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domingo, 19 de junio de 2011

2001: Una odisea del espacio



TÍTULO ORIGINAL 2001: A Space Odyssey
AÑO 1968

DURACIÓN 139 min. Trailers/Vídeos

PAÍS Sección visual

DIRECTOR Stanley Kubrick
GUIÓN Stanley Kubrick & Arthur C. Clarke (Novela corta: Arthur C. Clarke)
MÚSICA Richard Strauss, Johann Strauss
FOTOGRAFÍA Geoffrey Unsworth
REPARTO Keir Dullea, Gary Lockwood, William Sylvester, Daniel Richter, Douglas Rain (HAL 9000 voice), Laonard Rossiter, Margaret Tyzack, Robert Beatty, Sean Sullivan, Frank Miller, Penny Brahms, Alan Gilfford, Vivian Kubrick
PRODUCTORA MGM
PREMIOS 1968: Oscar: Mejores efectos visuales. 4 nominaciones: director, guión y dirección artística
GÉNERO Ciencia ficción | Aventura espacial. Película de culto
SINOPSIS La historia de la humanidad, en diversos estadios del pasado y del futuro, es narrada en la película de ciencia-ficción de culto por excelencia de la historia del cine. Hace millones de años, en los albores del nacimiento del homo sapiens, unos simios descubren un monolito que les lleva a un estadio de inteligencia superior. Otro monolito vuelve a aparecer, millones de años después, enterrado en una luna, lo que provoca el interés de los científicos humanos. Por último, HAL 9000, una máquina de inteligencia artificial, es la encargada de todos los sistemas de una nave espacial tripulada durante una misión de la NASA. (FILMAFFINITY)

CRÍTICAS ----------------------------------------
"La cinta más polémica, magnética y genial de Kubrick (...) La elipsis del hueso-espacio, el monolito y el enmudecimiento de Hal forman ya parte de la iconografía del siglo" (Luis Martínez: Diario El País)
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"Maravillosa obra, sin duda toda una revolución en su época" (Fernando Morales: Diario El País)
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Te puede interesar cómo hace cinco millones de años, un grupo de primates, pudo adquirir una cualidad única entre los otros animales. La inteligencia?.
¿Te puede interesar la reciente aparición de la inteligencia artificial, y como ésta puede rebelarse contra su creador,"el ser humano"?
¿Te puede interesar el futuro de la "inteligencia" desvinculada de las ataduras de un ser vivo o artificial?
Pues esta película te presenta esto: el pasado, el presente, y un posible futuro para el ser humano.
¿Qué otra película se ha atrevido a contar una historia semejante?.Creo que ninguna otra. Quien diga que esta película no tiene historia...Me callo.
2001...se rodó para el cine, se presento en Cinerama, comparable al IMAX de hoy en dia. El ritmo narrativo está pensado para apoyarse en el formato espectacular de la gran pantalla. Donde el espectador podía contemplar cada detalle en su justa medida de tiempo y sumergirse en las profundidades del Universo.
Me admiro que les haya gustado a personas que solo la han visto en la butaca de su casa, y creo que muchas opiniones negativas cambiarían si tuvieran la oportunidad de verla en el formato para el que fue creada.
Yo la vi con 17 años en una reposición del año 1978, que se produjo supongo para aprovechar el éxito de la recién estrenada, La Guerra de las Galaxias.
Salí del cine desconcertado, había ido a ver, lo que suponía sería una película de acción, con efectos especiales, y me encontré con el discurso de kubrick y Clarke.
En un primer momento pensé que no me había gustado, pero cuando llegué a casa ya me había convertido en un fan. Al dia siguiente la volví a ver, y ahora ya he perdido la cuenta.
Creo que visualmente, la película es aún totalmente válida, y lo que nos cuenta por supuesto que también.
Se anticipó a su tiempo, y con el paso de los años se han ido cumpliendo todos sus argumentos.
Incluso en la escena en que el científico que viaja a la estación orbital y habla por video teléfono con su hijita de cinco años, y ésta le pide que cuando regrese a casa, le traiga un teléfono. Cuando la vi por primera vez, pensé: ¿que niña desearía un teléfono como regalo de cumpleaños?. Ahora viendo la fiebre de los móviles, entiendo perfectamente que sea el regalo que pueda desear un bebe.
En fin para aquellos que no la han visto en el cine, les recomiendo que se apresuren a comprarse un proyector de video, y una pantalla de 2,5mt. o más grande si les cabe en casa. Se dejen de prejuicios, abran sus mentes a una historia que exige algo más del espectador, de lo hoy en dia nos suele ofrecer Hollywood, y podrán disfrutar de una de las mas grandes creaciones del séptimo arte.
CARLES




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Esta en mi top 10 de películas sobrevaloradas.
No he leido el libro en que se basa la película, pero eso es indiferente, no estamos hablando del libro, hablamos de una película, y como tal es tediosa y pretenciosa.
Muchos puntuan la película con las notas de banda sonora en la cabeza, quítale eso y solo ves en tu cabeza un mono haciendo el chorra con un hueso.
Es discutible desde muchos puntos de vista, pero sobretodo desde el antropológico. Si están apareciendo hombres más viejos en Atapuerca que los monos africanos de los que en teoria descendemos, ¿a nadie más le parece que puede que los científicos estén dando palos de ciego?, ¿no habrá que jubilar a Darwin?. Pues Kubrick es como el Darwin del cine, llegó un punto en que todo lo que hacía/decía era ley, no importaba que la gente interiormente discrepara, se le aplaudía porque no hacerlo te dejaba en el vagón de los tontos que no entendían su genialidad. Cuando la unica realidad es que la mayoría de los genios no tienen nada de geniales, ni el Papa es infalible, así que fíjate tu el panorama.




