"Garbo, el espía", el español que engañó a los nazis

En 1940 se realizo la pelicula GARBO EL ESPIA y ahora en el 2009 se estrena un dcumental español sobre el mismo tema

La Mentira de Garbo estreno en cines. Madrid, 1940,Pelicula de Afganistan
Juan Puyol, autodidacta, gerente de una granja de pollos, conserje de hotel, empieza a planear su contribución al "bienestar de la humanidad", y decide ofrecerse a los británicos para "echarles una mano", pero su ingenuo plan fracasa. En lugar de desanimarse y abandonar, convence a los nazis de que puede trabajar para ellos. Sorprendentemente confían en él y lo contratan, su nombre en clave: Arabal.


Después de una serie de aventuras, Puyol es localizado por la Intelegencia Británica, que le convierte en agente doble.
Nombre en clave: Garbo.
Desde Londrés hace creer al Tercer Reich que el desembarco de Normandía no es más que una estrategia de engaño, ya que el verdadero desdembarco tendrá lugar en el Paso de Calais.

Treinta años más tarde, un escritor inglés de novelas de espías, Nigel West, empieza a dudar de su muerte, y empieza a buscarle, y le localiza en Venezuela, donde ha iniciado una nueva vida como profesor de inglés. Nadie en su entorno sabe de su participación en la guerra.

Esta esta es la historia "del mejor actor del mundo"


MALAGAES.COM
GRAN ÉXITO DE GARBO 'EL ESPIA' (Version 2009)



12/12/2009.- www.malagaes.com

IKIRU FILMS y GUMMO FILMS se complacen en informaros de que "GARBO. EL ESPÍA" ha obtenido cerca de 5.000€ por copia en su fin de semana de estreno. Dicha cifra la sitúa como la película más rentable por copia del fin de semana. Un éxito como éste, tratándose de un documental nacional, no se daba desde La pelota vasca, en Octubre de 2003.

Además, cabe recordar que, tras su paso por numerosos festivales internacionales, "GARBO. EL ESPÍA" ha obtenido recientemente el segundo lugar finalista en el Festival de Amsterdam y el Giraldillo de Oro al mejor documental en el Festival de Sevilla.


La crítica ha dicho:

"Una historia perfecta con un modo perfecto de ser contada. Deslumbrante". ABC. Oti Rguez. Marchante

"Film inclasificable, divertido y revelador. Una joya". Time Out. Núria Vidal.

"Apasionante". Cinemanía. Toni Vall.

"No te la pierdas". Fotogramas


"GARBO. EL ESPÍA" es un thriller documental sobre espías, agentes dobles, secretos y mentiras, hecho con fragmentos de películas de Hollywood, material de archivo, entrevistas y efectos digitales, cuya estructura nos fuerza a elegir nuestra particular interpretación sobre la verdad de Juan Pujol, el español que embaucó a los nazis.






Juan Pujol (Garbo)
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Juan Pujol, nombre en clave "Garbo", cuando trabajaba para el MI5Juan Pujol García (Barcelona, España, 14 de febrero de 1912 - Caracas, Venezuela, 10 de octubre de 1988) conocido por su nombre en clave británico Garbo, y por su nombre en clave alemán Arabel, fue un doble agente español que con la asistencia de su esposa, Araceli González Carballo González (Lugo, España, 1914 - Madrid, 1990) desempeñó un papel clave en el éxito del desembarco en Normandía al final de la Segunda Guerra Mundial, y cuyo protagonismo aún no ha sido totalmente desvelado. La información falsa que Pujol proporcionó a Alemania ayudó a convencer a Hitler de que el ataque principal sería más tarde y en otro lugar, lo que resultó en su decisión de reducir las tropas en la zona del desembarco


Agente del Reich [editar]Nacido en Barcelona, Pujol desarrolló una profunda aversión hacia la Alemania Nazi y la Unión Soviética después de sus vivencias del fascismo y del comunismo en España tras la guerra civil. Alrededor de 1940, decidió que debía contribuir al final de la guerra ayudando a Gran Bretaña, único adversario de Alemania en aquellas fechas.

Araceli González se dirigió entonces a la embajada británica en Madrid, donde ofreció los servicios de su marido como espía. Tras ser rechazado ofreció sus servicios al III Reich con la intención de servir como espía doble para los aliados. Una vez aceptado por los alemanes estableció una falsa red de espías e hizo pequeños trabajos para éstos, tales como retrasmitir códigos por radio... y volvió a ofrecer sus servicios al MI5, siendo esta vez aceptado, ya que el servicio de inteligencia británico había controlado sus pasos y conocía su situación (aunque esto él nunca lo llegó a saber).

Aunque operaba inicialmente desde Lisboa, fingía a los alemanes estar en Gran Bretaña. Inventaba informes ficticios sobre movimientos de barcos mercantes, convenciéndoles con éxito de que eran datos verdaderamente valiosos, gracias a información obtenida en la biblioteca de Lisboa y noticieros del cine. Fingía viajar por toda Gran Bretaña y enviaba sus partes de gastos, según los precios que obtenía de una guía de ferrocarriles británica. Al comienzo pasó ciertos apuros al no entender correctamente el sistema británico de moneda pre-decimal (libras, chelines y peniques), pero solventó sus problemas enviando los partes gasto por gasto, y arguyendo que ya enviaría el total más tarde.

Agente doble [editar]Llegó a Inglaterra en primavera de 1942 y operó como agente doble bajo el auspicio del Comité XX (Sistema de la Doble Cruz), una iniciativa de la Inteligencia Británica basada en la captura de agentes alemanes y su posterior conversión en agentes dobles para labores de contraespionaje o para maniobras de desinformación del enemigo. Su trabajo principal fue el de convencer a los alemanes que había conseguido reclutar a un gran número de agentes en Gran Bretaña, algunos de ellos personas de mucha influencia y con información valiosa. La dificultad de su trabajo radicaba en que debía en todo momento fabricar informes coherentes de todos los agentes que iba inventando y que no se contradijeran entre sí, sin perder credibilidad.

A veces debía inventar razones para explicar al Abwehr por qué uno de sus agentes había sido incapaz de informar sobre alguna operación que tarde o temprano llegaría a oídos alemanes y para no descubrir que todo era una farsa. En una ocasión informó que uno de sus agentes de Liverpool había caído enfermo justo antes de un gran movimiento de flota desde ese puerto a la costa oeste de Inglaterra. Al caer supuestamente enfermo, le fue imposible a ese espía transmitir aquella información. Para dar énfasis a su historia inventada, incluso tuvo que fingir la muerte de ese agente y hasta una esquela falsa fue publicada en un diario local. De esa forma, los alemanes creyeron su historia y hasta pagaron una pensión a la viuda del agente muerto.

