y cifras
País(es) Estados Unidos
Año 1956
Duración 120 minutos
Compañías
Productora Gaumont British Picture Corporation
Ficha en IMDb
Ficha en FilmAffinity
The Man Who Knew Too Much conocida en castellano como El hombre que sabía demasiado (España y Sudamérica), y En manos del destino (México y Centroamérica), es una película de 1956 dirigida por Alfred Hitchcock. La película ya había sido realizada por el director en 1934 en el Reino Unido, años más tarde y ya en Estados Unidos volvió a hacer esta película con un presupuesto mayor y con actores más conocidos como James Stewart, Doris Day y Brenda de Banzie.

Contenido [ocultar]
1 Argumento
2 Comentarios
3 Premios
4 Enlaces externos


[editar] Argumento
Hank (Christopher Olsen), hijo de Ben (James Stewart) y Josephine Conway McKenna (Doris Day), se van de vacaciones a Marruecos. En el autobús conocen a Louis Bernard (Daniel Gélin), un hombre un poco extraño, quien es apuñalado mientras corría en la ciudad disfrazado de marroquí. Louis, justo antes de morir, le pide a Bob que entregue unos documentos a las autoridades. Poco a poco, se descubrirá que es un espía británico. Louis Bernard, en su agonía, comenta a Ben que es un espía y ha descubierto un complot para asesinar al premier inglés, así que le encomienda la misión de evitar el magnicidio. Este secreto pone en peligro la vida de Hank (hijo de Ben), quien es secuestrado por los autores del complot,con el fin de que Ben y su esposa Jo no divulguen a las autoridades inglesas el plan y eviten el asesinato. Ben y su esposa tratan por su cuenta de liberar a su hijo, pasando memorables equívocos. Ben entra a la tienda de un taxidermista llamado Ambrose Chapell (en inglés, Capilla de Ambrosio) siendo confundido con un demente, y al llegar a la verdadera capilla descubre que el reverendo y las damas de honor son los espías, quienes lo atrapan. Logra escapar para tratar de evitar el asesinato, lo que consigue Jo al gritar y distraer al asesino, provocando que falle el tiro. En represalia, se llevan Hank a una embajada, donde Jo con su famosa canción Lo que será, será consigue localizar a Hank, el cual responde silbando. Ben forcejea con el último asesino, quien cae por una larga escalinata y se desnuca (se dispara con su propia pistola y muere).

[editar] Comentarios





'El hombre que sabía demasiado', encuentro en Marrakech
Alfred Hitchcock se "remakea" a sí mismo y cumple con nota
8

Autor: Christian Aguilera

Anticipándose a la serie de remakes (encubiertos o no) que se han confeccionado con el paso de los años -El agente secreto, 39 escalones, Alarma en el expreso, Crimen perfecto, etc.-, Alfred Hitchcock decidió hacer lo propio con uno de sus films de la etapa inglesa que había marcado un punto de inflexión en cuanto a la recepción comercial.

El título en cuestión, El hombre que sabía demasiado (1934) ya había sido valorado en su época bajo el mecenazgo de David O. Selznick para ser readaptado, pero el proyecto acabaría siendo postpuesto, dándose un trasvase de «poderes» en el sentido que Paramount adquiriría los derechos de explotación de la historia urdida por Charles Bennett y D. B. Wyndham-Lewis.

Los dieciocho años transcurridos desde que se decidiera por dar luz verde al proyecto devino tiempo suficiente para que la historia sufriera notables cambios, el más evidente de los cuales sería el que la nueva versión de El hombre que sabía demasiado aconteciera, en su primera parte, en Marruecos en lugar de Suiza.

A pesar de que el guión escrito por John Michael Hayes y Angus McPhail contempla una breve referencia al país helvético donde Hitchcock y su familia solía pasar las vacaciones, esta nueva versión se mueve en dos naciones que exhiben severos contrastes entre ambas: Marruecos e Inglaterra.

La idea propuesta por Hayes de habilitar el país nordafricano como escenario de la primera parte del film permite el desarrollo de un concepto que define el modelo de historia de suspense imaginado por Hitchcock: tras las apariencias se esconde una realidad sustancialmente diferente.

Un juego de máscaras

La primera secuencia de El hombre que sabía demasiado (1956) nos ayuda a medir el alcance alegórico que persigue el guión de Hayes: Hank (Christopher Olsen), el hijo del matrimonio formado por el doctor Ben Mckenna (James Stewart) y Jo (Doris Day), al efectuar una brusca maniobra el conductor del autocar en el que viajan, propicia que el rostro de una mujer árabe quede al descubierto.

