Doctor Zhivago

Título Doctor Zhivago
Ficha técnica
Dirección David Lean
Producción Carlo Ponti
David Lean
Arvid Griffen
Guion Robert Bolt
Música Maurice Jarre
Fotografía Freddie Young
Montaje Borman Savage
Vestuario Phyllis Dalton
Reparto Omar Sharif
Julie Christie
Geraldine Chaplin
Tom Courtenay
Alec Guinness
Rod Steiger
Ralph Richardson
Rita Tushingham
Klaus Kinski
Siobhan McKenna
Jeffrey Rockland
Ver todos los créditos (IMDb)
Datos y cifras
País(es) Estados Unidos
Año 1965
Género Drama
Duración 197 minutos
Compañías
Productora Metro-Goldwyn-Mayer
Ficha en IMDb
Julie Christie como Lara.

Doctor Zhivago es una película estadounidense de 1965, dirigida por David Lean, con Omar Sharif en el rol principal. Está basada en la novela Doctor Zhivago, de 1957, del escritor ruso Boris Pasternak (Premio Nobel de Literatura 1958)

[editar] Argumento

La película está narrada por un general de la policía secreta soviética, Yevgraf Zhivago (Alec Guinness), medio hermano de Yuri Zhivago (Omar Sharif), a la que cree que es hija de éste, Tonya Komarovskya (Rita Tushingam). La trama principal se desarrolla entre 1905-1921.


TEMA DE LARA Y VARIOS

Yuri Zhivago es un médico y poeta en la época del advenimiento de la Revolución rusa. Está casado con Tonya (Geraldine Chaplin), una joven de la alta burguesía que le quiere y le admira. Durante la Guerra Civil Rusa, la mansión familiar en Moscú es requisada y ocupada por otras familias. La situación se torna insostenible para ellos. Reaparece Yevgraf Zhivago y les recomienda salir de Moscú y viajar a la mansión de campo de la familia, en Varikino. Después de una odisea, viajando en un vagón de ferrocarril atestado, la familia logra trasladarse a su casa de campo, pensando en pasar el duro período de la guerra civil allí. Cuando llegan a la casa se enteran de que ha sido confiscada por el gobierno revolucionario y se ven obligados a refugiarse en una cabaña cercana que forma parte de la propiedad. Logran pasar un tiempo en paz y Zhivago comienza a escribir poesía y a visitar la biblioteca del pueblo cercano, Yuriatin. Allí se encuentra con Lara (Julie Christie) a quien había conocido en difíciles circunstancias en Moscú, y posteriormente durante la Primera Guerra Mundial, cuando él servía como médico militar y ella como enfermera. Su relación con Lara se transforma en una relación amorosa. Todos sus movimientos y actividades son vigilados por los funcionarios soviéticos. Tonya queda embarazada y Yuri decide terminar su relación con Lara. Después de una triste despedida regresa a Varikino y es sorpresivamente reclutado a la fuerza por un pelotón de guerrilla soviético, y debe seguirlos en su campaña. Después de dos años, deserta y regresa a Varikino en busca de su familia, pero allí se entera de que han emigrado a Francia y que su rastro se ha perdido. Yuri se reencuentra con su antiguo amor, Lara. Juntos, más la hija de Lara, deciden irse a vivir a la casa de campo en Varikinno. Es el período del crudo invierno ruso y Zhivago decide desobedecer la confiscación y rompe los maderos que tapiaban la casa, para refugiarse allí. Pasa el tiempo y la guerra llega nuevamente, obligando a Lara a huir junto a su hija. Yuri no se entera nunca de que Lara espera un hijo de él. Regresa a Moscú, donde su medio hermano Yevgraf le consigue un puesto en un hospital. Pasan los años, y un día, viajando en el tranvía, Yuri ve a Lara caminando por la calle y desesperadamente trata de detener el transporte y correr tras ella, sin poderla alcanzar, ocurre entonces un inesperado final, fallece de un paro respiratorio.

La película termina con el regreso a la escena primera, donde la muchacha (Rita Tushingam) dice no recordar a su madre y que quien supone es su padre la había abandonado durante un bombardeo. Luego de crecer en un orfanato, había encontrado su actual trabajo, donde se desarrolla la escena. Yevgraf comprende que hay que dar tiempo al tiempo y la deja ir. La última escena ocurre con el alejamiento de la muchacha y su novio. Yevgraf nota que ella lleva una balalaika al hombro y le pregunta si toca bien, y el novio le responde que era una virtuosa y que había aprendido por sí misma. Yevgraf comenta: ¡Entonces es un don!. La madre de Yuri también interpretaba con maestría el instrumento y se decía que tenía el don.
[editar] Comentarios



Se rodó básicamente en España, más concretamente en Madrid y Soria, con el sistema de filmación en color Metrocolor, característico de la Metro-Goldwyn-Mayer. En Madrid se rodaron las escenas moscovitas en lo que actualmente es la calle de Silvano a la altura del cementerio de Canillas, en aquel entonces campo abierto, en donde construyeron un decorado de unos 20.000 m² que recreaba Moscú, con su trazado de vías de tranvía electrificado, por donde circulaban incluso dos tranvías cedidos por la Empresa Municipal de Transportes. También se rodó en la Estación de Delicias. En Soria se rodaron prácticamente todos los exteriores, empleando para ello todas las líneas de ferrocarril que por entonces estaban en uso. Se rodaron escenas ferroviarias en los siguientes escenarios:

* Estación de Delicias[1]
* Estación de Soria-Cañuelo
* Candilichera (Campo de Gómara)
* Villaseca de Arciel (Campo de Gómara)
* Navaleno (Pinar Grande)
* Villar del Campo
* Yanguas
* Matamala de Almazán


Las escenas de la residencia de Varíkino fueron rodadas en Candilichera. En algunos países, este film estuvo en cartelera mucho tiempo, siendo récord de taquilla. Durante varios años, las compañías de cinematógrafos la re-estrenaron a petición del público.


La presa que sale al final de la película es la de Aldeadávila de la Ribera, en la provincia de Salamanca. Las escenas del entierro, al principio de la película, con unas montañas al fondo, están rodadas en la provincia de Granada. Las escenas de invierno se rodaron principalmente en Finlandia, cerca de la frontera con la entonces URSS.
[editar] Premios
[editar] Oscar 1965
Categoría Persona Resultado
Mejor película Candidata
Mejor director David Lean Candidato
Mejor actor de reparto Tom Courtnay Candidato
Mejor montaje Borman Savage Candidato
Mejor guión adaptado Robert Bolt Ganador
Mejor fotografía Freddie Young Ganador
Mejor banda sonora Maurice Jarre Ganador
Mejor sonido Winston Ryder Candidato
Mejor vestuario Phyllis Dalton Ganador
Mejor dirección artística Gil Parrondo
Terence Marsh
Dario Simoni Ganadores
[editar] Globos de Oro 1966
Categoría Persona Resultado
Mejor Actor - Drama Omar Sharif Ganador
Mejor música Maurice Jarre Ganador
Mejor vestuario Phyllis Dalton Ganador
Mejor guión adaptado Robert Bolt Ganador
Mejor dirección artística Terence Marsh
Gil Parrondo Ganador
Mejor fotografía en color Freddie Young Ganador
[editar] Referencias

1. ↑ Aniversario de una estación de cine


[editar] Enlaces externos

* Colabora en Wikiquote Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Doctor Zhivago (película). Wikiquote
* Doctor Zhivago de David Lean
* Coloquio sobre la película en ¡Qué grande es el cine!, de José Luis Garci
* Trailer de 1965 de Doctor Zhivago.



Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Doctor_Zhivago_(pel%C3%ADcula)"
Categorías: Películas dirigidas por David Lean Películas de Estados Unidos Películas de Metro-Goldwyn-Mayer Películas de 1965 Películas dramáticas Películas basadas en novelas Películas rodadas en España

El hombre que sabía demasiado

TÍTULO ORIGINAL The Man Who Knew Too Much
AÑO 1956

DURACIÓN 120 min. Trailers/Vídeos

PAÍS

DIRECTOR Alfred Hitchcock
GUIÓN John Michael Hayes
MÚSICA Bernard Herrmann
FOTOGRAFÍA Robert Burks
REPARTO James Stewart, Doris Day, Brenda de Banzie, Bernard Miles, Ralph Truman, Daniel Gélin, Alan Mowbray
PRODUCTORA Paramount Pictures
PREMIOS 1956: Oscar: Mejor canción
GÉNERO Intriga Espionaje. Remake
SINOPSIS El Dr. Ben MacKenna y su mujer Jo son una pareja estadounidense que pasa sus vacaciones en Marruecos junto con su hijo Hank. Tras la muerte de un espía en brazos de Ben, cuando éste se encontraban visitando el mercado de Marrakech, el matrimonio descubre que su hijo ha sido secuestrado. Sin saber en quién confiar, los MacKenna se ven envueltos en una pesadilla de espionaje internacional, asesinatos y angustia. (FILMAFFINITY)

CRÍTICAS ----------------------------------------
"El maestro retoma la historia que ya rodase en 1934 para dar forma a este inquietante thriller protagonizado por un inconmensurable Stewart. Conspiraciones, pistas falsas y malentendidos para una joya del cine de intriga" (Fernando Morales: Diario El País)
----------------------------------------
El hombre que sabía demasiado (película de 1934)
De Wikipedia, la enciclopedia libre
(Redirigido desde El hombre que sabía demasiado (1934))
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Para otros usos de este término, véase El hombre que sabía demasiado.
The Man Who Knew Too Much
Título El hombre que sabía demasiado
Ficha técnica
Dirección Alfred Hitchcock
Dirección artística Alfred Junge
Guión Charles Bennett
D.B. Wyndham-Lewis
Fotografía Curt Courant
Montaje Hugh Stewart
Reparto Leslie Banks
Edna Best
Peter Lorre
Frank Vosper
Hugh Wakefield
Nova Pilbeam
Datos y cifras
País(es) Reino Unido
Año 1934
Duración 75 minutos
Compañías
Productora Gaumont British Picture Corporation
Ficha en IMDb
Ficha en FilmAffinity
El hombre que sabía demasiado es una película dirigida por Alfred Hitchcock. Años más tarde realizaría una versión en Estados Unidos que contó con la participación de James Stewart.

[editar] Argumento
Betty (Nova Pilbeam), hija de Bob (Leslie Banks) y Jean Lawrence (Edna Best), se van de vacaciones a Suiza. Allí conocen a Louis Bernard (Pierre Fresnay), un hombre un poco extraño. Louis, justo antes de morir, le pide a Bob que entregue unos documentos a las Autoridades. Poco a poco, se descubrirá que es un espía británico.
editar] Comentarios
El propio Hitchcock hizo una nueva versión en 1956 con mucho más presupuesto. [editar] Enlaces externos
El hombre que sabía demasiado
PELICULA ORIGINAL DE 1936 COMPLETA

The Man Who Knew Too Much (película de 1956)
De Wikipedia, la enciclopedia libre
(Redirigido desde El hombre que sabía demasiado (1956))
Saltar a navegación, búsqueda
Para otros usos de este término, véase El hombre que sabía demasiado.
The Man Who Knew Too Much
Título El hombre que sabía demasiado / En manos del destino
Ficha técnica
Dirección Alfred Hitchcock
Dirección artística Henry Bumstead
Hal Pereira
Guión Charles Bennett
D.B. Wyndham-Lewis
Música Bernard Herrmann
Fotografía Robert Burks
Montaje George Tomasini
Reparto James Stewart
Doris Day
Brenda De Banzie
Bernard Miles
Ralph Truman
Daniel Gélin
Datos y cifras
País(es) Estados Unidos
Año 1956
Duración 120 minutos
Compañías
Productora Gaumont British Picture Corporation
Ficha en IMDb
Ficha en FilmAffinity
The Man Who Knew Too Much conocida en castellano como El hombre que sabía demasiado (España y Sudamérica), y En manos del destino (México y Centroamérica), es una película de 1956 dirigida por Alfred Hitchcock. La película ya había sido realizada por el director en 1934 en el Reino Unido, años más tarde y ya en Estados Unidos volvió a hacer esta película con un presupuesto mayor y con actores más conocidos como James Stewart, Doris Day y Brenda de Banzie.

Contenido [ocultar]
1 Argumento
2 Comentarios
3 Premios
4 Enlaces externos


[editar] Argumento
Hank (Christopher Olsen), hijo de Ben (James Stewart) y Josephine Conway McKenna (Doris Day), se van de vacaciones a Marruecos. En el autobús conocen a Louis Bernard (Daniel Gélin), un hombre un poco extraño, quien es apuñalado mientras corría en la ciudad disfrazado de marroquí. Louis, justo antes de morir, le pide a Bob que entregue unos documentos a las autoridades. Poco a poco, se descubrirá que es un espía británico. Louis Bernard, en su agonía, comenta a Ben que es un espía y ha descubierto un complot para asesinar al premier inglés, así que le encomienda la misión de evitar el magnicidio. Este secreto pone en peligro la vida de Hank (hijo de Ben), quien es secuestrado por los autores del complot,con el fin de que Ben y su esposa Jo no divulguen a las autoridades inglesas el plan y eviten el asesinato. Ben y su esposa tratan por su cuenta de liberar a su hijo, pasando memorables equívocos. Ben entra a la tienda de un taxidermista llamado Ambrose Chapell (en inglés, Capilla de Ambrosio) siendo confundido con un demente, y al llegar a la verdadera capilla descubre que el reverendo y las damas de honor son los espías, quienes lo atrapan. Logra escapar para tratar de evitar el asesinato, lo que consigue Jo al gritar y distraer al asesino, provocando que falle el tiro. En represalia, se llevan Hank a una embajada, donde Jo con su famosa canción Lo que será, será consigue localizar a Hank, el cual responde silbando. Ben forcejea con el último asesino, quien cae por una larga escalinata y se desnuca (se dispara con su propia pistola y muere).

[editar] Comentarios





'El hombre que sabía demasiado', encuentro en Marrakech
Alfred Hitchcock se "remakea" a sí mismo y cumple con nota
8

Autor: Christian Aguilera

Anticipándose a la serie de remakes (encubiertos o no) que se han confeccionado con el paso de los años -El agente secreto, 39 escalones, Alarma en el expreso, Crimen perfecto, etc.-, Alfred Hitchcock decidió hacer lo propio con uno de sus films de la etapa inglesa que había marcado un punto de inflexión en cuanto a la recepción comercial.

El título en cuestión, El hombre que sabía demasiado (1934) ya había sido valorado en su época bajo el mecenazgo de David O. Selznick para ser readaptado, pero el proyecto acabaría siendo postpuesto, dándose un trasvase de «poderes» en el sentido que Paramount adquiriría los derechos de explotación de la historia urdida por Charles Bennett y D. B. Wyndham-Lewis.

Los dieciocho años transcurridos desde que se decidiera por dar luz verde al proyecto devino tiempo suficiente para que la historia sufriera notables cambios, el más evidente de los cuales sería el que la nueva versión de El hombre que sabía demasiado aconteciera, en su primera parte, en Marruecos en lugar de Suiza.

A pesar de que el guión escrito por John Michael Hayes y Angus McPhail contempla una breve referencia al país helvético donde Hitchcock y su familia solía pasar las vacaciones, esta nueva versión se mueve en dos naciones que exhiben severos contrastes entre ambas: Marruecos e Inglaterra.

La idea propuesta por Hayes de habilitar el país nordafricano como escenario de la primera parte del film permite el desarrollo de un concepto que define el modelo de historia de suspense imaginado por Hitchcock: tras las apariencias se esconde una realidad sustancialmente diferente.

Un juego de máscaras

La primera secuencia de El hombre que sabía demasiado (1956) nos ayuda a medir el alcance alegórico que persigue el guión de Hayes: Hank (Christopher Olsen), el hijo del matrimonio formado por el doctor Ben Mckenna (James Stewart) y Jo (Doris Day), al efectuar una brusca maniobra el conductor del autocar en el que viajan, propicia que el rostro de una mujer árabe quede al descubierto.

Una situación que podría servir como mero pretexto para introducir en la acción a un súbdito francés, Louis Bernard (Daniel Gélin), quien trata de explicar a los McKenna el porqué de la ira de los árabes al quedar sin velo la mujer. Pero en manos de Hitchcock nos indica que estamos ante un relato dual, que juega con el valor de las máscaras con la voluntad de ocultar una realidad distinta.

En esta dinámica se mueve El hombre que sabía demasiado, un título que hace referencia al personaje del propio Bernard, quien acaba siendo asesinado parapetado en otra identidad, la que le confiere un vestuario y un rostro embadurnado más acorde al de unárabe queal de un genuino francés.

Al margen de la revelación de información en ese instante en el que Bernard, herido de muerte, se pliega de rodillas frente a Ben McKenna en medio de una plaza atestada de viandantes, se produce una transferencia de compromiso: las manos del doctor se cubren de barro, como si de sangre se tratara; para que queden «limpias» deberá implicarse en una investigación que asimismo compromete al futuro de su hijo Hank, secuestrado por Edward (Bernard Miles) y Lucy Drayton (Brenda de Branzie, actriz que un año más tarde intervino en una producción televisiva de 39 escalones), una pareja de británicos que los McKenna habían conocido en un restaurante de Marrakech.