La información que Pujol enviaba a los alemanes era inventada por sus superiores Británicos e incluía una gran parte de sucesos verdaderos para que los informes fueran más convincentes. A veces, se conseguía el efecto deseado mandando información genuina pero retrasando su llegada para que el daño fuera mínimo. Para ello a veces se recurría a matasellar una carta con una fecha anterior, pero no mandándola hasta la víspera del movimiento de tropas en cuestión para que cuando llegara pareciera un retraso del servicio de correos. Los alemanes pagaban a Garbo grandes cantidades de dinero para mantener su red de agentes, que en un momento dado llegó a contar con 27 personajes ficticios. Garbo gozó de bastante credibilidad entre sus superiores (tanto de un bando como del otro) lo que le llevó a adquirir el status de "A1 Agent".

Operación Fortitude [editar]Artículo principal: Operación Fortitude
El trabajo de desinformación de Garbo era parte de la Operación Fortitude, que convenció a Adolf Hitler y a muchos de sus colaboradores de que la invasión aliada ocurriría en el Estrecho de Calais, a 249 km de Normandía, y que el desembarco de Normandía era sólo una maniobra para atraer a las tropas alemanas lejos de Calais. De hecho, fue tal la credibilidad de la que gozó por parte de Hitler, que incluso una vez comenzado el desembarco, siguió pensando que esta no era la verdadera invasión, sino una mera distracción para el verdadero ataque en Calais. Para cuando Hitler se dió cuenta del engaño, la Operación Overlord ya había sido un éxito y las tropas aliadas ya se había adentrado demasiado, por lo que la movilización de las divisiones acorazadas no tendrían el mismo significado. Existe información sobre este espía en el Imperial War Museum de Londres, que incluye material altamente sensible desclasificado.

Condecoraciones [editar]Garbo tiene el honor de ser la primera y una de las pocas personas condecoradas con medallas de ambos bandos: la Cruz de Hierro alemana y la Orden del Imperio Británico.

Fin de la guerra [editar]Después de la guerra, Pujol se sintió atemorizado por posibles represarias políticas y se mudó a Venezuela, donde vivió en el anonimato. Murió en Choroní, cerca de Caracas en 1988.

Cinematografía [editar]Se encuentra en fase de montaje el documental "Hitler, Garbo...y Araceli", que descubre una colaboración de esta última en el trabajo de Garbo nunca conocidas.

Referencias [editar]Harris, Tomás (2000). Garbo The Spy Who Saved D-Day. The National Archives. ISBN 1-903365-58-9
Holt, Thaddeus, The Deceivers: Allied Military Deception in the Second World War (New York, Scribners, 2004)
Pujol, Juan, with Nigel West [Rupert Allason], Operation Garbo (Random House, New York, 1985)
Enlaces externos [editar]Breve biografía (en Inglés)
Biografía más extensa (en Español)
MI5: Garbo y el Desembarco de Normandía (en Inglés)
Nombre clave: Garbo (en español)
Documental: Garbo el Espía, el hombre que salvó el mundo. (en español

http://www.garbothemovie.com/

NOTA
Batalla de Normandía - Wikipedia, la enciclopedia libreIr a El desembarco, 6 de junio‎: También el 2º batallón Ranger de los estadounidenses desembarcó en Pointe du Hoc el 5 de junio de 1944 (un día antes) a ...
La Segunda Guerra Mundial fue el conflicto armado más grande y sangriento de la historia mundial, en el que se enfrentaron las Potencias Aliadas y las Potencias del Eje, entre 1939 y 1945. Fuerzas armadas de más de setenta países participaron en combates aéreos, navales y terrestres. Por efecto de la guerra murió alrededor del 2% de la población mundial de la época (unos 60 millones de personas), en su mayor parte civiles. Como conflicto mundial comenzó el 1 de septiembre de 1939 (si bien algunos historiadores argumentan que en su frente asiático se declaró el 7 de julio de 1937) para acabar oficialmente el 2 de septiembre de 1945.

Podran apreciar en la nota ke parece ke no cuadra la fecha de el estreno de la primera version de la pelicula, 1940 con las verdaderas.Como es material tan viejo puede ke tenga errores
Joakin

La socierdad de los poetas muertos

Basada en un impecable guión de Tom Schulman, ganador del Oscar en 1990, la película La sociedad de los poetas muertos expone el despertar adolescente al placer del lenguaje poético, al romanticismo, la búsqueda de la identidad y la canalización de las posibilidades vocacionales.

La película se torna indispensable para docentes preocupados por la formación de niños y jóvenes, además de ofrecerles información. Asimismo cuestiona a los padres que, aun con buenas intenciones y buscando lo mejor para sus hijos, no se detienen a pensar y sentir lo que éstos necesitan y quieren.

En el guión quedan perfectamente engarzados poemas de Walt Whitman, Henry D. Thoreau y Lord Tennyson, entre otros, así como unos diálogos verosímiles que en unas cuantas frases muestran la personalidad, los conflictos, las posibilidades y expectativas de sus personajes. El escenario es un colegio tradicional, rígido y exigente, donde el peso de la tradición gravita sobre las vidas y las conciencias de los jóvenes adolescentes, que son inscritos y presionados por sus acaudalados y severos padres.

La trama se presenta con unos leves y breves trazos, donde el conflicto queda expuesto y así conocemos a los personajes: padres, maestros y autoridades dispuestos a todo, menos a romper las reglas que han seguido por años, un conjunto de estudiantes, con distintas potencialidades de pensar y sentir a profundidad, y un maestro de literatura dispuesto a abrir las mentes y los corazones de sus alumnos al goce de la lectura y la libertad de pensamiento.


El tema principal cuestiona las prácticas rígidas y memorísticas de las escuelas tradicionales, contrastadas y retadas por este exalumno convertido ahora en maestro, que viene decidido a romper dichas formas de enseñanza y aprendizaje.