Una situación que podría servir como mero pretexto para introducir en la acción a un súbdito francés, Louis Bernard (Daniel Gélin), quien trata de explicar a los McKenna el porqué de la ira de los árabes al quedar sin velo la mujer. Pero en manos de Hitchcock nos indica que estamos ante un relato dual, que juega con el valor de las máscaras con la voluntad de ocultar una realidad distinta.

En esta dinámica se mueve El hombre que sabía demasiado, un título que hace referencia al personaje del propio Bernard, quien acaba siendo asesinado parapetado en otra identidad, la que le confiere un vestuario y un rostro embadurnado más acorde al de unárabe queal de un genuino francés.

Al margen de la revelación de información en ese instante en el que Bernard, herido de muerte, se pliega de rodillas frente a Ben McKenna en medio de una plaza atestada de viandantes, se produce una transferencia de compromiso: las manos del doctor se cubren de barro, como si de sangre se tratara; para que queden «limpias» deberá implicarse en una investigación que asimismo compromete al futuro de su hijo Hank, secuestrado por Edward (Bernard Miles) y Lucy Drayton (Brenda de Branzie, actriz que un año más tarde intervino en una producción televisiva de 39 escalones), una pareja de británicos que los McKenna habían conocido en un restaurante de Marrakech.

La escena en el restaurante sería la primera de las que Hitchcock ideó -su aportación más «visible» a un guión que firman Hayes y McPhail- para crear espacios de «descanso» en el curso de una trama de suspense que tiene en el escenario del Royal Albert Hall su clímax. Antes de ceder buena parte del protagonismo a este emblemático recinto londinense, Hitchcock habilita una serie de escenas que abundan en el concepto de relajar al espectador -la del taxidermista, las idas y venidas de Jo y Ben para estupefacción de sus invitados- pero al mismo tiempo ofrece pistas falsas a las que el cineasta británico era tan proclive colocar en medio de la trama.

En este proceso de investigación se evidencia lo ambivalente de una relación conyugal que hace más creíbles si cabea los personajes: la misma se lleva a cabo por separado por parte de Ben y Jo, pero también unen sus esfuerzos en un momento crucial para su posterior resolución.

Este detalle de «visualizar» juntos y por separado a Ben y Jo persiguiendo un mismo objetivo -la liberación de su hijo- refuerza todo aquello que había quedado plasmado en los diálogos de la primera parte del film.Éstos ya colocan «en guardia» al espectador de que no estamos frente a una ejemplar familia norteamericana: ella se ha resignado a abandonar su carrera como cantante porque su marido se muestra remiso a abandonar su plaza en un hospital de Indianápolis.

A tal propósito, Hitchcock se cobra una de sus habituales ironías ya que el hospital lleva por nombre«El Buen Samaritano». Si a ello sumamos la escena del taxidermista con Ben McKenna amenazado por la presencia de criaturas disecadas (un anticipo de la fauna que «adorna» el hall del Motel Bates en Psicosis) o que otro Benjamin, de nombre Arthur, fuera el artífice de la obra «Nubes tormentosas» interpretada por la London Symphony Orchestra bajo la dirección de Bernard Herrmann, podemos dar fe que Hitchcock no había perdido la noción de ironía que implicaría al grueso de sus producciones pese a que, en apariencia, El hombre que sabía demasiado se ofrece como un efectivo mecanismo de relojería de suspense que, en cada revisión, gana enteros por su impecable construcción.

Tan sólo si nos centramos en la forma cómo se rodó la parte final en el Royal Albert Hall -con la concatenación de planos fijos, muy en la línea de la planificación de las escenas preliminares de Yo confieso (1952)- podremos calibrar aquella máxima que reza que lo más sencillo es, a veces, lo más complejo de realizar. Y en esta argumentación encontramos en Hitchcock al «hombre que sabía demasiado».