La escena en el restaurante sería la primera de las que Hitchcock ideó -su aportación más «visible» a un guión que firman Hayes y McPhail- para crear espacios de «descanso» en el curso de una trama de suspense que tiene en el escenario del Royal Albert Hall su clímax. Antes de ceder buena parte del protagonismo a este emblemático recinto londinense, Hitchcock habilita una serie de escenas que abundan en el concepto de relajar al espectador -la del taxidermista, las idas y venidas de Jo y Ben para estupefacción de sus invitados- pero al mismo tiempo ofrece pistas falsas a las que el cineasta británico era tan proclive colocar en medio de la trama.

En este proceso de investigación se evidencia lo ambivalente de una relación conyugal que hace más creíbles si cabea los personajes: la misma se lleva a cabo por separado por parte de Ben y Jo, pero también unen sus esfuerzos en un momento crucial para su posterior resolución.

Este detalle de «visualizar» juntos y por separado a Ben y Jo persiguiendo un mismo objetivo -la liberación de su hijo- refuerza todo aquello que había quedado plasmado en los diálogos de la primera parte del film.Éstos ya colocan «en guardia» al espectador de que no estamos frente a una ejemplar familia norteamericana: ella se ha resignado a abandonar su carrera como cantante porque su marido se muestra remiso a abandonar su plaza en un hospital de Indianápolis.

A tal propósito, Hitchcock se cobra una de sus habituales ironías ya que el hospital lleva por nombre«El Buen Samaritano». Si a ello sumamos la escena del taxidermista con Ben McKenna amenazado por la presencia de criaturas disecadas (un anticipo de la fauna que «adorna» el hall del Motel Bates en Psicosis) o que otro Benjamin, de nombre Arthur, fuera el artífice de la obra «Nubes tormentosas» interpretada por la London Symphony Orchestra bajo la dirección de Bernard Herrmann, podemos dar fe que Hitchcock no había perdido la noción de ironía que implicaría al grueso de sus producciones pese a que, en apariencia, El hombre que sabía demasiado se ofrece como un efectivo mecanismo de relojería de suspense que, en cada revisión, gana enteros por su impecable construcción.

Tan sólo si nos centramos en la forma cómo se rodó la parte final en el Royal Albert Hall -con la concatenación de planos fijos, muy en la línea de la planificación de las escenas preliminares de Yo confieso (1952)- podremos calibrar aquella máxima que reza que lo más sencillo es, a veces, lo más complejo de realizar. Y en esta argumentación encontramos en Hitchcock al «hombre que sabía demasiado».

Gilda

1946

Sinopsis

Johnny Farrel, un aventurero de los bajos fondos, recala en Buenos Aires, la capital argentina, donde pronto le saca de un apuro un hombre llamado Ballin Mundson, propietario de un lujoso casino. El recién llegado termina convirtiéndose con el tiempo en el individuo de confianza de su anfitrión. Cierto día, su superior le presenta a su esposa, Gilda. El reacciona con perplejidad, ya que fue ella quien le convirtió en el ser cínico y amargado que es ahora.

Gilda es una película estadounidense de 1946, en blanco y negro, del género drama, dirigida por Charles Vidor. Protagonizada por Rita Hayworth y Glenn Ford en los papeles principales.
El jugador de poca monta Johnny Farrell (Glenn Ford) llega a Argentina. Ballin Mundson (George Macready), el propietario de un casino y hombre indeseable, lo salva de un pistolero, y lo convierte en su mano derecha en el negocio que regenta. Sin embargo, la relación entre ambos hombres, que se basa en una mutua desconfianza y falta de escrúpulos, se resiente definitivamente cuando Mundson regresa de una ausencia, acompañado de Gilda (Rita Hayworth), a quien ha conocido en el viaje y con la que se ha casado. Farrell había tenido años atrás una relación con esta mujer, extremadamente sensual y atractiva, pero acabó odiándola. La nueva relación entre Farrell y Gilda está llena de emociones y reticencias, de sentimientos y de reproches, y se torna más extraña cuando súbitamente Mundson desaparece.

Tal vez la mejor película de Rita Hayworth en su rol de mujer fatal.

La bofetada que le da Glenn Ford ha entrado en la historia del cine, así como el desenguante de Gilda mientras canta "Put The Blame On Mame".
Glenn Ford recibió el premio Donosti del Festival de cine de San Sebastián en 1987 y eligió que de entre todas sus películas se proyectara Gilda para el homenaje. No podía contener las lágrimas cada vez que Rita Hayworth aparecía en la pantalla.
Gilda es Rita. Un guante, una canción y el bofetón propinado por el gran Glenn Ford hicieron el resto. Más allá de su valor estrictamente artístico, este drama pasional se convirtió en un icono de la historia del cine. La década de los cuarenta alumbró películas mucho mejores, pero el simbolismo y estética de "Gilda" la convirtieron, todavía hoy, en una obra imprescindible. (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)

CRITICAS

HISTORIA DE UNA BOFETADA Y UN GUANTE
Excelente melodrama pasional con tintes de cine negro, sobre la turbia relación de tres ambiguos y fascinantes personajes: Gilda, aventurera de oscuro pasado, casada con el propietario de un casino, que contrata al jugador de fortuna, Johnny Farrell, sin saber que ha sido amante de su mujer.

Entre los tres se establecerá una extraña relación a tres bandas en las que primará entre Gilda y Johnny, el odio como sentimiento opuesto, y por lo tanto próximo, al amor-pasión, expresado en una relación de raíces sadomasoquistas, y la ciega e inquebrantable lealtad de Johnny hacia su jefe, en la que muchos han querido ver una relación de base homosexual.

El film forma parte por derecho propio de la galería de películas míticas, debido principalmente al hipnótico magnetismo de Rita Hayworth en pantalla, a quien le bastó aparacer enfundada en un vestido de satén negro, entonando los acordes, con voz prestada, de "Put the Blame on Mame" y quitarse un guante, para marcar la educación sexual de toda una generación y elevarse a la categoría de diosa inmortal de la belleza y la sensualidad.

La química desbordante entre ella y Glenn Ford, que alcanza su punto álgido en el momento en que Johnny abofetea a Gilda con la rabia del despecho y del deseo contenido, es otra de las razones de mitificación del film, junto a la espléndida fotografía de Rudolph Maté, que supo hacer que la pantalla cobrara vida, cada vez que Gilda movía su radiante cabellera roja.Gilda marcaría toda la carrera de la infortunada Rita Hayworth, que resumiría perfectamente su fracaso personal al afirmar: "Mi desgracia es que los hombres se acuestan con Gilda y se levantan conmigo".

Maximillian

Nunca hubo otra como ella.
“No ha habido nunca una mujer como Gilda”, decían los carteles de esta película cuando se estrenó. Sesenta años después, esa fascinación sigue intacta. Nosotros envejecemos, pero Gilda mantiene legendario embrujo porque Gilda nació para quedarse en nuestros sueños cinéfilos. Recuerdo que la primera vez que la vi era un crío (había sido el único de la clase al que habían dejado verla, por lo que me pasé semanas narrándola con todo lujo de detalles), y aún ahora vuelvo a esta película llena de una inspiración y una magia cómo sólo el Hollywood clásico podía realizar.“Gilda” es una de esas reuniones mágicas que acontecen de tanto en tanto para destilar más allá del buen cine y crear leyenda, como ocurre con “Casablanca”, “Lo que el viento se llevó” y tantas otras.

Es un soplo único, irrepetible (de hecho, intentaron repetir el éxito reuniendo al mismo equipo y apoyándolo con un mayor presupuesto en “La dama de Trinidad”, y la magia no apareció por ningún lado, aunque la Hayworth bailaba como los ángeles en esta producción), lleno de secuencias y diálogos que se te clavan en la mente, en la que quizás es una de las mejores películas de cine negro de todos los tiempos.

Curiosamente, y esto lo comparte con “Casablanca”, pese a ser Rita la mayor estrella de la Columbia, la película se comenzó sin tener un guión acabado ni tampoco tener la menor idea a dónde irían a parar todos estos personajes en los que nada es lo que parece… sino muchísimo peor. Según iban rodando, iban creando nuevas secuencias (algunos de los diálogos se añadieron en doblaje), incluso los famosos números musicales de “Put the Blame on Mame” y “Amado mío” se realizaron casi finalizando el rodaje.

No importa que Rita no supiera cantar. Nadie se movía como ella, nadie podía interpretar un personaje como este. Cuando dice en un diálogo memorable que si “fuera un rancho, se llamaría Tierra de Nadie”, quedas sobrecogido. El lucimiento que realiza en cada secuencia es espectacular. No es sólo belleza (es cierto, nunca hubo otra como ella) es la fuerza y la vulnerabilidad a un tiempo.

El maravilloso número en el que ella se venga de Johnny interpretando en el casino el tórrido “strip-tease” pasa con justicia a la historia del cine (remata con la famosa bofetada). “Gilda” es una obra maestra, en la que todos los detalles que hacen una gran película están ahí con la máxima expresión.