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ANALISIS DE LA PELÍCULA: "LA SOCIEDAD DE LOS POETAS MUERTOS"

Secuencia Narrativa:

Comienza un nuevo a?o lectivo en la Academia Welton (colegio para varones), era una escuela aislada y tradicional. Tiene 4 pilares a seguir; TRADICION, HONOR, DICIPLINA, EXELENCIA. Ese a?o, siete estudiantes conocer?n a un profesor cuyas ideas sobre la vida les inspirar?n para emprender la b?squeda de sus pasiones individuales, para explorar nuevos horizontes y descubrir la agitaci?n de un mundo m?s all? del estricto plan de estudios de Welton. Desafiando a las autoridades escolares y a los severos padres de los alumnos, el profesor John Keating, ser? para ellos algo m?s que un simple profesor. Ser? para ellos la inspiraci?n que haga de sus vidas algo extraordinario. Los alumnos comienzan a amar la poes?a y descubren la Sociedad de los Poetas Muertos, en la cual se escapaban por las noches, y se reunian a leer poesia, a entenderla y disfrutarla, y mas que nada a sentirla. Todo parecia venir bien, hasta que Nell, se ve como obligado y sin ganas de vivir por lo que su padre le hiso, ya que para Nell lo mas importante en su mundo era actuar, por esto se suicida.

El suicido de Nell es quiz?s una de las acciones m?s impactantes y tristes que se hayan mostrado en la pel?cula. Representa, para muchos j?venes, la impotencia ante un orden m?s all? de su comprensi?n. Al mismo tiempo, simboliza los l?mites de una libertad mal comprendida.

Al final, los personajes descubren que es in?til tratar de encontrar culpables. Tambi?n descubren- Y en forma dolorosa - que no tiene sentido tratar de imitar a nadie. La vida de cada persona es ?nica e inimitable. Es precisamente eso lo que hace de la vida algo tan precioso para cada uno de nosotros.

Personajes:

Robin Williams (John Keating)

Robert Sean Leonard (Nell Perry)

Ethan Hawke (Todd Anderson)

Josh Charles (Knox Overstreet)

Gale Hansen (Charlie Dalton)

Dylan Kussman (Richard Cameron)

Allelon Ruggiero (Steven Meeks)

James Waterston (Gerard Pitts)

Kurtwood Smith (Mr. Perry)

Ideas - Fuerza:

Adem?s de ser una pel?cula sobre el poder de la poes?a, La Sociedad de los Poetas Muertos, es una pel?cula que inspira la reflexi?n sobre la vida. "Aprovechen el d?a" dice en un momento clave el profesor de ingl?s. Y los j?venes se toman el consejo al pie de la letra.

Esta tambi?n presenta el dilema de la libertad en la b?squeda por vivir la vida. El entorno social de los j?venes de la misma no es precisamente el m?s propicio para seguir los consejos del Profesor Keating. De ah? que, en el intento por conseguir la libertad sobrevenga la tragedia.

Ideas y Fraces que rescato:

-No dejes que termine el d?a sin haber crecido un poco,
sin haber sido feliz, sin haber aumentado tus sue?os.

-No te dejes vencer por el desaliento.
-No permitas que nadie te quite el derecho a expresarte, que es casi un deber.

-No abandones las ansias de hacer de tu vida algo extraordinario.
-No dejes de creer que las palabras y las poes?as, s? pueden cambiar el mundo.

-Pase lo que pase nuestra esencia est? intacta.
-Somos seres llenos de pasi?n.

-La vida es desierto y es oasis.
-Nos derriba, nos lastima, nos ense?a, nos convierte en protagonistas de nuestra propia historia.

-Aunque el viento sople en contra, la poderosa obra contin?a: T? puedes aportar una estrofa.

-No dejes nunca de so?ar, porque s?lo en sue?os puede ser libre el Hombre.

-No caigas en el peor de los errores: el silencio. La mayor?a vive en un silencio espantoso.

-No te resignes. Huye.

-"Emito mis alaridos por los techos de este mundo", dice el poeta.

-Valora la belleza de las cosas simples. Se puede hacer bella poes?a sobre peque?as cosas.

-No traiciones tus creencias. Porque no podemos remar en contra de nosotros mismos: Eso transforma la vida en un infierno.

-Disfruta del p?nico que te provoca tener la vida por delante.

-V?vela intensamente, sin mediocridad.
-Piensa que en ti est? el futuro y encara la tarea con orgullo y sin miedo.

-Aprende de quienes puedan ense?arte.

-Las experiencias de quienes nos precedieron,
de nuestros "Poetas Muertos", te ayudan a caminar por la vida.

La sociedad de hoy somos nosotros:
Los "Poetas Vivos".
No permitas que la vida te pase a ti sin que la vivas...




Dead Poets Society (traducida en Argentina, Colombia y México como La sociedad de los poetas muertos y en España como El club de los poetas muertos) es una película estadounidense dirigida por Peter Weir en 1989 con guión de Tom Schulman. Protagonizada por Robin Williams, narra el encuentro de un profesor de literatura con un grupo de estudiantes durante 1959 en una prestigiosa y conservadora academia. A través de la poesía, el profesor inspira un cambio en las vidas de sus alumnos, que se rebelan contra el conservadurismo moral y reclaman su puesto en la sociedad. Ganó un Oscar al mejor guión original. En 1991 se publicó una adaptación del guión original, en forma de novela, escrita por la ex-reportera y editora Nancy H. Kleinbaum.[1]

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1 Argumento
2 Cita
3 Referencias
4 Enlaces externos


[editar] Argumento
La historia se sitúa en una de las academias más prestigiosas de los Estados Unidos, el colegio Welton, en donde cuatro postulados marcarán la vida de los jóvenes. Tales valores son los siguientes: “Tradición, honor, disciplina y excelencia”.

Es luego de ésto que las autoridades presentan al nuevo profesor de literatura: John Keating; que cambiará la vida de un pequeño grupo de jóvenes. Posteriormente a la ceremonia, los jóvenes se reúnen en sus habitaciones, y Todd Anderson conoce a Neil Perry. Después conocen a Knox Overstreet junto con Charles Dalton, quienes ya se conocían anteriormente.

Es en esta etapa donde se presenta en la película por primera vez el padre de Neil, que es una persona bastante bipolar y con creencias firmes en la que él tiene que decidir por el bien de su hijo y no Neil. Aquí es donde Neil da un giro de 180º en su personalidad y se convierte en una persona temerosa y sumisa en presencia de su progenitor. A pesar de que Neil muestra respeto hacia su padre no significa que esté de acuerdo con sus elecciones. Aunque, a pesar de esto, no tiene el valor suficiente como para contradecirlo (a pesar de ser una persona muy expresiva).

En los salones, los alumnos están esperando al nuevo maestro de literatura: John Keating. Éste, al llegar al salón, pasa despreocupado haciendo ademanes curiosos y jugando con las luces. Luego, les indica a los alumnos que salgan del salón.