V invasión extraterreste

Hace unos treinta años presentaron esta serie en TV,de unos lagartos invasores disfrazdos de humanos que llegaron a la Tierra ,para robarnos el agua y se fingieron amigos
V es la historia de los resistentes minoritarios que se organizaron hasta derrotar a los extraterrestres.
La V era el símbolo de la resistencia
No es un clasico de la ciencia ficción ,pero si ha sido considerada muy buena en todos los paises donde se exhibio con gran éxito

Asomándonos al Cine Nicaraguense

Esta semana ha habido un acontecimiento en la cinematografía de Nicaragua. Luego de más de veinte años, ha llegado a las salas un largometraje de ficción, La Yuma, de la realizadora Florence Jaugey, cineasta y actriz francesa radicada en ese país prácticamente ese mismo tiempo. Es el retrato de una joven boxeadora, cuyo nombre da el título a la cinta, que vive en un barrio marginal de Managua y pertenece a una pandilla, y busca superar con su desempeño en el ring las necesidades económicas de su familia.
“Es importante que la gente conozca ese barrio, es nicaragüense, y esa es la forma que tiene la gente de enfrentar todas las desgracias; como francesa que soy toda la vida me ha llamado la atención ese talento de la gente, esa picardía de transformar las desgracias, de burlarse del drama”, dijo Jaugey en el estreno.
Previamente, ha dirigido cinco documentales, cuatro de breve duración y el largo La isla de los niños perdidos (2001). Este lanzamiento es un paso más en la paulatina reactivación del cine nicaragüense, que antaño llegó a disputar el Oscar extranjero con Alsino y el cóndor (1982), de Miguel Littin, teniendo como socios a Costa Rica, Cuba y México. En la última década, se ha incrementado, sobre todo a través de jóvenes autores, la cifra de cortometrajes y documentales producidos en soporte digital, luego de la adaptación de una comunidad formada principalmente en el celuloide.
La Yuma es una coproducción con México, España y Francia, dura hora y media, y es distribuida por Wanda Visión, la coproductora de las cintas de Claudia Llosa, Madeinusa y La teta asustada, y otros importantes filmes latinoamericanos como Hamaca paraguaya y La ciénaga.
Ha transitado el conocido camino de los fondos y festivales, donde coincidió con proyectos peruanos, como en el Göteborg International Film Festival, en el que ganó un premio de post producción junto a Paraíso de Héctor Gálvez, y el Festival de Cartagena, en el que reconocieron a la protagonista Alma Blanco y Eliézer Traña como mejor actriz y actor de reparto, mientras Contracorriente, de Javier Fuentes–León, recibía el premio del público. Vean el tráiler:

CORTOMETRAJE "La Traición"

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De Marcel Rasquin "HERMANO"

Sinopsis: Daniel es un delantero excepcional, un fenómeno. Julio es el capitán del equipo, un líder nato. Son hermanos de crianza y juegan fútbol en su pequeño barrio. Daniel sueña con jugar a nivel profesional mientras que Julio mantiene a la familia con dinero sucio, no tiene tiempo de soñar.

La oportunidad de sus vidas llega cuando un cazatalentos del Caracas Fútbol Club los invita a unas pruebas en el equipo. Pero la vida los sacude y tendrán que decidir sus destinos sobre una cancha de tierra. ¿Qué es más importante? ¿La unión de la familia o el sueño de sus vidas?

Hermano de Marcel Rasquin va al Festival de Cine de Moscú
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Publicada a las 07:45 AM del 03 de Junio de 2010 El Nacional
La película más reciente del español Ventura Pons y las óperas primas del venezolano Marcel Rasquin y de la costarricense Hilda Hidalgo representarán al cine hispanoamericano en la edición número 32 del Festival Internacional de Cine de Moscú, anunció el director de programación del certamen, Kirill Razlogov.

Hermano de Rasquin y A la deriva de Pons son 2 de las 15 cintas que participarán en el concurso oficial, mientras que Del amor y otros demonios de Hidalgo, una coproducción colombiano-costarricense, se medirá con otros 7 filmes en la sección paralela Perspectivas.

La selección de películas finalistas al San Jorge de Oro incluye, además, producciones de Alemania, Rusia, Turquía, República Checa, Canadá, Hungría, Polonia, Rumania, Austria y Francia.
El cineasta francés Luc Besson presidirá el jurado de la sección oficial, cuyos miembros serán las actrices chilena Catalina Saavedra y la rusa Maria Mirónova, el productor austríaco Veit Heiduschka y el director lituano Sharunas Bartas.
El jurado de la sección paralela estará integrado por el director británico John Irvin, en calidad de presidente; el realizador ruso Serguéi Ovcharov y la actriz polaca Karolina Gruszka.