Una fotografía maravillosa de Rudolph Maté; una dirección artística que hacen un Buenos Aires improbable pero imborrable; las actuaciones prodigiosas con un Glenn Ford destilando una química insuperable no sólo con Rita, sino con Geoge Macready con el que mantiene una relación homosexual brillantemente insinuada (o un trío, pues siempre está un “pequeño amigo”); y Steven Geray, como “Tío Pío”, un personaje único en toda la historia del cine negro.Hay que saborear “Gilda”, tiene el sabor del cine legendario.

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Ni contigo ni sin ti
Huyo como loca poseida de todos aquellos a quienes escucho mediante discurso técnico-intelectual, hablar de lo que sea, pero como aquí hablamos de lo que hablamos...pues eso, echo a correr ante discursos que me intenten convencer de una manera teórica que una peli antigua es buena, mala, mejor o peor... Por eso los dogmáticos del cine clásico suelen caerme muy mal, siendo como soy una enamorada de éste.

Por qué? secillo, una peli me gusta o no me gusta por cómo me entra por los poros en el momento que la veo, por las sensaciones que me provoca, por el sabor que deja en mi paladar, por la excitación incluso sexual de esos momentos, por cómo noto sin vérmelos que mis ojos brillan más y distinto...

De la teorización coñazo ya se encargará mi maleducada cabecita después, pero porque aún no la tengo del todo dominada, eh...porque pienso conseguir hasta eso, anularla por completo incluso después de levantarme de la butaca una vez acabada la peli, y dejarme impregnar exclusivamente por la sabiduría de lo sensorial.

Eso es lo que realmente no me engaña y a lo único que debo escuchar para saber si me encuentro ante una buena o una mala película.

Por eso para estar convencida y decir abiertamente que el cine sufre inmerso en una espiral de terrible y continua involución, no me hacen falta rolletes dircursivos que hablen de talento narrativo, de dirección de actores, de profesionalidad interpretativa, de fotografía, planos o técnica de cámara...Por dios, no...Yo, simplemete te digo que veas Gilda
Siona

Taras Bulba

Título
Taras Bulba
Ficha técnica
Dirección
J. Lee Thompson
Producción
Harold HechtSandy Whitelaw
Guión
Waldo SaltKarl Tunberg
Música
Franz Waxman
Fotografía
Joseph MacDonald
Reparto
Tony CurtisYul BrynnerSam WanamakerBrad DexterGuy RolfeChristine Kaufmann
Datos y cifras
País(es)
Estados UnidosYugoslaviaArgentina
Año
1962
Género
AventurasHistórica
Duración
122 minutos
Ficha en IMDb
Taras Bulba es una película basada en la novela del mismo título de Nikolái Gógol.

Argumento [editar]
La película trata sobre las disputas entre polacos (muy refinados) y cosacos (auténticos guerreros de las estepas, rudos y valientes) por las estepas rusas. Comienza con una alianza de ambos bandos en una guerra común. Pero una vez vencida la guerra gracias a la valentía de los cosacos, liderados por Taras Bulba (Yul Brynner), el general polaco los traiciona y asesina a la mayoría de la hermandad cosaca. Los supervivientes, Taras entre ellos, se esconden en las montañas.
Años más tarde, Taras Bulba ya tiene dos hijos, pero sigue fuerte y valeroso. El mayor de sus hijos (Tony Curtis) decide ir a estudiar a una ciudad polaca, donde lo tratan como a un perro. Aún así, se enamora de una mujer polaca, que le corresponde. Cuando al fin se va, no es capaz de desprenderse de su imagen; todos sus actos van encaminados a conseguirla.
Más tarde, el general polaco vuelve a convocar a los cosacos para guerrear, creyendo que habían olvidado antiguas ofensas. Pero Taras Bulba nunca olvida. Tiende una emboscada a los polacos, acabando con muchos y obligando al general a refugiarse en su ciudad, a la que pone sitio.
En la ciudad sitiada, en la que se encuentra la bella polaca a la que ama el hijo de Bulba, se declara la peste. Éste piensa que su deber de rescatarla está por encima de todo, así que entra en la ciudad para llevársela antes de que enferme. Pero los polacos los capturan y amenazan con matar a la mujer. Entonces, el hijo del general cosaco decide traicionar a su raza para salvarla.
Al mismo tiempo, uno de los generales de Taras Bulba decide que en el sitio de la ciudad están perdiendo el tiempo, y se va con su gente, dejando a Taras con muy pocos hombres frente a la ciudad polaca.
Alobject width="425" height="344"> ver que los cosacos se dividen, el general polaco saca a todos sus hombres de la ciudad y los lanza sobre los guerreros de Taras. Éste presenta batalla delante de la fortaleza, y allí descubre la traición de su hijo, luchando contra los de su raza. En un lugar apartado de la batalla, Taras Bulba da muerte a su hijo por su traición.
Tras resolver sus asuntos de honor familiar, Taras regresa a la lucha, y ordena a los cosacos retirarse hasta encontrar al general que se había despegado del resto del ejército durante el asedio. Éste general ataca por la retaguardia a las fuerzas polacas, y gracias a esto y al conocimiento del terreno del que disponen los cosacos, la ciudad cae en su poder.
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Taras_Bulba"

Sipnosis

Durante miles de años, arios y otros pueblos han luchado por la hegemonía en la región de Ucrania. En el siglo XVI, son el polaco y el turco los dos ejércitos que luchan por el poder en la zona. Finalmente la victoria se decanta del lado eslavo, gracias a la ayuda de los cosacos, comandados por Taras Bulba. El jefe de los polacos invita a los jefes aliados a brindar por la victoria. Sin embargo, sus agasajos son despreciados por Bulba, incapaz de subordinarse.

Sinopsis: Durante cuatro mil años, toda clase de razas, desde Tártaros y Búlgaros, pasando por Arios y Scintios han luchado en vano por controlar Ucrania, una tierra de hermosas estepas y ondulantes ríos. Finalmente, en el siglo XVI, el ejército turco esta arrollando a otro ejército, el polaco; miles de soldados cosacos se unirán a la lucha y expulsarán para siempre a los musulames de la zona. Los polacos, agradecidos, deciden celebrar una fiesta en honor de sus salvadores. Sin embargo, los cosacos parecen odiar de la misma forma a los turcos como a los polacos. Los encargados de ir a la recepción son Taras Bulba y sus ofciales.

Todo ellos se comportarán de manera orgullosa ante sus anfitriones. En el transcurso de la fiesta, los polacos, de manera traidora, rodearán a los líderes cosacos e intentarán matarlos. Taras Bulba logra huir con varios de sus hombres, después de herir al príncipe Grigory, máxima autoridad polaca de la región.

En los próximos tiempos se desarrollarán en medio de una paz tensa entre los dos bandos. En ese período Taras Bulba ha criado a dos hijos que ya se encuentran a su juventud. Se trata de Andrei y Ostap. Ver +

CRITICA
10 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil.
vircenguetorix Valladolid (España)
14 de Julio de 2008
Nómadas, guerreros y amantes de la libertad.
Aunque suela ser infinitamente menos conocido que otros escritores rusos del siglo XIX como León Tolstói o Fiódor Dostoyevski, mi favorito es sin lugar a dudas Nikolái Gógol, el único que sabe ser polivalente, y es que puede ser amargo, humorístico, romántico, dramático y entretenido, los demás siempre les faltó algún registro, Gogol los tuvo todos, de la parte más de aventuras tenemos esa pequeña joya –no llega a 200 páginas en las ediciones más voluminosas- que es “Taras Bulba”, un magnífico fresco, eso sí nacionalista, del pueblo cosaco por la lucha por su independencia de los polacos en el siglo XVI. La novela, aunque partidista, es excelente, y nos sirve para adentrarnos en la historia de ese maravilloso país que es Ucrania. No puedo decir lo mismo de la película, que es como Curro Romero, irregular, para matarlo en el primer toro y para sacarlo a hombros en el tercero. Vayamos con los puntos débiles en primer lugar, lo primero ¿Cómo va a ser Tony Curtis hijo de Yul Brynner? Sólo se llevaban cinco años, pero es que además no se parecen en nada. Curtis no tiene pinta de cosaco ni en las uñas de los pies. Un casting totalmente erróneo. El guión, demasiado empalagosa en su primer tercio, la historia de amor no tiene nada que ver con la novela –ya es algo habitual- y se ningunea demasiado al personaje de Taras Bulba que es el que más interés tiene. Aspectos positivos unos cuantos, el principal la banda sonora, no lo digo yo, lo dicen muchos que entienden, la música de Franz Waxman es una de las mejores composiciones de una película de aventuras y acción de todos los tiempos, sencillamente espectacular. Las escenas bélicas, muchas, buenas y bonitas, cuando la película sube de pulsaciones y se acerca a la taquicardia es cuando la vemos en su mayor esplendor, eso que la parte más folclórica no es tampoco nada desdeñable, y al menos se nota que se habían documentado algo más de lo que suele ser habitual en Hollywood.