Una vez fuera del salón, en un estante con recuadros de antiguos alumnos que Keating les cita un poema dedicado a Lincoln, llamado “Oh Capitán, mi Capitán” (de Walt Whitman dedicado al fallecido presidente Lincoln).

Innovadoramente, el señor Keating les dice que si son osados podrán llamarlo así. Les muestra un cuadro en donde aparece la primera generación egresada de Welton; en donde todos los estudiantes deben concentrarse y escuchar. De pronto una voz de carácter lúgubre y del más allá se escucha diciendo “Carpe diem”. Es Keating nuevamente, que les explica el sentido de la vida haciendo una analogía con los alumnos antiguos. Les explica que ellos no supieron aprovechar el tiempo, y ahora, desde el otro mundo ellos claman por los estudiantes nuevos, para que no pierdan lo que no podrán a volver a recuperar: “El Tiempo”. Es aquí donde el tópico más famoso de la historia entra en acción, donde cada adolescente comienza a aprender el sentido de aprovechar el día, así logrando romper los esquemas del pensamiento formal y preso de un sistema educacional autoritario, represivo y conservador.

Posteriormente, en una clase de literatura Keating les hace leer la introducción del libro de literatura que explica qué es la poesía, cómo se debe analizar y cómo se debe fabricar. “Basura”, dice Keating, y les hace arrancar toda la introducción del libro (he aquí otro acto rebelde para la época, e incluso para esta); pues la concepción de poesía para Keating es mucho más simplista: La poesía no tiene estructura, la poesía no tiene normas, sólo crea y piensa en algo, dale el énfasis que necesitas y rompe esquemas.

Más tarde los jóvenes se interesan por conocer quién fue Keating, por eso consiguen su anuario y se enteran de La Sociedad de los Poetas Muertos. Le preguntan qué es eso y Keating les responde que eran reuniones realizadas en la Cueva India en pro de fabricar poesía, en pro de pensar libremente y expresar sus emociones, una verborrea que fluía como la savia de un árbol lastimado. Los jóvenes se interesaron y quisieron participar en ella; reanimarla para poder salir de lo común. Tras largos intentos por reunirse, los jóvenes, encabezados por Neil, una noche escapan a la cueva y comienzan un ritual; el que se ve reflejado en que la cueva está libre de los prejuicios de la sociedad y no hay nadie que pueda oprimirlos. Tal es el gusto a la libertad que declaran la guerra a los cuatro pilares de Welton, reemplazándolos por los siguientes: “Travesura, horror, decadencia, pereza”.

Tras la primera vez de reunirse, los jóvenes le tomaron el gusto a la poesía, por lo que siguieron con las juntas. Los jóvenes, van desarrollando su libertad interna y sólo tratan de expresarla, por lo que Neil consigue el rol de protagonista en una obra de William Shakespeare. Todd logra despojar su timidez por un momento en una tarea de poesía, donde ésta fluyó espontánea, sin antes crearla. Knox se atrevió a declararle su amor a una joven sin importarle lo que pudiera suceder, y Charles invitó a dos chicas a la cueva, liberándose y planteando un tema: el de dejar entrar mujeres a Welton. Posteriormente se colocó un seudónimo: Nuwanda.

En una publicación de la revista escolar, Charles coloca en un acto de rebeldía un artículo en donde sin prejuicios se hace hincapié a dejar ingresar chicas a Welton, con la firma de La Sociedad de los Poetas Muertos, por lo que el rígido Sr. Nolan decide llamar a conferencia con los estudiantes para investigar quién fue el que quebrantó los pilares de Welton. De pronto, suena un teléfono. Contesta Charles Dalton y dice: “Señor Nolan, es para usted. Es Dios, dice que debería haber chicas en Welton”.

Keating va con los jóvenes reunidos y les dice que el “Carpe diem” no es sólo una oración común: para hacer uso de ella hay que usar la razón y tener la capacidad de anticiparse a las consecuencias. Neil se siente triste porque su padre le dice que abandone el papel principal de la obra y le hace caso. Para encontrarle una solución a esta problemática decide ir muy triste a hablar con Keating. Él le recomienda hablar, atreverse, mirar a los ojos a su padre y decirle lo que a él realmente le gusta en la vida: “Carpe diem”; nade se pierde con intentarlo. Neil decide hacerle caso y hablar con su padre, quien supuestamente le brinda la oportunidad de actuar. Se está presentando la obra que es El sueño de una noche de verano, que simboliza la única oportunidad que Neil tendrá para poder cumplir su sueño: Ser actor. Más repentinamente aparece su padre, quien, al concluir la obra, se lleva a casa a Neil sin felicitarlo por su excelente cometido.

Todos alababan a Neil pero su padre no supo reconocer esto. En la noche en un acto ritual, luego de una discusión vocacional, Neil saca la corona que había utilizado en la obra y la coloca con mucha impotencia y tristeza en la ventana; representando así que sus sueños se le iban por la borda; todo quedaba en el aire, y la única solución es poner fin a su vida porque piensa que aprovechó el momento mientras fue feliz y su vida ya no tiene sentido porque su padre no le dejaría serlo. Piensa que su padre así entenderá que lo que importa es lo que su hijo quería ser y no la arbitrariedad de su decisión de imponerle un futuro no deseado, para poder así ayudar a toda una comunidad que padece los mismos problemas en Welton. Tras el suicidio de Neil, los jóvenes acongojados de la SPM sienten que el padre del fallecido fue el culpable y le endosan toda esta responsabilidad a él. Al contrario, el Señor Perry dice a las autoridades de Welton que Keating está rebelando a sus hijos y está tratando de convertirlos en libres pensadores cuando sólo tienen 17 años.

Por lo que el profesor de literatura es, a los ojos de Nolan y sus séquitos de la dirección, el culpable de dicho acto tan terrible. Lo culpan para limpiar el nombre de la escuela Welton. Para poder culpar a Keating, antes realizan un sumario e investigación en donde se obliga a firmar a cada uno de los “Poetas Muertos” y a reconocer que Keating fue el artífice de esto. Pues Cameron, uno de los compañeros de los chicos, estuvo de acuerdo con la dirección y también le echó la culpa a Keating, haciendo una declaración. Sin más remedio que irse, Keating recogía sus pertenencias durante una clase, para luego cruzar el salón por última vez; esta vez con el pupitre de Neil Perry vacío. Es aquí cuando Todd Anderson se levanta repentinamente y dice: “Nos obligaron a firmar, señor Keating”. Los jóvenes, uno a uno comienzan a pararse sobre sus bancos diciendo: “Oh Capitán, mi Capitán” al que Keating responde con una breve y simple frase, pero que deja caer toda la gratitud, ya que no desecharon lo que él les enseñó e hicieron del “Carpe diem” una de las armas más letales contra la sociedad opresora: “Gracias muchachos, gracias”.