Odisea de la humanidad
“2001” es ese monolito, ese tótem cinematográfico que marca un antes y un después en la cine de ciencia ficción. Esta palabra le corresponde con toda justicia. La preocupación de Kubrick por el verismo de todo lo que aparecía en la pantalla hace que estemos ante una película en la que las especulaciones que muestran vienen sostenidas por sólidas bases hasta hacer de “2001” una ficción, exenta de realidad, pero llena de realismo.
En sí es una ópera (es grandiosa, épica desde las primeras imágenes. Kubrick hablada de “odisea de la humanidad”) en tres actos, cada cual más subyugante e inspirado, hecha desde una inspiración asombrosa (no se volvió a hacer una película tan arriesgada), pero destilada hasta la pureza, lo que hace que sea una película milimetrada, magistral, donde nada sobra o falta para lograr un espectáculo fascinante y enigmático.
Es cine en estado puro. Pese a su extenso metraje, no creo que lleguen a 20 minutos los diálogos de la película, lo que hace que toda la fuerza, toda la fascinación venga dada por una imagen cuidada, impactante, magnética, que se queda grabada para siempre en nuestras retinas. A esto se suman unos efectos especiales (ideados por el propio Kubrick y Douglas Trumbull, que también fotografiaría y haría los fx de “Blade Runner”) que aún hoy mantienen el tipo.
Ninguna película ha hecho correr más ríos de tinta que esta. O se la ama o se la odia; ¡pero es imposible permanecer indiferente ante ella! Un guión maravilloso, basado en un relato corto de Arthur C. Clarke, nos lleva desde los albores de la humanidad (aprovechando para mostrarnos el primer asesinato de la historia) hasta un nuevo y inescudriñable amanecer. Entre estos dos extremos toda una descarga de imágenes, de una puesta en escena majestuosa, con un montaje que hace que la imagen te impregne, te lleve a reflexionar, pues en esta película Kubrick muestra todo, pero no explica nada (Clarke, cuando posteriormente hizo el libro se encargo de despejar en sus párrafos todos los misterios que contenía “2001”) y una música que trasciende su mero papel de acompañante hasta hacerte sentir la “sinfonía del universo” (Ningún director se acerca al manejo magistral que Kubrick siempre logró con sus bandas sonoras). La danza espacial al ritmo del “Danubio Azul”; la inmensidad y soledad del universo remarcado por las inspiradas notas de György Ligeti, o el archifamoso amanecer lunar al son de los compases de “Así habló Zarathustra” siguen resonando en nuestra memoria.
Punto y aparte merece el duelo de HAL 9000, quizá la parte más clásica de la película, pues puede ser contemplada cómo un sólido thriller de la máquina (es el personaje mejor construido, el más humano, y a la vez el más abstracto) contra el hombre.
Solemos llamar al cine “7º Arte”; pero hasta que no llego “2001” no podemos aplicar con justicia este término, pues sale del territorio de calificativos como magistral para situarse como “obra de arte”. Nada más y afortunadamente nada menos.
Strhoeimniano

El retorno de los dioses
La obra más controvertida de Stanley Kubrick, 2001: a space odyssey es una película de la que se ha dicho mucho y no se ha entendido demasiado. Es una de esas cintas mitificadas o detestadas, admiradas o hipervaloradas, pero nunca ignoradas. Kubrick reunió todo su malevolente conocimiento filosófico y sociológico e ironizó con él; adaptó de forma absolutamente personal dos ambiguas obras del escritor Arthur C. Clarke, El vigilante (un relato breve de tan sólo 11 páginas) y El fin de la infancia, posiblemente su mejor novela, y compuso una sinfonía al ritmo que le marcaba su inextinguible poder creativo. No pretendía convencernos de nada, tan sólo sugerirnos la belleza, el infinito, lo trascendental y maravilloso que todos llevamos en nuestro interior a través de una narración extemporánea, un cálido amasijo de impresiones y revelaciones, un encuentro con nuestros orígenes y nuestro destino en un hipotético pliegue del tiempo. Puede resultar pedante su arrogancia, egocéntrica su puesta en escena, aburrida en determinados momentos su narración, insufrible su metódico y angustioso ritmo; y quizá todo esto sea cierto… pero el poder de fascinación de 2001 ha perdurado durante décadas y lo seguirá haciendo dentro de muchas generaciones. Tal vez eso sea lo que algunos denominan, sin rubor, “arte cinematográfico”.
(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo
spoiler:

Kubrick da comienzo su obra con media hora de poderoso magnetismo: “El alba del hombre”, escenas rodadas íntegramente en un estudio y que el director de fotografía, John Alcott, se encargó de que parecieran paisajes inmensos del África septentrional. Allí se desarrolla una narración simbólica, paradójica, llena de significados: un grupo de simios antropomorfos obtiene el don de la inteligencia a través de un ser superior. Esa intromisión en nuestra evolución natural conlleva el conocimiento de la violencia, la consciencia de ser superiores, el abuso del poder y la arrogancia del más fuerte. Kubrick (y en definitiva Clarke) suponen el inicio de nuestros orígenes en relación con la guerra y el odio más visceral, definiendo el carácter y las acciones del hombre del futuro.

El sofisticado viaje espacial hacia una luna de Júpiter se ve frustrado tras el intento de boicot de los tripulantes contra HAL. El poder absoluto de la máquina se ve amenazado por seres inmensamente inferiores en su capacidad cognitiva. Al igual que los homínidos prehistóricos, HAL encuentra la respuesta en la violencia, en la exterminación de la amenaza con un arma tan sofisticada como el control de todos los instrumentos de la nave espacial. HAL sólo intentará evitar su muerte virtual, la desconexión de su “vida”, sintiéndose cada vez más cerca de su propia consciencia de “ser vivo”.

El último tripulante logrará al fin desconectar la todopoderosa computadora y a partir de esa escena, el director desarrolla los minutos más absorbentes, hipnóticos y perturbadores de toda la película. Kubrick nos acerca de nuevo a la naturaleza y estructura del inextinguible ser superior con la sugerente forma de un monolito perfecto (no encontró mejor manera de mostrarnos algo tan incorpóreo como la sabiduría ilimitada); el director nos sugiere su poder creador a través de los ojos de ese último ser humano superviviente, nos enseña la formación de mundos, los orígenes de planetas, el control de las fuerzas que dominan el cosmos, los colores del inicio del universo en un magnético y sorprendente espectáculo visual.

Por último, el astronauta se convierte en el testigo presencial del misterio de la formación de mundos y universos, y protagonista único de la creación de la vida... de su propia vida como ser humano, agotando las lógicas y temporales etapas de su existencia para convertirse en semilla primigenia de una especie superior. Unos veinte últimos minutos plenos de simbolismo, de imágenes marcadas por la expresividad y la plasticidad, una amalgama de colores, volúmenes y formas en un homenaje voluptuoso a su propia imaginación y genialidad cinematográfica. Pedante, ególatra... puede ser, pero su obra resulta fascinante e imprescindible.
Baxter

sábado, 12 de febrero de 2011

Doctor Zhivago



Título Doctor Zhivago
Ficha técnica
Dirección David Lean
Producción Carlo Ponti
David Lean
Arvid Griffen
Guion Robert Bolt
Música Maurice Jarre
Fotografía Freddie Young
Montaje Borman Savage
Vestuario Phyllis Dalton
Reparto Omar Sharif
Julie Christie
Geraldine Chaplin
Tom Courtenay
Alec Guinness
Rod Steiger
Ralph Richardson
Rita Tushingham
Klaus Kinski
Siobhan McKenna
Jeffrey Rockland
Ver todos los créditos (IMDb)
Datos y cifras
País(es) Estados Unidos
Año 1965
Género Drama
Duración 197 minutos
Compañías
Productora Metro-Goldwyn-Mayer
Ficha en IMDb
Julie Christie como Lara.