"Como se celebra el Año de Francia en Rusia y el Año de Rusia en Francia, el tema ocupa un lugar principal en el programa", dijo Razlogov. Por ello, las cintas más recientes de los franceses Claude Lelouch y Besson abrirán y cerrarán el festival, respectivamente, indicó. También señaló que en esta edición el certamen se centrará en dos líneas temáticas.
Añadió que la primera incluirá filmes que "desenmascaran el pasado reciente" tanto de la actual Rusia como de países que pertenecían a la extinta Unión Soviética. "Nos parecía que llegó la hora de ajustar cuentas con el pasado", afirmó. La segunda línea, agregó, es geográfica, en alusión al cine latinoamericano.

El Festival Internacional de Cine de Moscú, que este año se celebrará desde el 17 y hasta el 26 de junio, comenzó en 1959 y en 2002 pasó a tener carácter anual, aunque la primera muestra de cine extranjero en la capital rusa se remonta al año 1935.







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ENTREVISTA marcel rasquin, cineasta

"Cada vez hay mejores películas"
"'Hermano' es una película deportiva pero no es Disney; aborda la violencia, pero no es violenta"

Rasquin hizo más de 200 entrevistas para elegir a cada personaje. Así llegó a actores conocidos y no tanto (Cortesía Marcel Rasquin)


"¿Sabías que entre 2010 y 2011 se estrenarán cerca de 25 películas de cine venezolano?", decía el martes un twitt de @CinesUnidos. Hermano, ópera prima de Marcel Rasquin, forma parte de este número que constituye una buena noticia para la industria local. La cinta, que debuta en mayo, cuenta la historia de dos hermanos de crianza que comparten una misma pasión por el fútbol.

"La vida siempre nos va a caer a goles -dice el entrenador a sus muchachos, en el trailer-, por eso es que todos los días tenemos que levantarnos convencidos de que el juego va cero a cero".

El director adelanta el perfil de sus personajes principales. "Son dos chamos que juegan en la liga de su barrio. Daniel es el chiquito, un delantero nato. Su ilusión es jugar fútbol profesionalmente y al lado de su hermano. Julio es el grande, líder por naturaleza, es el protector de su equipo, al que considera su familia. Como es el mayor, éste ha entrado en el lado oscuro del barrio".

Un cazatalentos del Caracas Fútbol Club -equipo que patrocina la película- los invita a unas pruebas, con lo cual el sueño está como balón de penalty. Sin embargo, un acontecimiento los obliga a distanciarse y en cierta medida los roles se invierten.

Marcel Rasquin, graduado en Comunicación Social en la Universidad Católica Andrés Bello en 1999, con estudios de Cine en Australia, tiene entre manos una historia sobre la familia y sus valores, sobre la solidaridad y la posibilidad de alcanzar los sueños.

Para el realizador, el hecho de que sean dos jóvenes venezolanos queriendo jugar fútbol en un país de tradición beisbolera, constituye una contradicción que hace a la historia más interesante. "La película no sería tan potente en un país potencia del fútbol como Brasil. Eso se convierte en otro obs- táculo a superar".

Rasquin habla de los puntos medios de su ópera prima. "Hermano es una película de corte deportivo pero no es Disney; aborda la violencia a la que estamos expuestos, pero no es violenta, el motor dramático no es la violencia. Creo que la película tiene un mensaje de redención", comenta.

Tampoco es una película fácil. Para el director, el film es difícil de digerir, "se queda en tí y la vuelves a pensar, es como un mazo en la cabeza... Es una historia potente que me da la posibilidad de predicar sin ser moralista".

La situación del cine venezolano es similar a la de la vinotinto, según lo ve Marcel Rasquin. "Se hacen cada vez más y mejores películas, pronto iremos al Mundial. Creo que Hermano abona ese camino. Obviamente, hay industrias como la argentina, la brasileña -y ahora la peruana-, que nos llevan una morena, pero Venezuela tiene potencial, puede y debe captar la atención del mundo, porque además hay un idilio con lo que es el sabor latino".

Eso sí, el director no cree en "nuevas olas". "Creo que está ocurriendo algo pero es por la suma de esfuerzos indivi- duales".

Ángel Ricardo Gómez
EL UNIVERSAL



Biografias. Marcel Rasquin
viernes 26 de febrero de 2010
Hace el mejor cafecito del mundo. Es capaz de recitar Pulp Fiction y Volver al Futuro de memoria. Una vez soñó que se iba de excursión con Harrison Ford. Vivió emtre canguros y libros de cine. Sus materias pendientes: Astronomía e Historia Universal. Futuro ex fumador.

Tuvo el descaro de subirse al escenario a actuar en teatro después de viejo. Le gustaría regañar a Lucar por la nueva trilogía pero todavia se asusta con la marcha imperial.