[editar] Cita
El día de hoy no se volverá a repetir. Vive intensamente cada instante. Lo que no significa alocadamente, sino mimando cada situación, escuchando a cada compañero, intentando realizar cada sueño positivo, buscando el éxito del otro, examinándote de la asignatura fundamental: el Amor. Para que un día no lamentes haber malgastado egoístamente tu capacidad de amar y dar vida por lo que continuara...

[editar] Referencias
↑ Kleinbaum, N. H. (1997). El club de los poetas muertos, 7ª edición, Barcelona:Plaza & Janés. ISBN 978-84-01-49186-3.
[editar] Enlaces externos
Wikiquote

Wikiquote alberga frases célebres de Dead Poets Society.
Dead Poets Society en Internet Movie Database
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Dead_Poets_Society"

Cine de Venezuela

De Wikipedia, la enciclopedia libre

Inicios [editar]
Las primeras películas realizadas en Venezuela fueron Célebre Especialista sacando muelas en el Gran Hotel Europa, y Muchachos Bañándose en la laguna de Maracaibo, ambas estrenadas el 28 de enero de 1897 en el Teatro Baralt de Maracaibo, y cuya realización generalmente es atribuida al realizador Manuel Trujillo Durán.[1] En este mismo año, otros pioneros del cine como Ricardo Rouffet y Carlos Ruiz Chapellín realizan algunos cortometrajes en la ciudad de Caracas.
Sería en 1916 cuando Enrique Zimmerman realiza la primera película larga de ficción de la cual se tiene registro: La Dama de las Cayenas o Pasión y Muerte de Margarita Gutiérrez. Ocho años después, en 1924, se filma La Trepadora, adaptación de la novela homónima de Rómulo Gallegos.
Hacia finales de los años 20, la actividad cinematográfica repunta cuando el Presidente Juan Vicente Gómez instala los Laboratorios Nacionales del Ministerio de Obras Públicas en la ciudad de Maracay. Igualmente, en Barquisimeto, Amábilis Cordero funda los Estudios Cinematográficos Lara. Con la salida de diversos noticieros y revistas, el cine nacional comienza a verse regularmente en las pantallas del país.

Llega el Sonido [editar]
Si bien en 1934 se hicieron algunos intentos de sonido con la película La Venus de Nácar, no sería hasta 1938 con el estreno del cortometraje Taboga que se puede hablar verdaderamente de cine sonoro en Venezuela. Igualmente se rueda el primer largometraje sonoro en el país: El Rompimiento, de A.M. Gómez.
A finales de la década de los treinta, Rómulo Gallegos crea los Estudios Ávila en la ciudad de Caracas, y a principios de los años 40, Guillermo Villegas Blanco constituye formalmente la empresa Bolívar Films, la cual comienza a realizar alianzas estratégicas con el mexicano Rodolfo Espino y el argentinoLino Veluvirretti, para producir largometrajes dentro de un esquema industrial. Tal vez su película más conocida La Balandra Isabel llegó esta tarde, de Carlos Hugo Christensen, llegó a ganar el premio a mejor fotografía en la cuarta edición del Festival Internacional de Cine de Cannes en el año 1951.
En el año 1959, la película documental Araya de Margot Benacerraf logra el Premio de la Crítica en el Festival de Cannes (compartido con Hiroshima, Mon Amour de Alain Resnais), el mayor reconocimiento obtenido por una película venezolana hasta el momento. La misma Benacerraf sería nombrada directora de la Cinemateca Nacional de Venezuela en 1966.


El Cine de los Años Sesenta [editar]
En el año de 1965, Mauricio Odremán Nieto estrena su película EFPEUM. Esta película, que puede ser catalogada como la primera película de ciencia ficción venezolana, nació prematuramente en una Venezuela que aún no había despertado del realismo, y que apenas comenzaba a aceptar el realismo mágico como un elemento de la cultura del venezolano. El cineasta comenta en su novela fantástica El día que todo haga Paff (1973) lo ocurrido con su película:
"...En esos días terminé el rodaje de la película de ciencia-ficción. Cuando la estrenaron, en ese recinto siniestro llamado Cinemateca, no asistí en presencia física, pero desdoblado y desde el astral procuré escuchar los comentarios. - "la Película más loca del año"- dijeron algunos, pero nadie comprendió el asunto del arquitecto con su Estructura-funcional-para-Encontrarse-uno-Mismo. Todo el mundo se rió a carcajadas y al parecer, los espectadores se divirtieron mucho, de lo lindo; mi intención no había sido realizar un film cómico, pero así resultó y eso era el éxito. Nunca más supe de "Efpeum", quedó en manos de los productores que la habrán enlatado y la tendrán debajo de un escritorio como hacen todos los negociantes en películas por estos lados del Atlántico..."
Mauricio Odremán Nieto. "El Día en que todo haga Paff". 1973

El Nuevo Cine Venezolano [editar]
En 1973, la película Cuando quiero llorar, no lloro de Mauricio Walerstein, basada en la novela homónima de Miguel Otero Silva, logra un éxito sin precedentes en taquilla, lo que comienza un boom del llamado Nuevo Cine Venezolano, corriente de cine social muy famosa en los años setenta y cuyos máximos exponentes serían, además de Walerstein, Román Chalbaud (especialmente con su film El Pez Que Fuma), y Clemente de la Cerda con Soy un Delincuente.[2]
Esta corriente se mantendría durante gran parte de los años ochenta, con películas como Macu, la mujer del policía de Solveig Hoogesteijn y Homicidio Culposo de César Bolívar. En el año 1984, seis películas venezolanas —La graduación de un delincuente, Macho y hembra, Ya-Koo, Oriana, El atentado y Más allá del silencio—, se encontrarían entre las diez películas más taquilleras del país. Sin embargo, durante esta década el país cae en una profunda crisis financiera, lo que repercute en una notable disminución del cine nacional.