Doctor Zhivago es una película estadounidense de 1965, dirigida por David Lean, con Omar Sharif en el rol principal. Está basada en la novela Doctor Zhivago, de 1957, del escritor ruso Boris Pasternak (Premio Nobel de Literatura 1958)

[editar] Argumento

La película está narrada por un general de la policía secreta soviética, Yevgraf Zhivago (Alec Guinness), medio hermano de Yuri Zhivago (Omar Sharif), a la que cree que es hija de éste, Tonya Komarovskya (Rita Tushingam). La trama principal se desarrolla entre 1905-1921.


TEMA DE LARA Y VARIOS

Yuri Zhivago es un médico y poeta en la época del advenimiento de la Revolución rusa. Está casado con Tonya (Geraldine Chaplin), una joven de la alta burguesía que le quiere y le admira. Durante la Guerra Civil Rusa, la mansión familiar en Moscú es requisada y ocupada por otras familias. La situación se torna insostenible para ellos. Reaparece Yevgraf Zhivago y les recomienda salir de Moscú y viajar a la mansión de campo de la familia, en Varikino. Después de una odisea, viajando en un vagón de ferrocarril atestado, la familia logra trasladarse a su casa de campo, pensando en pasar el duro período de la guerra civil allí. Cuando llegan a la casa se enteran de que ha sido confiscada por el gobierno revolucionario y se ven obligados a refugiarse en una cabaña cercana que forma parte de la propiedad. Logran pasar un tiempo en paz y Zhivago comienza a escribir poesía y a visitar la biblioteca del pueblo cercano, Yuriatin. Allí se encuentra con Lara (Julie Christie) a quien había conocido en difíciles circunstancias en Moscú, y posteriormente durante la Primera Guerra Mundial, cuando él servía como médico militar y ella como enfermera. Su relación con Lara se transforma en una relación amorosa. Todos sus movimientos y actividades son vigilados por los funcionarios soviéticos. Tonya queda embarazada y Yuri decide terminar su relación con Lara. Después de una triste despedida regresa a Varikino y es sorpresivamente reclutado a la fuerza por un pelotón de guerrilla soviético, y debe seguirlos en su campaña. Después de dos años, deserta y regresa a Varikino en busca de su familia, pero allí se entera de que han emigrado a Francia y que su rastro se ha perdido. Yuri se reencuentra con su antiguo amor, Lara. Juntos, más la hija de Lara, deciden irse a vivir a la casa de campo en Varikinno. Es el período del crudo invierno ruso y Zhivago decide desobedecer la confiscación y rompe los maderos que tapiaban la casa, para refugiarse allí. Pasa el tiempo y la guerra llega nuevamente, obligando a Lara a huir junto a su hija. Yuri no se entera nunca de que Lara espera un hijo de él. Regresa a Moscú, donde su medio hermano Yevgraf le consigue un puesto en un hospital. Pasan los años, y un día, viajando en el tranvía, Yuri ve a Lara caminando por la calle y desesperadamente trata de detener el transporte y correr tras ella, sin poderla alcanzar, ocurre entonces un inesperado final, fallece de un paro respiratorio.

La película termina con el regreso a la escena primera, donde la muchacha (Rita Tushingam) dice no recordar a su madre y que quien supone es su padre la había abandonado durante un bombardeo. Luego de crecer en un orfanato, había encontrado su actual trabajo, donde se desarrolla la escena. Yevgraf comprende que hay que dar tiempo al tiempo y la deja ir. La última escena ocurre con el alejamiento de la muchacha y su novio. Yevgraf nota que ella lleva una balalaika al hombro y le pregunta si toca bien, y el novio le responde que era una virtuosa y que había aprendido por sí misma. Yevgraf comenta: ¡Entonces es un don!. La madre de Yuri también interpretaba con maestría el instrumento y se decía que tenía el don.
[editar] Comentarios



Se rodó básicamente en España, más concretamente en Madrid y Soria, con el sistema de filmación en color Metrocolor, característico de la Metro-Goldwyn-Mayer. En Madrid se rodaron las escenas moscovitas en lo que actualmente es la calle de Silvano a la altura del cementerio de Canillas, en aquel entonces campo abierto, en donde construyeron un decorado de unos 20.000 m² que recreaba Moscú, con su trazado de vías de tranvía electrificado, por donde circulaban incluso dos tranvías cedidos por la Empresa Municipal de Transportes. También se rodó en la Estación de Delicias. En Soria se rodaron prácticamente todos los exteriores, empleando para ello todas las líneas de ferrocarril que por entonces estaban en uso. Se rodaron escenas ferroviarias en los siguientes escenarios:

* Estación de Delicias[1]
* Estación de Soria-Cañuelo
* Candilichera (Campo de Gómara)
* Villaseca de Arciel (Campo de Gómara)
* Navaleno (Pinar Grande)
* Villar del Campo
* Yanguas
* Matamala de Almazán


Las escenas de la residencia de Varíkino fueron rodadas en Candilichera. En algunos países, este film estuvo en cartelera mucho tiempo, siendo récord de taquilla. Durante varios años, las compañías de cinematógrafos la re-estrenaron a petición del público.


La presa que sale al final de la película es la de Aldeadávila de la Ribera, en la provincia de Salamanca. Las escenas del entierro, al principio de la película, con unas montañas al fondo, están rodadas en la provincia de Granada. Las escenas de invierno se rodaron principalmente en Finlandia, cerca de la frontera con la entonces URSS.
[editar] Premios
[editar] Oscar 1965
Categoría Persona Resultado
Mejor película Candidata
Mejor director David Lean Candidato
Mejor actor de reparto Tom Courtnay Candidato
Mejor montaje Borman Savage Candidato
Mejor guión adaptado Robert Bolt Ganador
Mejor fotografía Freddie Young Ganador
Mejor banda sonora Maurice Jarre Ganador
Mejor sonido Winston Ryder Candidato
Mejor vestuario Phyllis Dalton Ganador
Mejor dirección artística Gil Parrondo
Terence Marsh
Dario Simoni Ganadores
[editar] Globos de Oro 1966
Categoría Persona Resultado
Mejor Actor - Drama Omar Sharif Ganador
Mejor música Maurice Jarre Ganador
Mejor vestuario Phyllis Dalton Ganador
Mejor guión adaptado Robert Bolt Ganador
Mejor dirección artística Terence Marsh
Gil Parrondo Ganador
Mejor fotografía en color Freddie Young Ganador
[editar] Referencias

1. ↑ Aniversario de una estación de cine


[editar] Enlaces externos

* Colabora en Wikiquote Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Doctor Zhivago (película). Wikiquote
* Doctor Zhivago de David Lean
* Coloquio sobre la película en ¡Qué grande es el cine!, de José Luis Garci
* Trailer de 1965 de Doctor Zhivago.



Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Doctor_Zhivago_(pel%C3%ADcula)"
Categorías: Películas dirigidas por David Lean Películas de Estados Unidos Películas de Metro-Goldwyn-Mayer Películas de 1965 Películas dramáticas Películas basadas en novelas Películas rodadas en España

domingo, 21 de junio de 2009

Taras Bulba



Título
Taras Bulba
Ficha técnica
Dirección
J. Lee Thompson
Producción
Harold HechtSandy Whitelaw
Guión
Waldo SaltKarl Tunberg
Música
Franz Waxman
Fotografía
Joseph MacDonald
Reparto
Tony CurtisYul BrynnerSam WanamakerBrad DexterGuy RolfeChristine Kaufmann
Datos y cifras
País(es)
Estados UnidosYugoslaviaArgentina
Año
1962
Género
AventurasHistórica
Duración
122 minutos
Ficha en IMDb
Taras Bulba es una película basada en la novela del mismo título de Nikolái Gógol.

Argumento [editar]
La película trata sobre las disputas entre polacos (muy refinados) y cosacos (auténticos guerreros de las estepas, rudos y valientes) por las estepas rusas. Comienza con una alianza de ambos bandos en una guerra común. Pero una vez vencida la guerra gracias a la valentía de los cosacos, liderados por Taras Bulba (Yul Brynner), el general polaco los traiciona y asesina a la mayoría de la hermandad cosaca. Los supervivientes, Taras entre ellos, se esconden en las montañas.
Años más tarde, Taras Bulba ya tiene dos hijos, pero sigue fuerte y valeroso. El mayor de sus hijos (Tony Curtis) decide ir a estudiar a una ciudad polaca, donde lo tratan como a un perro. Aún así, se enamora de una mujer polaca, que le corresponde. Cuando al fin se va, no es capaz de desprenderse de su imagen; todos sus actos van encaminados a conseguirla.
Más tarde, el general polaco vuelve a convocar a los cosacos para guerrear, creyendo que habían olvidado antiguas ofensas. Pero Taras Bulba nunca olvida. Tiende una emboscada a los polacos, acabando con muchos y obligando al general a refugiarse en su ciudad, a la que pone sitio.
En la ciudad sitiada, en la que se encuentra la bella polaca a la que ama el hijo de Bulba, se declara la peste. Éste piensa que su deber de rescatarla está por encima de todo, así que entra en la ciudad para llevársela antes de que enferme. Pero los polacos los capturan y amenazan con matar a la mujer. Entonces, el hijo del general cosaco decide traicionar a su raza para salvarla.
Al mismo tiempo, uno de los generales de Taras Bulba decide que en el sitio de la ciudad están perdiendo el tiempo, y se va con su gente, dejando a Taras con muy pocos hombres frente a la ciudad polaca.
Alobject width="425" height="344"> ver que los cosacos se dividen, el general polaco saca a todos sus hombres de la ciudad y los lanza sobre los guerreros de Taras. Éste presenta batalla delante de la fortaleza, y allí descubre la traición de su hijo, luchando contra los de su raza. En un lugar apartado de la batalla, Taras Bulba da muerte a su hijo por su traición.
Tras resolver sus asuntos de honor familiar, Taras regresa a la lucha, y ordena a los cosacos retirarse hasta encontrar al general que se había despegado del resto del ejército durante el asedio. Éste general ataca por la retaguardia a las fuerzas polacas, y gracias a esto y al conocimiento del terreno del que disponen los cosacos, la ciudad cae en su poder.
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Taras_Bulba"

Sipnosis

Durante miles de años, arios y otros pueblos han luchado por la hegemonía en la región de Ucrania. En el siglo XVI, son el polaco y el turco los dos ejércitos que luchan por el poder en la zona. Finalmente la victoria se decanta del lado eslavo, gracias a la ayuda de los cosacos, comandados por Taras Bulba. El jefe de los polacos invita a los jefes aliados a brindar por la victoria. Sin embargo, sus agasajos son despreciados por Bulba, incapaz de subordinarse.

Sinopsis: Durante cuatro mil años, toda clase de razas, desde Tártaros y Búlgaros, pasando por Arios y Scintios han luchado en vano por controlar Ucrania, una tierra de hermosas estepas y ondulantes ríos. Finalmente, en el siglo XVI, el ejército turco esta arrollando a otro ejército, el polaco; miles de soldados cosacos se unirán a la lucha y expulsarán para siempre a los musulames de la zona. Los polacos, agradecidos, deciden celebrar una fiesta en honor de sus salvadores. Sin embargo, los cosacos parecen odiar de la misma forma a los turcos como a los polacos. Los encargados de ir a la recepción son Taras Bulba y sus ofciales.
Todo ellos se comportarán de manera orgullosa ante sus anfitriones. En el transcurso de la fiesta, los polacos, de manera traidora, rodearán a los líderes cosacos e intentarán matarlos. Taras Bulba logra huir con varios de sus hombres, después de herir al príncipe Grigory, máxima autoridad polaca de la región.
En los próximos tiempos se desarrollarán en medio de una paz tensa entre los dos bandos. En ese período Taras Bulba ha criado a dos hijos que ya se encuentran a su juventud. Se trata de Andrei y Ostap. Ver +

CRITICA
10 de 10 usuarios han encontrado esta crítica útil.
vircenguetorix Valladolid (España)
14 de Julio de 2008
Nómadas, guerreros y amantes de la libertad.
Aunque suela ser infinitamente menos conocido que otros escritores rusos del siglo XIX como León Tolstói o Fiódor Dostoyevski, mi favorito es sin lugar a dudas Nikolái Gógol, el único que sabe ser polivalente, y es que puede ser amargo, humorístico, romántico, dramático y entretenido, los demás siempre les faltó algún registro, Gogol los tuvo todos, de la parte más de aventuras tenemos esa pequeña joya –no llega a 200 páginas en las ediciones más voluminosas- que es “Taras Bulba”, un magnífico fresco, eso sí nacionalista, del pueblo cosaco por la lucha por su independencia de los polacos en el siglo XVI. La novela, aunque partidista, es excelente, y nos sirve para adentrarnos en la historia de ese maravilloso país que es Ucrania. No puedo decir lo mismo de la película, que es como Curro Romero, irregular, para matarlo en el primer toro y para sacarlo a hombros en el tercero. Vayamos con los puntos débiles en primer lugar, lo primero ¿Cómo va a ser Tony Curtis hijo de Yul Brynner? Sólo se llevaban cinco años, pero es que además no se parecen en nada. Curtis no tiene pinta de cosaco ni en las uñas de los pies. Un casting totalmente erróneo. El guión, demasiado empalagosa en su primer tercio, la historia de amor no tiene nada que ver con la novela –ya es algo habitual- y se ningunea demasiado al personaje de Taras Bulba que es el que más interés tiene. Aspectos positivos unos cuantos, el principal la banda sonora, no lo digo yo, lo dicen muchos que entienden, la música de Franz Waxman es una de las mejores composiciones de una película de aventuras y acción de todos los tiempos, sencillamente espectacular. Las escenas bélicas, muchas, buenas y bonitas, cuando la película sube de pulsaciones y se acerca a la taquicardia es cuando la vemos en su mayor esplendor, eso que la parte más folclórica no es tampoco nada desdeñable, y al menos se nota que se habían documentado algo más de lo que suele ser habitual en Hollywood.
Los rusos, que ahora andan con dinero, quieren produccir una nueva versión que saldría el próximo año, veremos como queda. J. Lee Thompson, uno de los directores que más gustó siempre de historias exóticas en su filmografía (India, México, Ucrania, Grecia, África, Oriente Medio...) está viviendo a primeros de los sesenta su mejor momento artístico y se nota para bien, desgraciadamente luego ya no podremos decir lo mismo.
Por cierto, una cosa a nuestro querido amigo de la otra crítica, la película se rodó –un parte- en Salta que está situada en el noroeste de la República Argentina, nada que ver con la Pampa. Una buena propuesta para cualquier tarde de verano, y si se acercan a la literatura de Gogol mucho mejor, comenzar por algo más ligero como “Tasas Bulba” es la mejor opción, así empecé yo y ahora es uno de mis escritores favoritos. Nota: 6,5
Trailers de la versión rusa