Los rusos, que ahora andan con dinero, quieren produccir una nueva versión que saldría el próximo año, veremos como queda. J. Lee Thompson, uno de los directores que más gustó siempre de historias exóticas en su filmografía (India, México, Ucrania, Grecia, África, Oriente Medio...) está viviendo a primeros de los sesenta su mejor momento artístico y se nota para bien, desgraciadamente luego ya no podremos decir lo mismo.

Por cierto, una cosa a nuestro querido amigo de la otra crítica, la película se rodó –un parte- en Salta que está situada en el noroeste de la República Argentina, nada que ver con la Pampa. Una buena propuesta para cualquier tarde de verano, y si se acercan a la literatura de Gogol mucho mejor, comenzar por algo más ligero como “Tasas Bulba” es la mejor opción, así empecé yo y ahora es uno de mis escritores favoritos. Nota: 6,5

Trailers de la versión rusa

Nuestra cosa latina

MÚSICA
DOCUMENTAL SOBRE LA MÚSICA LATINA DE LOS 70

El Harlem hispano, retratado en 'Our Latin Thing' por Pedro Galiano
‘Our Latin Thing’ es más que un documental sobre música. La película, dirigida por Leon Gast (‘Cuando éramos reyes’), es la foto fija de un instante irrepetible, un preciso retrato del Harlem hispano en un momento en el que bullía de creatividad y vida. Gracias a la impagable labor de Vampi Soul, ahora podemos disfrutar, por primera vez en DVD, del film que aupó al estrellato a la Fania All Stars y popularizó la salsa.
Título: OUR LATIN THING (Nuestra cosa)Año: 1971Género: DocumentalDirección: Leon GastProducción: Jerry MassuciDistribución: Vampi Soul DVDDuración: 83 minutos
‘Our Latin Thing’ muestran la vida cotidiana de una comunidad orgullosa y unida que, mediante la música, festeja en la calle la alegría de vivir. Música, diversión y colorido como antídoto a la pobreza y la marginalidad que se alzan, mejor que un grito de desesperación, por encima de los rascacielos.
N LA década de los sesenta se cruzaron muchas tendencias musicales fruto de una efervescencia creativa nunca superada. Propiciado por el derrocamiento de Batista y el consiguiente éxodo masivo de cubanos a Nueva York, tuvo lugar uno de los encuentros más fructíferos y fascinantes, en cuanto a ritmos bailables se refiere, que jamás se hayan producido: el de los ritmos afrocubanos y puertorriqueños tradicionales con el soul, el jazz y el rhythm and blues, semilla del boogaloo y el latin soul.

En un proceso de contaminación mutua, los músicos anglosajones de jazz, prendados de los ritmos calientes, fichan a percusionistas latinos como Ray Barreto o Cándido Camero, mientras que los Nuyoricans (los latinos afincados en Harlem) crean su propia industria paralela con los sellos Fania, Cotique o Tico, donde plastifican el sonido vibrante y contagioso de gente como Machito, Chano Pozo, Arsenio Rodríguez, Joe Bataan, Eddie Palmieri y otras luminarias de ‘El Barrio’, capaces de ofrecer shows cantando en inglés en el Teatro Apolo, templo de la música negra.

Una década después, en plena época de reivindicación de los derechos civiles, la comunidad latina refleja su situación sociopolítica en la descomunal megapoli mediante textos concienciados mientras subvierte patrones sonoros hasta el punto de covertir la etiqueta ‘salsa’ en un término difuso e incluso controvertido.
En estas llegamos a la noche del 26 de agosto de1971. El italo-americano Jerry Massuci, un hombre de negocios que ejerce de capo del sello Fania, tiene el acierto de encargar la filmación de la primera reunión de la Fania All Stars en el emblemático Cheetah neoyorkino a Leon Gast, un fotógrado y documentalista que posteriormente (1973) dirigirá ‘Cuando éramos reyes’. Es una noche mágica en la que un local abarrotado con más de 4.000 almas se mueven al son de los infecciosos ritmos de una superbanda alucinante: Ray Barreto, Willie Colon, Larry Harlow, Johnny Pacheco, Roberto Roena, Bobby Valentín, Santos Colon, Hector Lavoe, Ismael Rivera, Pete ‘El Conde’ Rodríguez, Adalberto Santiago, Bobby Cruz, José ‘Cheo’ Feliciano, Ricardo Ray, Reynaldo Jorge, Roberto Rodríguez, Barry Rogers, Yomo Toro y Hector Zarzuela, entre otros. La química entre los músicos y el público es perfecta, la atmósfera irrepetible y el éxito del estreno de la película catapulta a sus protagonistas al estrellato y sirve de detonante del boom de la salsa durante la década de los setenta, el punto álgido del género con la vuelta al español como idioma de referencia.
Pero la película es mucho más que un concierto. Para completar las imágenes del macroevento, Gast hace una incursión en el corazón del Spanish Harlem y, cámara al hombro, pulsa el ambiente del gueto. Las secuencias tomadas, intercaladas en el montaje final de la película junto a la actuación, muestran la vida cotidiana de una comunidad orgullosa y unida que, mediante la música, festeja en la calle la alegría de vivir.

Música, diversión y colorido como antídoto a la pobreza y la marginalidad que se alzan, mejor que un grito de desesperación, por encima de los rascacielos. Tras un impactante inicio en el que un niño nos va guiando a través los recovecos del barrio latino, peleas de gallos, conciertos callejeros, arrestos policiales y rituales de santería completan un documental que, por primera vez está disponible en DVD gracias a la gentileza de Vampi Soul y que, no sabemos porqué, ha sido ignorado en la edición de este año de In-Eddit. Gózenlo, pero ya!

Anacaona


OUR LATIN THING PARTE I


OUR LATIN THING PARTE 5

Driving Miss Daisy

Paseando a Miss Daisy
Título original
Driving Miss Daisy
Nacionalidad
Estados Unidos de América
Año
1989
Género
Drama
Formato
Color
Director
Bruce Beresford
Guión
Alfred Uhry
Fotografía
Peter James
Música
Hans Zimmer
Reparto
Morgan Freeman, Jessica Tandy, Dan Aykroyd

Sinopsis
Daisy (Tandy) es una vieja judia a la que tras un accidente automovilistico, su hijo (Aykroyd) le impone un chofer (Freeman) para que la acompañe a todos sitios. La relación entre el chofer y la vieja durará más de 30 años.

Crítica
Puntuacióndel crítico: 5Peliculilla con aspecto de haber sido echa para la televisión que en 1989 ganó el Oscar y yo aún sigo sin entenderlo porque la película no es nada del otro mundo y además está bastante mal estructurada ya que los saltos de tiempo están metidos a palanca y sin fu ni fa en 30 minutos el guionista te esplica 30 años de historia inconexos entre sí y que distinguimos por el horrible maquillaje que lucen los actores, quienes por cierto no estaban en su mejor momento, la Tandy (que le robó el Oscar Michelle Pfeiffer y Jessica Lange) en toda la película no hace absolutamente nada remarcable a excepción de ese patético momento de locura senil por el que probablemente la academia la votó; mientras que Morgan Freeman (en una de sus peores interpretaciones) se limita a reirse tontamente a cualquier parida que dice la vieja "Oh, señorita Daisy, ¡Qué cosas dice usted, Jojojojo!; y lo de Dan Aykroyd no tiene nombre, sale 10 minutos posando y por ello también le nominaron; sin mencionar la horrible y empalagosa música de Hans Zimmer.

Para verla si no hay algo más decente en la tele.Y por cierto por mucho que se ria Morgan Freeman y por mucho Globo de Oro de comedia que ganase, la película es puro drama.Palmarés:4 Oscar: Película, Actriz (Tandy), Guión adaptado y Maquillaje.Nominaciones: Actor (Freeman); Secundario (Aykroyd); Vestuario, Decoración y Montaje.3 Globos Oro: Película, Actor y Actriz.