La crisis de los noventa [editar]
Los años noventa comienzan con muy buen pie para el cine nacional. Se estrenan Jericó de Luis Alberto Lamata y Disparen a Matar de Carlos Azpúrua, ambas con gran éxito de taquilla y crítica, llegando incluso a conseguir varios premios internacionales.
En 1994 se decreta la Ley de Cinematografía Nacional, en la cual se establece la creación del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía. Sin embargo, el resto de la década se caracteriza por una escasa producción cinematográfica, siendo lo más resaltante las colaboraciones del matrimonio de Elia Schenider con José Ramón Novoa, con las películas Sicario (1995) (una de la más taquillera del país hasta ese momento), Huelepega: Ley de la calle (1997) y Garimpeiros (1999, conocida en el extranjero como Oro Diablo).

Nuevo siglo, nueva tecnología [editar]
En el año 2000 la cinta Manuela Sáenz, del realizador Diego Rísquez, logra un nuevo éxito de taquilla para el cine nacional. Sin embargo, el verdadero cambio en el cine venezolano se podría ver unos años después, en el 2003, con el estreno de Yotama se va Volando, de Luis Armando Roche y el mexicano Rodolfo Espino, primera cinta venezolana realizada en cine digital que es estrenada en salas comerciales.

En el año 2005 la cinta Secuestro Express, de Jonathan Jakubowicz, se convierte en la película nacional más vista en Venezuela. Igualmente se considera un gran éxito su venta a la distribuidora Miramax para su comercialización a nivel mundial. Este mismo año se estrena El Caracazo de Román Chalbaud, la cinta más costosa en la historia del cine venezolano. Además, entra en vigencia una Reforma a la Ley de Cinematografía Nacional que fomenta algunos cambios, tales como un porcentaje de cuota de pantalla para el cine venezolano, además de fomentar una mayor participación de la empresa privada en la actividad cinematográfica a través de diversos impuestos e incentivos fiscales.
La cinta Elipsis de Eduardo Arias-Nath, producida en el año 2006, fue estrenada el 29 de septiembre y es la primera película venezolana producida y distribuida por la 20th Century Fox y su división latinoamericana. Durante ese año se estrenaron once películas venezolanas en el país, siendo la más taquillera la cinta Francisco de Miranda, de Diego Rísquez.[3]
Producida en el año 2005, y estrenada el 15 de septiembre de 2007, sale la película Postales de Leningrado, de Mariana Rondón. Cinta que fue financiada por Ministerio de la Cultura, PDVSA y el canal Telesur. Hasta el momento una de las películas venezolanas más exitosas en el ámbito internacional, habiendo ganado el máximo galardón del Biarritz, Dos premios en la 31º Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, y una postulación al oscar del presente año, que está por disputarse en la categoría ¨Mejor película extranjera¨.
En el año 2007 se estrena la película "Miranda regresa" dónde se relata la historia de este prócer, producida por la fundación Villa del Cine, institución creada por el Gobierno Venezolano y dependiente del Ministerio del Poder Popular para la Cultura

Organizaciones [editar]

Instituciones y Gremios [editar]
Las instituciones y gremios más importantes del país son los siguientes.
El Centro Nacional Autónomo de Cinematografía es el ente rector de las políticas públicas cinematográficas.
La Asociación Nacional de Autores Cinematográficos es el principal gremio de cineastas del país.
La Cámara Venezolana de Productores de Largometrajes, el principal gremio de productores.
La Cinemateca Nacional, que dispone de una red de exhibición, organiza talleres y publica libros y DVD relacionados con el cine venezolano y mundial.

Casas Productoras [editar]
Las casas de producción en cine más grandes del país son las siguientes:
Bolívar Films.
Cinesa.
La Villa del Cine.
Cinema Sur.
La Movida Films.
Guakamaya Films.
Primeras Voces.

Distribución [editar]
Las principales empresas de distribución en Venezuela son:
Blancica.
Cines Unidos.
Disney de Venezuela.
Amazonia Films.

Exhibición [editar]
Más del 90% de las salas de exhibición del país se encuentran repartidas en dos circuitos comerciales:
Cinex.
Cines Unidos.
Además, existen circuitos alternativos de exhibición:
Circuito Gran Cine.
La Red de Salas Alternativas de la Cinemateca Nacional.

Personalidades [editar]

Cineastas destacados [editar]
Alberto Arvelo
Carlos Azpúrua
Margot Benacerraf
Román Chalbaud
Clemente de la Cerda
Solveig Hoogesteijn
Luis Alberto Lamata
José Ramón Novoa
Diego Rísquez
Luis Armando Roche
Alejandro Saderman
Elia Schneider
Fina Torres
Fernando Venturini
Mauricio Walerstein
Jesús Enrique Guédez
Rodolfo Espino

Actores y Actrices [editar]
María Conchita Alonso
Daniel Alvarado
Daniela Alvarado
Mariano Álvarez
Corina Azopardo
Haydée Balza
Amador Bendayán
Rafael Briceño
Alfredo Sandoval
Flavio Caballero
Simón Díaz
Elba Escobar
Gabriela Espino
Luis Fernández
Luke Grande
Dimas González
Joselo
Jéssika Grau
Jean Paul Lerox
Miguel Ángel Landa
Pedro Lander
Eliana López
Asdrúbal Meléndez
Laureano Olivares
Carlos Olivier
Guillermo González
Alicia Plaza
Eluz Peraza
Edgar Ramírez
Gustavo Rodríguez
Orlando Urdaneta
Lourdes Valera
Patricia Velásquez
Erich Wildpret
Doris Wells
Roque Valero
Carlos A. Cruz
Jerónimo Gil
Pastor Oviedo

Festivales y Premios [

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En Venezuela, los festivales han sido muy irregulares, los más desacados e importantes son:
Festival Nacional del Cortometraje "Manuel Trujillo Durán".
-Este festival se celebra en la ciudad de Maracaibo, estado Zulia. Se celebra bianualmente.
Festival de Cortos Estudiantiles de Caracas VIART.
-Con 13 ediciones se ha convertido en un punto de referencia del cine joven de Venezuela y de toda latinoamerica. En la última edición participaron 16 países para un total de 300 cortos aproximadamente. Dentro del festival se realizan talleres con talentos internacionales totalmente gratuitos, charlas, proyecciones y el concurso con buenos premios. Pero el futuro de este festival es incierto, dado a problemas internos del equipo organizador d
urante la edición 2008.