viernes, 17 de abril de 2009

Cine de Venezuela





De Wikipedia, la enciclopedia libre



Inicios [editar]
Las primeras películas realizadas en Venezuela fueron Célebre Especialista sacando muelas en el Gran Hotel Europa, y Muchachos Bañándose en la laguna de Maracaibo, ambas estrenadas el 28 de enero de 1897 en el Teatro Baralt de Maracaibo, y cuya realización generalmente es atribuida al realizador Manuel Trujillo Durán.[1] En este mismo año, otros pioneros del cine como Ricardo Rouffet y Carlos Ruiz Chapellín realizan algunos cortometrajes en la ciudad de Caracas.
Sería en 1916 cuando Enrique Zimmerman realiza la primera película larga de ficción de la cual se tiene registro: La Dama de las Cayenas o Pasión y Muerte de Margarita Gutiérrez. Ocho años después, en 1924, se filma La Trepadora, adaptación de la novela homónima de Rómulo Gallegos.
Hacia finales de los años 20, la actividad cinematográfica repunta cuando el Presidente Juan Vicente Gómez instala los Laboratorios Nacionales del Ministerio de Obras Públicas en la ciudad de Maracay. Igualmente, en Barquisimeto, Amábilis Cordero funda los Estudios Cinematográficos Lara. Con la salida de diversos noticieros y revistas, el cine nacional comienza a verse regularmente en las pantallas del país.

Llega el Sonido [editar]
Si bien en 1934 se hicieron algunos intentos de sonido con la película La Venus de Nácar, no sería hasta 1938 con el estreno del cortometraje Taboga que se puede hablar verdaderamente de cine sonoro en Venezuela. Igualmente se rueda el primer largometraje sonoro en el país: El Rompimiento, de A.M. Gómez.
A finales de la década de los treinta, Rómulo Gallegos crea los Estudios Ávila en la ciudad de Caracas, y a principios de los años 40, Guillermo Villegas Blanco constituye formalmente la empresa Bolívar Films, la cual comienza a realizar alianzas estratégicas con el mexicano Rodolfo Espino y el argentinoLino Veluvirretti, para producir largometrajes dentro de un esquema industrial. Tal vez su película más conocida La Balandra Isabel llegó esta tarde, de Carlos Hugo Christensen, llegó a ganar el premio a mejor fotografía en la cuarta edición del Festival Internacional de Cine de Cannes en el año 1951.
En el año 1959, la película documental Araya de Margot Benacerraf logra el Premio de la Crítica en el Festival de Cannes (compartido con Hiroshima, Mon Amour de Alain Resnais), el mayor reconocimiento obtenido por una película venezolana hasta el momento. La misma Benacerraf sería nombrada directora de la Cinemateca Nacional de Venezuela en 1966.


El Cine de los Años Sesenta [editar]
En el año de 1965, Mauricio Odremán Nieto estrena su película EFPEUM. Esta película, que puede ser catalogada como la primera película de ciencia ficción venezolana, nació prematuramente en una Venezuela que aún no había despertado del realismo, y que apenas comenzaba a aceptar el realismo mágico como un elemento de la cultura del venezolano. El cineasta comenta en su novela fantástica El día que todo haga Paff (1973) lo ocurrido con su película:
"...En esos días terminé el rodaje de la película de ciencia-ficción. Cuando la estrenaron, en ese recinto siniestro llamado Cinemateca, no asistí en presencia física, pero desdoblado y desde el astral procuré escuchar los comentarios. - "la Película más loca del año"- dijeron algunos, pero nadie comprendió el asunto del arquitecto con su Estructura-funcional-para-Encontrarse-uno-Mismo. Todo el mundo se rió a carcajadas y al parecer, los espectadores se divirtieron mucho, de lo lindo; mi intención no había sido realizar un film cómico, pero así resultó y eso era el éxito. Nunca más supe de "Efpeum", quedó en manos de los productores que la habrán enlatado y la tendrán debajo de un escritorio como hacen todos los negociantes en películas por estos lados del Atlántico..."
Mauricio Odremán Nieto. "El Día en que todo haga Paff". 1973

El Nuevo Cine Venezolano [editar]
En 1973, la película Cuando quiero llorar, no lloro de Mauricio Walerstein, basada en la novela homónima de Miguel Otero Silva, logra un éxito sin precedentes en taquilla, lo que comienza un boom del llamado Nuevo Cine Venezolano, corriente de cine social muy famosa en los años setenta y cuyos máximos exponentes serían, además de Walerstein, Román Chalbaud (especialmente con su film El Pez Que Fuma), y Clemente de la Cerda con Soy un Delincuente.[2]
Esta corriente se mantendría durante gran parte de los años ochenta, con películas como Macu, la mujer del policía de Solveig Hoogesteijn y Homicidio Culposo de César Bolívar. En el año 1984, seis películas venezolanas —La graduación de un delincuente, Macho y hembra, Ya-Koo, Oriana, El atentado y Más allá del silencio—, se encontrarían entre las diez películas más taquilleras del país. Sin embargo, durante esta década el país cae en una profunda crisis financiera, lo que repercute en una notable disminución del cine nacional.

La crisis de los noventa [editar]
Los años noventa comienzan con muy buen pie para el cine nacional. Se estrenan Jericó de Luis Alberto Lamata y Disparen a Matar de Carlos Azpúrua, ambas con gran éxito de taquilla y crítica, llegando incluso a conseguir varios premios internacionales.
En 1994 se decreta la Ley de Cinematografía Nacional, en la cual se establece la creación del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía. Sin embargo, el resto de la década se caracteriza por una escasa producción cinematográfica, siendo lo más resaltante las colaboraciones del matrimonio de Elia Schenider con José Ramón Novoa, con las películas Sicario (1995) (una de la más taquillera del país hasta ese momento), Huelepega: Ley de la calle (1997) y Garimpeiros (1999, conocida en el extranjero como Oro Diablo).