Driving Miss Daisy
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Driving Miss Daisy
Título
Conduciendo a la señora DaisyPaseando a la señora DaisyEl chófer de la señora DaisyEl chófer y la señora Daisy
Ficha técnica
Dirección
Bruce Beresford
Producción
Richard D. ZanuckLili Fini Zanuck
Guión
Alfred Uhry
Música
Hans Zimmer
Fotografía
Peter James
Reparto
Jessica TandyMorgan FreemanDan AykroydPatti LuPone
Datos y cifras
País(es)
Estados Unidos
Año
1989
Género
DramaComedia
Duración
99 minutos
Compañías
Productora
Warner Bros
Ficha en IMDb
Driving Miss Daisy, también conocida como El chófer de la señora Daisy, Conduciendo a Miss Daisy, El chófer y la señora Daisy y Paseando a Miss Daisy es una película estadounidense de 1989, adaptada de la obra de Alfred Uhry Driving Miss Daisy para la Warner Brothers. La película fue dirigida por Bruce Beresford con Morgan Freeman y Jessica Tandy en los papeles protagonicos. La historia define a la señora Daisy y su punto de vista a través de una red de relaciones y emociones que se desarrollan en su casa, en la sinagoga, entre sus amigos y familiares, temores y preocupaciones. Hoke rara vez se ve fuera de la prescencia de la señora Daisy, aunque el título implica que la historia es contada desde su perspectiva. La película fue ganadora del premio de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas a mejor película en 1989.

Argumento [editar]
En 1948 la Señora Daisy Werthan, una viuda judía de 72 años, vive en Atlanta, Georgia, en la compañía de su trabajadora domestica afroamericana llamada Idella. Después de un accidente en su automovil Chrysler el hijo de la Señora Daisy, Boolie, le contrata un chofer porque ninguna compañía de seguro le asegurara, ella se niega, pero Boolie está decidido para encontrar uno. Mientras tanto, ella está parada en casa incapaz de relizar sus compras, visitas a sus amigos y asisitir a la iglesia, por no poder conducir. Boolie encuentra a un hombre, Hoke Colburn, la señora Daisy en un principio se niega a la ayuda de Hoke, ante el hecho de que las personas puedan llegar a creer que es demasiada vieja y tonta para para conducir. La señora Daisy llega a la aceptar Hoke y el hecho de que ella necesita ayuda para transportarse.

La señora Daisy descubre que Hoke no sabe leer, y por su antigua profesión como maestra le enseña cómo leer. La señora Daisy tiene que asistir a la fiesta de cumpleaños número noventa su hermano en Mobile, Alabama. Hoke le revela, durante el viaje, que es la primera vez que él ha salido del Estado de Georgia.

Durante su viaje de Atlanta a Mobile, la señora Daisy comprende en varias circunstancias durante el viaje sobre los aspectos sociales y los prejuicios raciales. Al paso del tiempo la señora Daisy toma aprecio por Hoke ante varias circunstancias. En 1965, mientras veían la televisión en la cocina, Idella muere. la señora Daisy entristece por la cercanía y el tiempo que compartió con Idella, y acompañada por su familia son las únicas personas blancas en el funeral. Ante los importantes cambio sociales de la época, la señora Daisy observa con especial atención los prejuicios y la discriminación hacia los negros y los judíos por lo que asiste al dicurso en Atlanta del Dr. Martin Luther King, invitando inicialmente Boolie a la cena, pero él se medita sobre su posición y los pensamientos de sus asociados ante la asistencia al acto y sugiere a la señora Daisy invitar a Hoke. la señora Daisy no menciona la invitación a Hoke hasta que él está llevándole a la cena. Su renuencia a invitar a Hoke subraya el racismo pasivo que a menudo pasa desapercibido en comparación con el racismo más abierto y agravado.

Pocos años más tarde, Hoke se llega a casa casa de la señora Daisy y la encuentra en un estado de confusion, él llama Boolie y le dice que su madre se encuentra mal. Antes de la llegada de Boolie logra tranquilizar a la señora Daisy y ella le revela a Hoke que él es su mejor amigo sujetándole mano. Boolie decide que lo mejor para su madre es que sea atendida en una casa de retiro. Dos años más tarde, en 1973, Boolie decide vender la casa de la señora Daisy, y Hoke se ha retirado de la conducción.

Hoke ahora cuenta con 85 años y la señora Daisy con 97 años. Boolie y Hoke se reúnen por último en casa de la señora Daisy y parten de ella a la casa de retiro para visitar la señora Daisy. La película termina con Hoke dando de comer una pieza de pie a la señora Daisy, ambos recordando viejos tiempos y mezclado con la imagen del Hudson que inicialmente Hooke condujo para la señora Daisy desplazandoce por la una calle con rumbo al horizonte.

Comentarios [editar]
Driving Miss Daisy es una la primera obra de teatro de la denominada "Trilogía de Atlanta" de Alfred Uhry, en las que se narra la vida de algunos miembros de la comunidad judía en la ciudad de Atlanta, Georgia. Alfred Uhry consiguió un gran éxito con su obra, llegando a ganar el Premio Pulitzer para obras dramáticas.
El titulo de la película debe ser interpretado como Manejando a la señora Daisy por el papel de Hoke al lidiar con el caracter de la señora Daisy

VIDEOS MUSICALES DE DRIVING MISS DAISY

http://www.solorecursos.com/musica/musica-video.php?id=Driving+Miss+Daisy

El cine y su impacto en las elecciones norteamericanas

Por Tim Robbins

Hollywood ha calentado el ambiente con películas, vídeos y documentales electorales que no han pasado desapercibidos. Oliver Stone puso en el punto de mira la vida de George W. Bush en la satírita biografía cinematográfica 'W', estrenada poco antes de las elecciones. Michael Moore también quiso poner su granito de arena con el documental 'Milk', la biografía sobre el primer político estadounidense que hizo pública su orientación sexual hacia los hombres, Harvey Milk, interpretado nada más y nada menos que por Sean Penn.
Steven Spielberg ha sido más neutral y se decantó por dirigir un vídeo electoral para movilizar a los votantes sea cual sea su color político. Bajo el lema 'No votes' y en clave de humor Will Smith, Harrison Ford, Tom Cruise, Julia Roberts, Leonardo DiCaprio, Orlando Bloom o Scarlett Johanson, se dirigen a los ciudadanos estadounidenses para pedirles que no voten el 4 de noviembre.
La última en apuntarse al carro de los documentales electorales ha sido Kirsten Dunst, quien ha viajado a Dakota del Norte, el único lugar de Estados Unidos en el que no es obligatorio estar registrado para votar, para rodar un documental sobre cómo vota la población estadounidense.

LA POLÉMICA DE LAS ELECCIONES
La polémica más sonada la ha protagonizado el actor estadounidense y activista liberal Tim Robbins, que necesitó cinco horas y una orden judicial para poder ejercer su derecho al voto en Nueva York, ya que su nombre había sido retirado del censo de su centro electoral. El ganador de un Óscar por su papel secundario en 'Mystic River' (2003) fue a votra y allí se encontró con la sorpresa: le comunicaron que su nombre no estaba incluido en el censo de electores.
El actor y director aseguró haber acudido a ese mismo centro desde 1992 y, desde entonces, nunca ha dejado de ir a votar, no ha modificado su domicilio y tampoco ha cambiado de afiliación política, motivos todos ellos que podrían explicar que se le hubiera excluido del censo. Los responsables ofrecieron al conocido actor la oportunidad de cumplimentar una papeleta provisional, pero éste rehusó, asegurando que ese tipo de voto puede terminar no sirviendo para nada. Desde hace meses, Robbins ha venido pidiendo a los estadounidenses en diversos medios de comunicación que no utilicen ese tipo de papeletas. "Si es su última opción, tómela, pero luche antes por su derecho a ejercer el voto. Es su derecho como estadounidense", aseguró el actor de 50 años, quien finalmente necesitó hasta cinco horas, además de una orden judicial, para conseguirlo.
Entre apoyos, denuncias, documentales y polémicas la carrera hacia la Casa Blanca ha llegado a su fin con Barack Obama como ganador. Los ciudadanos lo han elegido y Hollywood ha dejado su huella en la campaña, lo que ya es una tradición. La meca del cine volverá a involucrarse en la vida política de EEUU, ocurrirán nuevas anécdotas y polémicas, pero habrá que esperar otros cuatro años para verlo.
Medio mundo ha seguido las elecciones norteamericanas conscientes del impacto internacional que supone la elección del presidente de EEUU... políticos, empresarios, medios de comunicación, ciudadanos anónimos y, cómo no, la industria de Hollywood que, una vez más, ha participado activamente en la campaña electoral ya sea para recaudar fondos o para difundir las ideas con las que comulgan. En este sentido, muchos actores han proclamado sus ideas a través de vídeos electorales, canciones en favor de un determinado candidato (el mejor ejemplo se puede encontrar en YouTube buscando 'Yes, we can') o, simplemente, declarando abiertamente a quién iban a votar.