[1]Festival del Cine Venezolano
Desde el 2005, en la ciudad de Merida se congregan los largometrajes que cada año viene produciendo el país de forma ascendente.
En 1997 se realizó la quinta y última edición de este Festival en Caracas, pero en el 2005 la Fundación para el Desarrollo de las Artes y la Cultura FUNDEARC le dio impulso al Festival del Cine Venezolano, cuya intención original fue hacerlo cada dos años, pero como la creación de largometrajes en Venezuela parece en aumento ya se han realizado la edición del 2006, 2007 y en preparación la edición del 2008.
Véase www.fundearc.org
De igual forma, existen algunos premios que buscan el reconocimiento a la excelencia en la realización cinematográfica. Los tres más importantes son:
El Premio Nacional de Cine, entregado por el Ministerio del Porder Popular para la Cultura, para premiar la destacada trayectoria de una personalidad ligada al cine venezolano.

El Premio Municipal de Cine, entregado por la Comisión Permanente de Cultura del Municipio Libertador de Caracas.
Los Premios ANAC, entregados por la Asociación Nacional de Autores Cinematográficos, principal gremio de realizadores del país.

Escuelas de Cine [editar]

Educacíón Superior [


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En Venezuela existe solamente una escuela especializada en la enseñanza audiovisual a nivel universitario: la Escuela Nacional de Medios Audiovisuales, la cual fue creada en 1998 y funciona en la ciudad de Mérida, bajo el auspicio de la Universidad de Los Andes.
En todo el resto del territorio nacional, existen carreras universitarias que si bien no tratan exclusivamente esta área, pueden llegar a presentar ciclos o menciones que permiten a los estudiantes desarrollarse en el campo audiovisual. Algunas de estas son:
Universidad Central de Venezuela (Escuela de Artes Mención Cinematografía y Escuela de Comunicación Social)
Universidad Católica Andrés Bello (Escuela de Comunicación Social, mención Artes Audiovisuales)
Universidad Santa María (Escuela de Comunicación Social, mención Periodismo Audiovisual)
Universidad del Zulia (Escuela de Artes Escénicas y Audiovisuales, Escuela de Comunicación Social)
Universidad Rafael Belloso Chacín(Escuela de Comunicación Social, mención Audiovisual)
Universidad Bicentenaria de Aragua (Escuela de Comunicación Social, mención Audiovisual).
Universidad Bolivariana de Venezuela (Escuela de Comunicación Social)
Universidad Católica Santa Rosa (Escuela de Comunicación Social, mención Audiovisual)
Universidad Fermín Toro (Escuela de Comunicación Social)
Universidad de los Andes (Escuela de Medios Audiovisuales)
Universidad Católica Cecilio Acosta (Escuela de Comunicación Social y T.S.U en Artes Audiovisuales)
Universidad Arturo Michelena (Escuela de Comunicación Social, Mención Audiovisual)

Proyectos Futuros [editar]
En noviembre de 2006, el Presidente del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía, Luis Girón, anunció la intención del Estado de crear una Escuela Latinoamericana de Cine en Venezuela. En la actualidad se estudia la posibilidad de establecer su sede en Macuto.[4]

Referencias [editar]
↑ Varios Autores. (1997) Filmografía venezolana: 1897-1938. Fundación Cinemateca Nacional. ISBN 980-07-4532-7.
↑ Hernández, Tulio. Cronología del cine venezolano en Gobierno en línea (Consultado el 02/05/2007)
↑ Cifras del Departamento de Estadísticas del CNAC, publicadas en Blogacine (Consultado el 02/05/2007)
↑ Reseña en la Agencia Bolivariana de Noticias

Bibliografía [editar]
Guzmán Cárdenas, Carlos E. (2004) Las cifras del cine y el video en Venezuela. Fundación Polar. ISBN 980-379-088-9.
Izaguirre, Rodolfo. (1983) Cine venezolano: Largometrajes. Fundación Cinemateca Nacional.
Varios Autores. (1997) Filmografía venezolana: 1897-1938. Fundación Cinemateca Nacional. ISBN 980-07-4532-7.
Varios Autores. (2000) Filmografía venezolana: 1979-1999. Fundación Cinemateca Nacional. ISBN 980-07-7106-9.

Véase también [editar]
Películas de Venezuela
Directores de cine venezolanos
Guionistas venezolanos
Actores y actrices de Venezuela
Centro Nacional Autónomo de Cinematografía
Cinemateca Nacional de Venezuela

Enlaces externos [editar]
(http://www.cine100por100venezolano.blogspot.com/) Cine 100% Venezolano
(http://www.blogacine.com)blogacine/
[http://www.cnac.gob.ve/) Centro Nacional Autónomo de Cinematografía. Ente rector del cine nacional.
[http://www.ministeriodelacultura.gob.ve/) Ministerio del Poder Popular para la Cultura.
[http://www.villadelcine.gob.ve/)Fundación Villa del Cine
[http://www.cinemateca.gob.ve/ Cinemateca Nacional]Fundación Cinemateca Nacional.
(http://www.amazoniafilms.gob.ve/). Distribuidora Amazonia Films.
(http://anacvenezuela.blogspot.com/)ANAC Venezuela.
(http://www.bolivarfilms.com/)Bolívar Films
(http://www.grancine.net/). Circuito Gran Cine.
(http://www.cinex.com.ve/) Cinex Venezuela
(http://www.cinesunidos.com/) Cines Unidos Venezuela
(http://www.fundearc.org/) Fundearc. Mérida
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Cine_de_Venezuela"
Categoría: Cine de Venezuela