Nuevo siglo, nueva tecnología [editar]
En el año 2000 la cinta Manuela Sáenz, del realizador Diego Rísquez, logra un nuevo éxito de taquilla para el cine nacional. Sin embargo, el verdadero cambio en el cine venezolano se podría ver unos años después, en el 2003, con el estreno de Yotama se va Volando, de Luis Armando Roche y el mexicano Rodolfo Espino, primera cinta venezolana realizada en cine digital que es estrenada en salas comerciales.

En el año 2005 la cinta Secuestro Express, de Jonathan Jakubowicz, se convierte en la película nacional más vista en Venezuela. Igualmente se considera un gran éxito su venta a la distribuidora Miramax para su comercialización a nivel mundial. Este mismo año se estrena El Caracazo de Román Chalbaud, la cinta más costosa en la historia del cine venezolano. Además, entra en vigencia una Reforma a la Ley de Cinematografía Nacional que fomenta algunos cambios, tales como un porcentaje de cuota de pantalla para el cine venezolano, además de fomentar una mayor participación de la empresa privada en la actividad cinematográfica a través de diversos impuestos e incentivos fiscales.
La cinta Elipsis de Eduardo Arias-Nath, producida en el año 2006, fue estrenada el 29 de septiembre y es la primera película venezolana producida y distribuida por la 20th Century Fox y su división latinoamericana. Durante ese año se estrenaron once películas venezolanas en el país, siendo la más taquillera la cinta Francisco de Miranda, de Diego Rísquez.[3]
Producida en el año 2005, y estrenada el 15 de septiembre de 2007, sale la película Postales de Leningrado, de Mariana Rondón. Cinta que fue financiada por Ministerio de la Cultura, PDVSA y el canal Telesur. Hasta el momento una de las películas venezolanas más exitosas en el ámbito internacional, habiendo ganado el máximo galardón del Biarritz, Dos premios en la 31º Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, y una postulación al oscar del presente año, que está por disputarse en la categoría ¨Mejor película extranjera¨.
En el año 2007 se estrena la película "Miranda regresa" dónde se relata la historia de este prócer, producida por la fundación Villa del Cine, institución creada por el Gobierno Venezolano y dependiente del Ministerio del Poder Popular para la Cultura

Organizaciones [editar]

Instituciones y Gremios [editar]
Las instituciones y gremios más importantes del país son los siguientes.
El Centro Nacional Autónomo de Cinematografía es el ente rector de las políticas públicas cinematográficas.
La Asociación Nacional de Autores Cinematográficos es el principal gremio de cineastas del país.
La Cámara Venezolana de Productores de Largometrajes, el principal gremio de productores.
La Cinemateca Nacional, que dispone de una red de exhibición, organiza talleres y publica libros y DVD relacionados con el cine venezolano y mundial.

Casas Productoras [editar]
Las casas de producción en cine más grandes del país son las siguientes:
Bolívar Films.
Cinesa.
La Villa del Cine.
Cinema Sur.
La Movida Films.
Guakamaya Films.
Primeras Voces.

Distribución [editar]
Las principales empresas de distribución en Venezuela son:
Blancica.
Cines Unidos.
Disney de Venezuela.
Amazonia Films.

Exhibición [editar]
Más del 90% de las salas de exhibición del país se encuentran repartidas en dos circuitos comerciales:
Cinex.
Cines Unidos.
Además, existen circuitos alternativos de exhibición:
Circuito Gran Cine.
La Red de Salas Alternativas de la Cinemateca Nacional.

Personalidades [editar]

Cineastas destacados [editar]
Alberto Arvelo
Carlos Azpúrua
Margot Benacerraf
Román Chalbaud
Clemente de la Cerda
Solveig Hoogesteijn
Luis Alberto Lamata
José Ramón Novoa
Diego Rísquez
Luis Armando Roche
Alejandro Saderman
Elia Schneider
Fina Torres
Fernando Venturini
Mauricio Walerstein
Jesús Enrique Guédez
Rodolfo Espino

Actores y Actrices [editar]
María Conchita Alonso
Daniel Alvarado
Daniela Alvarado
Mariano Álvarez
Corina Azopardo
Haydée Balza
Amador Bendayán
Rafael Briceño
Alfredo Sandoval
Flavio Caballero
Simón Díaz
Elba Escobar
Gabriela Espino
Luis Fernández
Luke Grande
Dimas González
Joselo
Jéssika Grau
Jean Paul Lerox
Miguel Ángel Landa
Pedro Lander
Eliana López
Asdrúbal Meléndez
Laureano Olivares
Carlos Olivier
Guillermo González
Alicia Plaza
Eluz Peraza
Edgar Ramírez
Gustavo Rodríguez
Orlando Urdaneta
Lourdes Valera
Patricia Velásquez
Erich Wildpret
Doris Wells
Roque Valero
Carlos A. Cruz
Jerónimo Gil
Pastor Oviedo

Festivales y Premios [

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]
En Venezuela, los festivales han sido muy irregulares, los más desacados e importantes son:
Festival Nacional del Cortometraje "Manuel Trujillo Durán".
-Este festival se celebra en la ciudad de Maracaibo, estado Zulia. Se celebra bianualmente.
Festival de Cortos Estudiantiles de Caracas VIART.
-Con 13 ediciones se ha convertido en un punto de referencia del cine joven de Venezuela y de toda latinoamerica. En la última edición participaron 16 países para un total de 300 cortos aproximadamente. Dentro del festival se realizan talleres con talentos internacionales totalmente gratuitos, charlas, proyecciones y el concurso con buenos premios. Pero el futuro de este festival es incierto, dado a problemas internos del equipo organizador d
urante la edición 2008.

[1]Festival del Cine Venezolano
Desde el 2005, en la ciudad de Merida se congregan los largometrajes que cada año viene produciendo el país de forma ascendente.
En 1997 se realizó la quinta y última edición de este Festival en Caracas, pero en el 2005 la Fundación para el Desarrollo de las Artes y la Cultura FUNDEARC le dio impulso al Festival del Cine Venezolano, cuya intención original fue hacerlo cada dos años, pero como la creación de largometrajes en Venezuela parece en aumento ya se han realizado la edición del 2006, 2007 y en preparación la edición del 2008.
Véase www.fundearc.org
De igual forma, existen algunos premios que buscan el reconocimiento a la excelencia en la realización cinematográfica. Los tres más importantes son:
El Premio Nacional de Cine, entregado por el Ministerio del Porder Popular para la Cultura, para premiar la destacada trayectoria de una personalidad ligada al cine venezolano.

El Premio Municipal de Cine, entregado por la Comisión Permanente de Cultura del Municipio Libertador de Caracas.
Los Premios ANAC, entregados por la Asociación Nacional de Autores Cinematográficos, principal gremio de realizadores del país.