A lo largo de la intensa campaña electoral, la meca del cine se ha posicionado casi al completo a favor del candidato demócrata, ya presidente de EEUU, Barack Obama. La lista de iconos del Hollywood actual que han demostrado públicamente su apoyo a Obama es extensa y diversa. Constan en ella, para sorpresa de los que afirman que la juventud no se moviliza a nivel político, un buen número de los jóvenes valores de la industria: de Scarlett Johansson a Jessica Biel, de Ben Affleck a Matt Damon pasando por Elijah Wood, Leonardo DiCaprio, Jessica Alba, Jennifer Aniston…
La lista continúa con algunos veteranos militantes, como Susan Sarandon, George Clooney (uno de los más activos en su apoyo), Robert de Niro, Tommy Lee Jones, Antonio Banderas, Sharon Stone o Tom Hanks. Mientras que el grueso de los actores afroamericanos también se ha situado del lado de Obama, empezando por Will Smith, continuando con Eddie Murphy o Forrest Withaker, y sentenciando con Halle Berry y Tyra Banks. Para rematar el asunto, encontramos entre los fans incondicionales del candidato demócrata al humorista del momento en Hollywood, Ben Stiller, y al super-héroe más cotizado: Tobey “Spider-man” Maguire.

KLUTE

TITULO ORIGINAL
Klute
AÑO
1971
DURACIÓN
114 min.
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PAÍS
DIRECTOR
Alan J. Pakula
GUIÓN
Andy K. Lewis & Dave Lewis
MÚSICA
Michael Small
FOTOGRAFÍA
Gordon Willis
REPARTO
Jane Fonda, Donald Sutherland, Roy Scheider, Charles Cioffi, Dorothy Tristan, Rita Gam, Anthony Holland, Shirley Stoller, Richard B. Shull
PRODUCTORA
Warner Bros. Presents an Alan J. Pakula Production
GÉNERO Y CRÍTICA
Más información
1971: 1 Oscar mejor actriz (Jane Fonda) / Intriga / SINOPSIS: Un hombre ha desaparecido sin dejar rastro en Nueva York. Klute (Donald Sutherland), un policia íntimo amigo suyo, encuentra una pista en unas cartas que aquel le escribía a una prostituta llamada Bree (Jane Fonda), así que va a buscarla para interrogarla, iniciando con ella una relación amorosa tempestuosa. Simultaneamente, Klute prosigue con sus investigacioens en los bajos fondos cuando, de pronto, las prostitutas empiezan a ser asesinadas, y Klute piensa que Bree puede ser la próxima víctima. (FILMAFFINITY)----------------------------------------"Intriga policial dirigida con maestría y excelente ambientación" (Fernando Morales: Diario El País)----------------------------------------"Sutherland anima uno de esos detectives con vocación de eternidad. Un thriller con profundo y desgarrado sabor clásico" (Luis Martínez: Diario El País)----------------------------------------

Klute es una película de 1971, del género policiaco, dirigida por Alan J. Pakula, que trata de la historia de una prostituta que colabora con un detective en la solución de un caso. Está interpretada en los roles principales por Jane Fonda, Donald Sutherland, Charles Cioffi, Dorothy Tristan, Vivian Nathan y Roy Scheider. Jane Fonda obtuvo un Oscar a la mejor actriz y el film fue nominado al Oscar al mejor guión original.

COMENTARIO:

El estilo algo moroso, detallista, recreativo y minucioso de Alan J. Pakula le viene a esta gran película como anillo al dedo. Tanto que es probablemente y con mucha diferencia su mejor cinta, la más contundente y en la que más se justifica esa obsesión en la obra del director por dotar de un sólido trasfondo psicológico a sus personajes para justificar así todas sus acciones que en el caso de Klute son bastante complejas y sorprendentes pero siempre comprensibles.
Klute es no solamente un” thriler” muy competente, también indaga con la certeza de un entomólogo en la sociedad de los primeros años 70 y concibe un retrato inteligente y certero de ese momento a través de las peripecias de una prostituta acosada por un maniaco (en aquel momento los psicópatas aún no tenían carta de naturaleza en el cine como tales) Pakula consigue un deslumbrante y muy humano retrato de personajes espléndidamente servidos por la pareja protagonista.
Obra nada complaciente y de una gran dureza para su época, tan solo se ve perjudicada por un final bastante previsible, pero curiosamente la fuerza de su puesta en escena y su ínterés innegable consigue que esto importe poco, ya que su argumento detectivesco pasa a un segundo plano para ceder importancia a ese fascinante retrato de personajes y situaciones muy novedoso y meritorio en su momento y que con el paso de los años han derivado en clichés cinematográficos manidos y usados en multitud de películas con bastante menos fortuna.

Jane Fonda se adueña de la película desde la primera escena hasta la última con una brillantez interpretativa tal, con tanta expresividad interior, inteligencia y conciencia de mujer –aunque también con la pena y la inseguridad de una persona sola– que casi hace estallar el personaje. Recibió un Oscar merecidísimo en ese papel de una mujer retrato que, como prostituta, en tanto la clásica víctima como la dueña de la situación desde el punto de vista psicológico.

Biografia de Jane Fonda

Actriz estadounidense, hija del actor Henry Fonda.

Estudia arte dramático en el Actor's Studio de Lee Strasberg. Trabaja en varias obras de teatro en Broadway y pasa al cine con Tall Story (Me casaré contigo, 1960), de Joshua Logan.

Destacan sus papeles en The Chapman report (1963), de George Cukor;

al lado de Alain Delon Les félins (1963),

de René Clément; Cat Ballou (La ingenua explosiva, 1965),
de Elliot Silverstein, con Lee Marvin;

The chase (La jauría humana, 1966), de Arthur Penn;

al lado de Robert Redford Descalzos en el parque (1967), de Gene Saks;

They shoot horses, don't they? (Danzad, danzad, malditos, 1969);

Quatre nuits d'un rêveur (Las cuatro noches de un soñador, 1971), de Jean-Luc Godard, con Yves Montand; Krull (1971),

de Allan Pakula, con Donald Sutherland; Klute (1972),

con la que obtiene el Oscar;

El síndrome de China (1979), de James Bridge;

In a golden Pond (En el estanque dorado, 1981), en la que actúa al lado de Katharine Hepburn y su padre, que obtiene el Oscar;

He morning after (La mañana siguiente, 1986),

de Sidney Lumet, y Gringo Viejo (1987),

de Luis Puenzo, con Gregory Peck y Jimmy Smith.

Otras de sus películas son Jeux d'amour, de Philippe de Broca;

Nine to five (Cómo eliminar a su jefe);

El pasado me condena, (KLUTE)

La tigresa del oeste,

Agnes de Dios,

Barbarella,

Fun with Dick and Jane (No robarás a menos que sea necesario) y
Fabricante de muñecas. ..

CINE: ENTREVISTA CON JANE FONDA
"Crecí sintiendo que debía ser perfecta"
A los 67 vuelve al cine tras 15 años de ausencia, como una insoportable en "Una suegra de cuidado". Habla de sus maridos, el cristianismo, Vietnam, Irak, su libro de memorias y dice: "Mis últimas películas fueron un martirio".
Bob Straus. THE NEW YORK TIMES PARA CLARIN

Reina hollywoodense de la autoinvención, Jane Fonda mantuvo muy bajo perfil durante los últimos quince años, luego de abandonar la industria del cine y casarse con su tercer marido, el magnate de los medios Ted Turner.Pero con su autobiografía My Life So Far, un best-seller, y su llamativa actuación en la comedia Una suegra de cuidado, Fonda, 67, vuelve a ser una figura mediática tan ubicua como siempre.Sin embargo, la hija de Henry Fonda, la bomba sexy de los '60, Hanoi Jane y la gurú de los videos de workout nuevamente es otra.

Para variar, es feliz."Escribí el libro porque he logrado cierto conocimiento sobre mi vida, y sabía que, si lo escribía con honestidad, podía ayudar a la gente", dice Fonda. "Me gustó que, por la misma época en que apareció el libro, pudiera hacer una película que es cómica, algo con lo que la gente no me asocia, pese a que hice muchas comedias."La autobiografía revela mucha información personal, gran parte de la cual la actriz nunca ha comentado públicamente.

En ella, podemos leer cómo se sintió cuando, a los 12 años, se enteró por una revista de cine de que su madre, Frances Seymour, se había suicidado. La distancia emocional de su padre Henry se analiza con gran detalle, como también sus propias batallas con la bulimia y su eterna necesidad de ser perfecta.

Además aparecen los maridos a quienes sentía que no podía complacer: el director francés Roger Vadim, que no sólo la convirtió en la sexy aventurera espacial de Barbarella sino que también invitaba prostitutas a compartir el lecho conyugal; el activista político Tom Hayden, que la dejó por una mujer más joven; y el impulsivo Ted Turner, que, pese a algunos errores, sigue siendo el ex preferido de Fonda."Es la única persona que conozco que ha tenido que pedir perdón más veces que yo", dice riendo. Naturalmente, se refiere a sus repetidos mea culpas por su viaje a Hanoi en plena guerra de Vietnam, que culminó con la infausta foto de Fonda sentada sobre un cañón antiaéreo norvietnamita.