No era tan mal baterista. Le gusta hablar del Ávila y de Caracas, y ya no hace tanto deporte como quisiera. Sus cortometrajes son un vacilón (Happy Endings, RING, Easier Riders, Llévate Todo, Fri Jan). Paga el condominio filmando con A&B. Ya casi no abre el Messenger y le da flojera afeitarse a diario. Escribió y dirigió Hermano.


ESTRENO

Por bPablo Antillano

Anoche fuimos al estreno de la película de Marcel Rasquin, “Hermano”, que viene de ser triplemente premiada en la más reciente edición del Festival de Cine de Moscú: jurado, crítica y ¡público! Entendimos por qué.
Es una película que se atiene a las convenciones universales de un buen cuento. Dos jóvenes hermanos que viven en un barrio caraqueño emprenden juntos un viaje hacia una meta promisoria: ser seleccionados para jugar en el Caracas Fútbol Club. Desde el principio mismo se nos advierte que entramos en el reino de las Moiras, de los designios de un destino prefigurado, con aliento mítico.
Uno de los hermanos entra en la historia como un recién nacido abandonado en un depósito de basura. Aparece, atravesado por decisión soberana de los dioses, en el camino azaroso de una madre y su pequeño hijo. El uno, Daniel, y el expósito, Gato, se crían juntos trenzados por el amor maternal y la pasión por el fútbol, pero la travesía hacia su destino final es amenazada e interrumpida por vicisitudes de diversa índole, algunas de ellas insalvables, trágicas.
La narración fluye, pues, sin fisuras, sin dejarse vencer por ningún tipo de ruego, impulsada por el deseo y la destreza de los hermanos pero torturada por las tensiones de la violencia y la necesidad. Ganar al fútbol, entrar en un equipo profesional, significa “salir de la vida”, romper el anillo de la moral delictiva que sujeta cualquier gesto en el barrio, escaparse de las sombras que acechan en las escalinatas, en las pico´e loro, en los “piedreros”, en las armas que sobresalen en los cinturones de los adolescentes. Unos lo lograrán, mientras que otros, dolorosamente, no.

Dos grandes fuerzas opuestas tallan el carácter de los personajes centrales: la venganza y el secreto. Daniel, confabulado con mitos arcaicos de la audiencia, desea vengar la muerte de su madre, y en su furia ciega se aleja del fútbol y el anhelo. Gato, en cambio, apuesta a la opción racional, guarda en secreto la identidad del asesino en función de la meta final y para salvaguardar el destino del hermano. Dos claras opciones éticas del mundo moderno.
Frente a esta historia, escrita por él mismo en el molde de la tradición mitológica, Rasquin coloca sus cámaras con ánimo épico y brinda un espectáculo sobrecogedor que por momentos estrangula la respiración del espectador. Los “combates” futbolísticos entre los dos hermanos se desatan en una especie de anfiteatro romano que refuerza el tono de pertenencia a las grandes historias humanas. El montaje del furioso encuentro entre los dos “gladiadores”, así como el de las secuencias de los juegos de fútbol exhiben un virtuosismo cinematográfico que dice mucho de su formación técnica y la de su equipo.
El público que suele ver cine venezolano encontrará aquí nuevas y alentadoras virtudes: un guión riguroso para un cuento bien diseñado, una economía absoluta de secuencias y planos en función de la narración, sin panorámicas del barrio ni regodeo en asuntos secundarios, preeminencia del cuento por encima del discurso sociológico, visión “horizontal” del barrio a pesar de la topografía y las escaleras.
A la verosimilitud de la historia vienen a contribuir un lenguaje coloquial sobrio --- ajeno a los costumbrismos habituales --- y una imaginación cinematográfica que disfruta escenas dramáticas memorables ( escenas familiares con la madre, los hermanos bailando bajo la mirada del corazón de Jesús en el cuarto de la madre asesinada, el joven Gato que llora en el baño , los encontronazos sentimentales entre los hermanos gladiadores, etc.), y frases memorables ( “Ya se está yendo el olor a torta” , en referencia al oficio de repostera de la madre muerta) .
Cuando se puede ver con fruición una película sin baches provoca decir que ha terminado el amateurismo y el autodidactismo que actuaron como potencias hasta hace muy poco en el cine venezolano. Incluso los actores, con poquísimas excepciones, son verosímiles y sus parlamentos tienen credibilidad como en muy pocos casos de nuestra cinematografía.