Escuelas de Cine [editar]

Educacíón Superior [


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]
En Venezuela existe solamente una escuela especializada en la enseñanza audiovisual a nivel universitario: la Escuela Nacional de Medios Audiovisuales, la cual fue creada en 1998 y funciona en la ciudad de Mérida, bajo el auspicio de la Universidad de Los Andes.
En todo el resto del territorio nacional, existen carreras universitarias que si bien no tratan exclusivamente esta área, pueden llegar a presentar ciclos o menciones que permiten a los estudiantes desarrollarse en el campo audiovisual. Algunas de estas son:
Universidad Central de Venezuela (Escuela de Artes Mención Cinematografía y Escuela de Comunicación Social)
Universidad Católica Andrés Bello (Escuela de Comunicación Social, mención Artes Audiovisuales)
Universidad Santa María (Escuela de Comunicación Social, mención Periodismo Audiovisual)
Universidad del Zulia (Escuela de Artes Escénicas y Audiovisuales, Escuela de Comunicación Social)
Universidad Rafael Belloso Chacín(Escuela de Comunicación Social, mención Audiovisual)
Universidad Bicentenaria de Aragua (Escuela de Comunicación Social, mención Audiovisual).
Universidad Bolivariana de Venezuela (Escuela de Comunicación Social)
Universidad Católica Santa Rosa (Escuela de Comunicación Social, mención Audiovisual)
Universidad Fermín Toro (Escuela de Comunicación Social)
Universidad de los Andes (Escuela de Medios Audiovisuales)
Universidad Católica Cecilio Acosta (Escuela de Comunicación Social y T.S.U en Artes Audiovisuales)
Universidad Arturo Michelena (Escuela de Comunicación Social, Mención Audiovisual)

Proyectos Futuros [editar]
En noviembre de 2006, el Presidente del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía, Luis Girón, anunció la intención del Estado de crear una Escuela Latinoamericana de Cine en Venezuela. En la actualidad se estudia la posibilidad de establecer su sede en Macuto.[4]

Referencias [editar]
Varios Autores. (1997) Filmografía venezolana: 1897-1938. Fundación Cinemateca Nacional. ISBN 980-07-4532-7.
Hernández, Tulio. Cronología del cine venezolano en Gobierno en línea (Consultado el 02/05/2007)
Cifras del Departamento de Estadísticas del CNAC, publicadas en Blogacine (Consultado el 02/05/2007)
Reseña en la Agencia Bolivariana de Noticias

Bibliografía [editar]
Guzmán Cárdenas, Carlos E. (2004) Las cifras del cine y el video en Venezuela. Fundación Polar. ISBN 980-379-088-9.
Izaguirre, Rodolfo. (1983) Cine venezolano: Largometrajes. Fundación Cinemateca Nacional.
Varios Autores. (1997) Filmografía venezolana: 1897-1938. Fundación Cinemateca Nacional. ISBN 980-07-4532-7.
Varios Autores. (2000) Filmografía venezolana: 1979-1999. Fundación Cinemateca Nacional. ISBN 980-07-7106-9.

Véase también [editar]
Películas de Venezuela
Directores de cine venezolanos
Guionistas venezolanos
Actores y actrices de Venezuela
Centro Nacional Autónomo de Cinematografía
Cinemateca Nacional de Venezuela

Enlaces externos [editar]
(http://www.cine100por100venezolano.blogspot.com/) Cine 100% Venezolano
(http://www.blogacine.com)blogacine/
[http://www.cnac.gob.ve/) Centro Nacional Autónomo de Cinematografía. Ente rector del cine nacional.
[http://www.ministeriodelacultura.gob.ve/) Ministerio del Poder Popular para la Cultura.
[http://www.villadelcine.gob.ve/)Fundación Villa del Cine
[http://www.cinemateca.gob.ve/ Cinemateca Nacional]Fundación Cinemateca Nacional.
(http://www.amazoniafilms.gob.ve/). Distribuidora Amazonia Films.
(http://anacvenezuela.blogspot.com/)ANAC Venezuela.
(http://www.bolivarfilms.com/)Bolívar Films
(http://www.grancine.net/). Circuito Gran Cine.
(http://www.cinex.com.ve/) Cinex Venezuela
(http://www.cinesunidos.com/) Cines Unidos Venezuela
(http://www.fundearc.org/) Fundearc. Mérida
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Cine_de_Venezuela"
Categoría: Cine de Venezuela
COMENTARIO:
..............Ambos documentales se soportan en las entrevistas a quienes impulsaron la creación del Fondo de Fomento Cinematográfico –el actual CNAC- y apostaron por una industria nacional del cine y las de un grupo de realizadores de la talla de Román Chalbaud, Clemente de la Cerda, Mauricio Wallerstein, Thaelman Urgelles, Solveig Hoogesteijn, entre otros, y con material de archivo de “Sagrado y Obsceno”, “Soy un delincuente”, “Domingo de Resurrección”, que junto a otras cintas fueron grandes éxitos de taquilla nacional.
Sergio Marcano, co director de La Edad de Oro, esta obra posibilita la apreciación del cine venezolano en su justa dimensión y contexto.
…permitirán entender las razones y el devenir de este segmento de industria cultural venezolana ya que muestra un cine desligado de la cultura oficial, que incluso dinamitaba las estructuras de las castas partidistas del momento, un cine con ideología sociopolítica clara, que desnudaba el alma del venezolano medio y que sin paqueterías, ni medias tintas, nos mostraba cómo era nuestra sociedad, con sus defectos e imperfecciones y las luchas por superarlos. Era un cine con agallas, con corazón, con alma, que mostraba nuestra realidad… lo que veremos en constituyen un relato vivo de nuestra historia cinematográfica más cercana, importante en un país que tiende a no prestar atención al conocimiento de su historia, para una mejor comprensión del presente.
No he visto aún el díptico, así que no me queda más remedio que citar a quien sí lo ha visto, Vicente Forte Sillié, de El Cinescopio:
Las tres películas me conmovieron profundamente en varios sentidos. En primer lugar, no sólo me dejaron claro lo poco que sé sobre cine venezolano, sino que despertaron en mi preguntas dormidas. ¿Por qué sé tan poco del cine nacional? ¿Es esta una condición muy cercana al hecho de que nos desconocemos como venezolanos? En segundo lugar, creo que la trilogía me tocó una fibra que debo resolver, una premura que antes no tenía y que ahora se me hace urgente: la de ver nuestro cine, revisitar nuestra filmografía e investigar sobre nuestros autores. ¿Es malo nuestro cine? ¿Sentimos vergüenza de nuestras películas? El tercer punto es sólo la consecuente reflexión que se origina de los dos anteriores: tenemos la obligación de rescatar materialmente nuestro cine. Resulta insólito y no deja de crearme cierta ansiedad el hecho de que nuestras películas estén desapareciendo o, en el mejor de los casos, resulte casi imposible conseguirlas en formatos como el DVD…
Forte Sillié, además, publica una larga entrevista con uno de los realizadores, Sergio Marcano que, creo, vale la pena leer.
Dice la sinopsis de este díptico documental:
A partir de el 1° de enero de 1976 –fecha de conclusión las concesiones de hidrocarburos a las compañías extranjeras que operaban en Venezuela y nacimiento PDVSA- Venezuela se beneficiaria directamente con el petróleo que brotaba de su suelo y toda esta riqueza dio paso a una época cierta prosperidad o apariencia de prosperidad en nuestra economía y sociedad.
El estado hace del cine una política cultural y subvenciona el nacimiento y la expresión de una generación de cineastas con un compromiso estético y argumental profundamente relacionado con nuestra sociedad y con nuestra idiosincrasia y que logro la empatía con el publico por mas de 10 años.
Esta es la historia de aquellos hombres excepcionales y de su compromiso con el desarrollo de un país con un potencial nunca bien comprendido por sus habitantes.