Pero la pregunta que más curiosidad despierta entre las que debe responder en este momento es la de por qué de pronto abandonó una carrera artística que le valió dos premios de la Academia e Hollywood (por Mi pasado me condena y Regreso sin gloria), le permitió abordar cuestiones pendientes con Henry (En la laguna dorada) y le permitió expresar creativamente algunas de sus ideas (El síndrome de China).
"Las últimas películas que hice fueron un martirio", dice Fonda, cuyo matrimonio con Hayden estaba en crisis en aquel momento. "Era una persona infeliz. Pero lo negaba y vivía metida para adentro. No se puede vivir así y ser creativa al mismo tiempo. Me aterraba levantarme cada mañana e ir a trabajar."Pero no hubo terror en el set de Una suegra de cuidado, comedia en la que hace el papel de una madre que desaprueba a la prometida de su hijo, interpretada por Jennifer Lopez."Esto no fue un desafío", comenta Fonda risueña sobre su personaje, Viola Fields, figura de la TV parecida a Barbara Walters, cuyo comportamiento delirante dice haber basado en el de Turner. Quizá no lo fue para ella, pero no dicen lo mismo las estrellas de la leyenda viviente."Cuando entra Jane Fonda, sentís cosquillas en el estómago", reconoce Lopez. "No podés evitarlo, porque estás acostumbrada a ver su impresionante imagen en la pantalla.""Dejame que te cuente lo primero que dijo cuando se vio en el trailer", agrega el director Robert Luketic (Legalmente rubia).

"Cuando abandonó el cine, los trailers no eran lo que hoy. Vino y me dijo: '¡Guau! ¿Con quién voy a compartir este trailer?' Y yo le contesté: 'Nena, ¿fumaste crack? ¡Es todo para vos!'. A su manera —dice—, Jane nos fijó cierto tono. Era un tono de 'Respetémonos, divirtámonos, seamos profesionales.'"Por emocionalmente devastada que estuviera y por políticamente radical que fuera, Fonda siempre mantuvo una firme actitud profesional. Ella dice que, en el pasado, eso era algo un poco actuado.

"Crecí sintiendo que no me querrían a menos que fuera perfecta, y que debía ser perfecta", explica. "Eso te pone bastante ansiosa. La gente calma la ansiedad de diferentes maneras —con el alcohol, el juego, el sexo, o lo que sea—, yo llenaba esa necesidad con adicciones alimentarias y la enfermedad de complacer. Tenía éxito, era financieramente independiente, pero nunca tuve suficiente valor para ser dueña de mí misma. Pasé quince años tratando de curarme."Parte de esa curación consistió en volcarse al cristianismo. "Durante un tiempo, busqué un hogar espiritual —revela—. Respeto al budismo y al islamismo, pero si tengo que buscar un hogar espiritual, lo haría en el cristianismo."Jane también ha hallado un hogar temporal en la ciudad de Turner, Atlanta, donde sigue viviendo con su hija, Vanesa Vadim, y sus nietos. "Vivo en Georgia porque es un lugar real —dice—. No es un ambiente enrarecido ni elitista. Soy activista social, así que pienso que allí voy a ser más eficaz", agrega Fonda, que consagra gran parte de su energía (y una buena porción de su jugoso salario) a la Campaña para la Prevención del Embarazo Adolescente.

"Y además, allí está mi hija, y mis nietos, y los nietos de Ted, que me llaman abuela. Es donde he echado raíces."Quizá esto suene como una velada crítica a su crianza hollywoodense. "Mi madre era maníaco-depresiva —dice—. Mi padre era distante. Eran personas maravillosas, e hicieron las cosas lo mejor que pudieron, pero no sabían ser padres.

No tuve una mala infancia, pero sí una que me hizo sentir que no valía lo suficiente."En cuanto a los errores que cometió, siente que ha superado el más grande, la enfermedad de complacer a los demás. Pero la verdadera prueba todavía no ha llegado."Me encantaría enamorarme, pero no ha ocurrido", se encoge de hombros. "Todos los que me conocen dicen que estoy distinta. Pero no pasás la prueba hasta estar en una relación.

"Traducción de Elisa Carnelli

TRAILER :

http://es.youtube.com/watch?v=IY_B34ReThI

LA HIJA DEL MINERO

Título original:
COAL MINER'S DAUGHTER
Dirección:
Michael Apted
Intérpretes:
Sissy Spacek, Tommy Lee Jones, Beverly D'Angelo, Bob Hannah, William Sanderson
Género:
Comedias Dramáticas
Calificación:
Apta todo Público
Subtítulos/doblaje:
S
País de origen:
EEUU
Año de realización:
1980

Sissy Spacek, como Loretta Lynn: "No soy mejor que nadie ni nadie es mejor que yo"
Declaraciones de la actriz que encarna al cantante "country" en "Quiero ser libre"
ANDRES ORTEGA, - Londres - 25/03/1981

«No soy mejor que nadie, pero nadie es mejor que yo», dijo hace tiempo la reina de la música country, Loretta Lynn. Ahora la actriz norteamericana Sissy Spacek reivindica para sí estas palabras. Siss, tiene 31 años, pero parece que tuviera diecinueve. Es una de las favoritas para el Oscar de Hollywood, que se concede a finales de mes, por su papel en la película Quiero ser libre, que en versión original se llama La hija del minero, y que ha sido dirigida por el británico Michael Apted.

La película narra hechos reales: la vida de Loretta Lynn, la mayor de ocho hijos de un minero muy puritano de Kentucky. A los trece años, durante la depresión, Loretta se casó con Mooney Lynn. A los dieciocho tenía cuatro hijos y se lanzaba al mundo de la canción.En la película, Sissy interpreta a Loretta de los trece a los 45 años. Es una proeza, pero mayor aún es la de que Sissy cante en directo todas las canciones de la película, con un excelente estilo, e imite soberbiamente el acento de la protagonista real, algo que el público español no podrá apreciar. De paso por Londres, Sissy Spacek habló con EL PAIS.
Fue la propia Loretti la que escogió a Sissy Spacek, quien durante unas semanas compartió la vida de la cantante. Así «tuve la oportunidad de entrar en su mundo. Cuando yo estuve en Nashville, la gente me trató literalmente como si fuera la reina de la música country, y yo respondí del mismo modo», dice Sissy, que no piensa por ahora dedicarse a la música. Sissy canta todas las canciones de la película, como se ha señalado: «Pensé que era vital, después de conocer a Loretta, que yo interpretara su música, pues sentí que así llegáría a conocer quién era Loretta». Describiendo a la cantante en la vida real, Sissy señala que Loretta Lynn era «una persona muy psíquica... Yo no le dejaría que me leyese la palma de mi mano, pues he visto cómo se la ha leído a otras personas ... ».
Dicen que la actriz y la cantante se parecen. «Nos parecemos y no nos parecemos, es una cosa muy extraña. Venimos de mundos diferentes, aunque hay algunos paralelismos en nuestras vidas. Mi familia emigró del sur de Moravia hace cuatro generaciones y provengo de una pequeña comunidad rural en Texas. aunque bastante diferente de las colinas de Kentucky. Ambas somos extravertidas. pero en otras cosas somos muy distintas. Siempre fui muy independiente y esperé más tiempo para hacer ciertas cosas. Loretta se lanzó muy pronto a la vida. Mi madre me decía que si te casas a los treinta anos y te mueres a los sesenta has estado casada la mitad de tu vida ... ». Sissy Spacek está casada con Jack Fisk. director de su última película, Raggedy man, ambientada en los años cuarenta y rodada en Texas.
Sissy llegó a conocer al marido de Loretta Lynn. Mooney, que ahora está en una clínica en un tratamiento de desintoxicación alcohólica. Pero en la película. en sus relaciones con el personaje de Mooney, quien más le ayudó fue el actor Tommy Lee Jones: «Era brillante... Es increíble, si conocieras a Mooney, su interpretación te asombraría".
Sissy acaba por fin de pelar una mandarina que llevaba tiempo manoseando. Aunque cansada tras su gira por Europa, ríe y gesticula todo el tiempo, mientras hablamos de su carrera cinematográfica. Aunque ella siempre quiso ser actriz, su carrera fue accidental. («Creo en el azar y en las oportunidades. Recuerdo que mi madre me decía que lo más importante no es lo que te ocurre en la vida, sino cómo reacciones a lo que ocurre.»)
Su primera película importante fue Bad lands, de Terrence Malick. Luego vino el salto a la fama con Carrie, de Brian de Palma, Tres mujeres, de Robert Altman, y Generación perdida, de John Byrum. Dentro de poco tiempo empezará a rodar junto a Jack Lemonn tina película de Costa Gavras («extraña combinación», dice Sissy), rodada en México, que «trata de una pareja joven en año sabático. El marido desaparece y la película se centra en su búsqueda».

Video:http://es.youtube.com/watch?v=6rdQrgyEuOY