La coartada final, la manera como Rasquin culmina su película, puede sorprender a muchos a pesar de que sintoniza con secretos deseos de los venezolanos de hoy: logro y esperanza. Uno de los hermanos alcanza la meta en una atmósfera de celebración y fuegos artificiales. El precio sin embargo se muestra desmesurado: el logro adviene preñado de dolor, de sacrificio, de un alto costo sentimental y simbólico. El episodio evoca el mito de Castor y Polux, uno mortal y otro inmortal, fundidos tras la muerte de Castor en una sóla entidad de terneza y gloria.

La hora cero

DE PROXIMO ESTRENO INTERNACIONAL
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Se inicia conteo regresivo para La Hora Cero, ópera prima del venezolano Diego Velasco [teaser]
Por Carlos Caridad-Montero Publicado: 10/06/2010
Diego Velasco es cineasta, venezolano y autor de uno de los cortos más famosos de la historia del cine venezolano: Cédula, Ciudadano. Quizás algunos les suene el nombre, pues Diego ha sido comentarista muy activo de esta página. Hace un par de años, creo, Diego me pasó su guión, El Día de los Pobres

Se inicia conteo regresivo para La Hora Cero, ópera prima del venezolano Diego Velasco [teaser]
10 de Junio de 2010
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Hace un par de años, creo, Diego me pasó su guión, El Día de los Pobres. Era una historia de criminales en Caracas, con una alta carga social. La trama era vertiginosa y, aún en forma de guión (que no es fácil de leer) uno no podía dejar de pasar las páginas. Sí, creo que era uno de los guiones más emocionantes que he leído. Y aún le faltaban unas cuantas versiones más.

Su sinopsis:


La muerte llego para salvarla…

Basada en la cruda realidad de Caracas y en la huelga médica del 96, LA HORA CERO es la historia de un sicario que se ve obligado a secuestrar una clínica privada para salvar al amor de su vida. Una historia de violencia y venganza, de amor y acción…

Esta mañana he visto el primer teaser y me han sorprendido varias cosas. Para empezar, El Día de los Pobres se llama ahora, La Hora Cero. Luego está la elección del actor principal, Zapata666, quien parece la viva encarnación del personaje que leí en papel. Después, lo vertiginoso de las imágenes, que dan la impresión de trasladar el ritmo de la palabra escrita a la pantalla.

La Hora Cero está protagonizada por Zapata 666, Amanda Key, Erich Wildpret, Laureano Olivares, Mascioli Zapata, Marisa Román, Alex Furth, Rolando Padilla, Albi de Abreu, Steve Wilcox y Beatriz Vásquez.

La Hora Cero Página Oficial Twitter Facebook Youtube

Una ayuda para Diego
Por Carlos Caridad-Montero Publicado: 19/01/2006
Diego Velasco es director, venezolano y autor de uno de los cortometrajes más celebrados de los últimos cinco años: Cédula, Ciudadano. En la actualidad, Velasco reside en Los Ángeles y acaba de ser invitado a participar en las Jornadas de reflexión sobre el Guión en Venezuela, que se realizarán en el marco de la VIII edición del Festival Manuel Trujillo Durán, en Maracaibo.

Velasco ha sido convocado para hablar de El Quehacer del Guionista en Venezuela, pero cuando se sentó a escribir su disertación, se le ocurrió “que es imposible hablar sobre el guionista venezolano sin antes saber que opinan los venezolanos de sus guionistas”.

Biografias. Diego Velasco
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viernes 26 de febrero de 2010
Director/Escritor, 36 añosVenezolano viviendo entre CCS y LA que desde los 15 años ha estado inventando historias que contar, 21 años después lo sigue haciendo con la misma pasión y dedicación sólo que mucho más endeudado.

Formado dentro del departamento de cámara, Diego ha pasado por todos los trabajos en el set, cuando dice todos eso incluye desde hacer café hasta firmar los cheques.

Sus cortos "Cédula Ciudadano" y "Day Shift" han ganado más de 30 premios, incluyendo ser pre-nominado para el OSCAR en el 2000 por "Cédula Ciudadano".

En el 2005 se cansó de quejarse ante sus amigos y esposa de que no aun no había hecho un largo, finalmente en el 2009 termino de filmar su Opera Prima "La Hora Cero" que será estrenada a finales del 2010. Para más información sobre sus créditos visite: http://www.imdb.com/name/nm0892264/ o http://www.diegovelasco.comhttp://www.loscortos.com/index.php?option=com_seyret&Itemid=0&task=videodirectlink&id=