sábado, 25 de octubre de 2008

Del rosa al amarillo

Título original: Del rosa al amarillo
Año: 1963
Duración: 90
Compañía Productora: Eco Films S.A. Impala, S.A. Distribuidora: C.B. Films S.A. Distribuidora DVD: Sogepaq
Género: Comedia
Reparto: Antonio Alfonso Vidal, Antonio D. Olano, Cristina Galbó, José Vicente Cerrudo, Juan Ramón de la Cuadra, Júlio Martín, Lina Onesti, Manuel Summers, María Hevia, María Jesús Corchero, Pedro Díaz del Corral, Pilar Gómez Ferrer, Sergio Mendizabal, Valentín de Miguel, Vicente LLosá, Dirección: Manuel Summers, Productor: Francisco Lara, Manuel Summers, Guión: Manuel Summers, Música: Antonio Pérez Olea, Fotografía: Francisco Fraile, Montaje: Antonio Gimeno, Dirección artística: Recaudación: 19.884,05 € Espectadores: 36.760 Nacionalidad: España Fecha de Estreno: 05-09-1963 Trailer: Clasificacion: NO RECOM. MENORES DE 13 AÑOSUltima Actualización: 25-05-2005Fondo: Filmoteca BasecinePremios:




Sinopsis:
Guillermo, de 12 años, está enamorado de Margarita, de 13.


Un día Margarita, por medio de su mejor amiga, "La Ratona", confiesa a Guillermo que le gusta. Llegan las vacaciones. Margarita en la playa y Guillermo en el campo, intercambian cartas de amor. A la vuelta, Guillermo se pone sus primeros pantalones largos y corre a reunirse con su amada, pero sólo encuentra a "la Ratona" con un nuevo mensaje.

En la segunda historia, Valentín y Josefina pasan sus últimos años en el asilo. Como allí, hombres y mujeres están separados, se conforman con intercambiar cartas y tiernas miradas en la capilla, dadas las absurdas y obsoletas reglas del lugar...

GÉNERO Y CRÍTICA
Más información
Drama. Romance / SINOPSIS: Dos historias de amor destacan en esta película: dos niños de 12 y 13 años, Guillermo y Margarita, obligados a dejar de verse durante el verano, y una pareja de ancianos, Valentín y Josefa, que se aman en silencio en el asilo donde viven. (FILMAFFINITY)
Juan Miguel Lamet (Director cinemátografico de la epoca)
habla sobre "Del Rosa al Amarillo"







CRITICA



Del Rosa al Amarillo
Abril 3, 2001
DIRECTOR: Summers, Manuel
PAIS: España
A principios de los años sesenta, las tendencias del cine crítico promovido por las nuevas generaciones de realizadores, se encontraban en plena aceptación y desarrollo.
En 1963 Manuel Sumers, dibujante de humor ácido (“humor gris marengo”), inicia el trasplante a la pantalla su corrosiva filosofía gráfica.
En su primera película, “Del Rosa al Amarillo”, mezcla de forma inteligente, la historia del más inocente y candoroso amor, en dos casos aparentemente contrapuestos, con el mundo autoritario y represivo en el que se suceden.
En el primer relato, expone la ingenua aventura sentimental de un primer amor de pubertad (estilo que nos recuerda las formas de hacer, de la entonces naciente “nouvelle vague”). El argumento nos puede parecer tierno, nostálgico o divertido, pero la verdadera carga de profundidad, esta colocada en la cruda descripción, como escenario natural, de un sistema de educación, que visto con la suficiente perspectiva histórica, hiela la sonrisa al más escéptico.
En la segunda historia, el mismo candoroso sentimiento, se desarrolla ahora entre dos ancianos que viven (pero no conviven) en un asilo de monjas. Aquí la ternura se hace, quizás, excesivamente melodramática, pero como en la primera parte, el verdadero sentido del filme, esta en el retrato desnudo de la estremecedora realidad, que se desarrolla tras los muros de las entonces cínicamente llamadas “casas de amparo”.
Sorprende de Sumers, como, en su primera película, acierta perfectamente a combinar la nostalgia de la inocente adolescencia, o del idílico romance otoñal de dos abuelos, con la severa crítica a la dictadura política, social y religiosa del país. Y sorprende más, porque, a la postre, ésta va a ser su mejor obra y prácticamente la única que se pueda encuadrar en el cine de calidad de esa época; su obra posterior, se perderá cada vez más en una fracasada línea comercial y facilona.








Y....








Cancion de Joaquin Sabina
Del rosa al amarillo (doloras)
24 de Septiembre, 2007 Categoría: Sonetos
Por los cerros de Úbeda anduve el otro díade vuelta a los zaguanes azules de mi infancia,
los olivos bordaban su antigua geometría,
el tiempo es un exilio más cruel que la distancia.
Escarbé en los desvanes de los viejos baúlesbuscando en dobles fondos el eco de una brasa,
los años apolillan los besos y los tules,
ninguna edad es buena para volver a casa.
Con su trabajo sucio las uñas del olvidose ensañan con el luto del alma trashumante,de todo lo ganado, de todo lo perdido,
apenas sobrevive la sombra de un instante.
Aquí nací; sin bici ni perro que me ladre
dejé en los soportales la huella de mi canto.
Aquí, ya en otro siglo, las hijas de las madresque amé tanto me besan como se besa a un santo.
Yo iba a los salesianos, ella a las carmelitas,calcetinitos blancos y babi azul marino,la tarde que me dijo que sí la margarita
estrené un corazón fluvial y ultramarino.
Dormitaban los trenes en Linares-Baezasin pasar por tu Mágina,
pobre Muñoz Molina,la miel de otras colmenas hervía en mi cabeza,
entre tantos Martínez elegí ser Sabina.
Arrecia el vendaval de hojas de calendario,
la luna es un semáforo de carne de membrillo,
esta noche me espera Madrid, otro escenario
y tres generaciones del rosa al amarillo.
Poema: Del rosa al amarillo (doloras)
Año: 2007, Interviú