COMENTARIO:
..............Ambos documentales se soportan en las entrevistas a quienes impulsaron la creación del Fondo de Fomento Cinematográfico –el actual CNAC- y apostaron por una industria nacional del cine y las de un grupo de realizadores de la talla de Román Chalbaud, Clemente de la Cerda, Mauricio Wallerstein, Thaelman Urgelles, Solveig Hoogesteijn, entre otros, y con material de archivo de “Sagrado y Obsceno”, “Soy un delincuente”, “Domingo de Resurrección”, que junto a otras cintas fueron grandes éxitos de taquilla nacional.
Sergio Marcano, co director de La Edad de Oro, esta obra posibilita la apreciación del cine venezolano en su justa dimensión y contexto.
…permitirán entender las razones y el devenir de este segmento de industria cultural venezolana ya que muestra un cine desligado de la cultura oficial, que incluso dinamitaba las estructuras de las castas partidistas del momento, un cine con ideología sociopolítica clara, que desnudaba el alma del venezolano medio y que sin paqueterías, ni medias tintas, nos mostraba cómo era nuestra sociedad, con sus defectos e imperfecciones y las luchas por superarlos. Era un cine con agallas, con corazón, con alma, que mostraba nuestra realidad… lo que veremos en constituyen un relato vivo de nuestra historia cinematográfica más cercana, importante en un país que tiende a no prestar atención al conocimiento de su historia, para una mejor comprensión del presente.
No he visto aún el díptico, así que no me queda más remedio que citar a quien sí lo ha visto, Vicente Forte Sillié, de El Cinescopio:
Las tres películas me conmovieron profundamente en varios sentidos. En primer lugar, no sólo me dejaron claro lo poco que sé sobre cine venezolano, sino que despertaron en mi preguntas dormidas. ¿Por qué sé tan poco del cine nacional? ¿Es esta una condición muy cercana al hecho de que nos desconocemos como venezolanos? En segundo lugar, creo que la trilogía me tocó una fibra que debo resolver, una premura que antes no tenía y que ahora se me hace urgente: la de ver nuestro cine, revisitar nuestra filmografía e investigar sobre nuestros autores. ¿Es malo nuestro cine? ¿Sentimos vergüenza de nuestras películas? El tercer punto es sólo la consecuente reflexión que se origina de los dos anteriores: tenemos la obligación de rescatar materialmente nuestro cine. Resulta insólito y no deja de crearme cierta ansiedad el hecho de que nuestras películas estén desapareciendo o, en el mejor de los casos, resulte casi imposible conseguirlas en formatos como el DVD…
Forte Sillié, además, publica una larga entrevista con uno de los realizadores, Sergio Marcano que, creo, vale la pena leer.
Dice la sinopsis de este díptico documental:
A partir de el 1° de enero de 1976 –fecha de conclusión las concesiones de hidrocarburos a las compañías extranjeras que operaban en Venezuela y nacimiento PDVSA- Venezuela se beneficiaria directamente con el petróleo que brotaba de su suelo y toda esta riqueza dio paso a una época cierta prosperidad o apariencia de prosperidad en nuestra economía y sociedad.
El estado hace del cine una política cultural y subvenciona el nacimiento y la expresión de una generación de cineastas con un compromiso estético y argumental profundamente relacionado con nuestra sociedad y con nuestra idiosincrasia y que logro la empatía con el publico por mas de 10 años.
Esta es la historia de aquellos hombres excepcionales y de su compromiso con el desarrollo de un país con un potencial nunca bien comprendido por sus habitantes.

Driving Miss Daisy

Paseando a Miss Daisy
Título original
Driving Miss Daisy
Nacionalidad
Estados Unidos de América
Año
1989
Género
Drama
Formato
Color
Director
Bruce Beresford
Guión
Alfred Uhry
Fotografía
Peter James
Música
Hans Zimmer
Reparto
Morgan Freeman, Jessica Tandy, Dan Aykroyd

Sinopsis
Daisy (Tandy) es una vieja judia a la que tras un accidente automovilistico, su hijo (Aykroyd) le impone un chofer (Freeman) para que la acompañe a todos sitios. La relación entre el chofer y la vieja durará más de 30 años.

Crítica
Puntuacióndel crítico: 5Peliculilla con aspecto de haber sido echa para la televisión que en 1989 ganó el Oscar y yo aún sigo sin entenderlo porque la película no es nada del otro mundo y además está bastante mal estructurada ya que los saltos de tiempo están metidos a palanca y sin fu ni fa en 30 minutos el guionista te esplica 30 años de historia inconexos entre sí y que distinguimos por el horrible maquillaje que lucen los actores, quienes por cierto no estaban en su mejor momento, la Tandy (que le robó el Oscar Michelle Pfeiffer y Jessica Lange) en toda la película no hace absolutamente nada remarcable a excepción de ese patético momento de locura senil por el que probablemente la academia la votó; mientras que Morgan Freeman (en una de sus peores interpretaciones) se limita a reirse tontamente a cualquier parida que dice la vieja "Oh, señorita Daisy, ¡Qué cosas dice usted, Jojojojo!; y lo de Dan Aykroyd no tiene nombre, sale 10 minutos posando y por ello también le nominaron; sin mencionar la horrible y empalagosa música de Hans Zimmer.

Para verla si no hay algo más decente en la tele.Y por cierto por mucho que se ria Morgan Freeman y por mucho Globo de Oro de comedia que ganase, la película es puro drama.Palmarés:4 Oscar: Película, Actriz (Tandy), Guión adaptado y Maquillaje.Nominaciones: Actor (Freeman); Secundario (Aykroyd); Vestuario, Decoración y Montaje.3 Globos Oro: Película, Actor y Actriz.

Driving Miss Daisy
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Driving Miss Daisy
Título
Conduciendo a la señora DaisyPaseando a la señora DaisyEl chófer de la señora DaisyEl chófer y la señora Daisy
Ficha técnica
Dirección
Bruce Beresford
Producción
Richard D. ZanuckLili Fini Zanuck
Guión
Alfred Uhry
Música
Hans Zimmer
Fotografía
Peter James
Reparto
Jessica TandyMorgan FreemanDan AykroydPatti LuPone
Datos y cifras
País(es)
Estados Unidos
Año
1989
Género
DramaComedia
Duración
99 minutos
Compañías
Productora
Warner Bros
Ficha en IMDb
Driving Miss Daisy, también conocida como El chófer de la señora Daisy, Conduciendo a Miss Daisy, El chófer y la señora Daisy y Paseando a Miss Daisy es una película estadounidense de 1989, adaptada de la obra de Alfred Uhry Driving Miss Daisy para la Warner Brothers. La película fue dirigida por Bruce Beresford con Morgan Freeman y Jessica Tandy en los papeles protagonicos. La historia define a la señora Daisy y su punto de vista a través de una red de relaciones y emociones que se desarrollan en su casa, en la sinagoga, entre sus amigos y familiares, temores y preocupaciones. Hoke rara vez se ve fuera de la prescencia de la señora Daisy, aunque el título implica que la historia es contada desde su perspectiva. La película fue ganadora del premio de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas a mejor película en 1989.

Argumento [editar]
En 1948 la Señora Daisy Werthan, una viuda judía de 72 años, vive en Atlanta, Georgia, en la compañía de su trabajadora domestica afroamericana llamada Idella. Después de un accidente en su automovil Chrysler el hijo de la Señora Daisy, Boolie, le contrata un chofer porque ninguna compañía de seguro le asegurara, ella se niega, pero Boolie está decidido para encontrar uno. Mientras tanto, ella está parada en casa incapaz de relizar sus compras, visitas a sus amigos y asisitir a la iglesia, por no poder conducir. Boolie encuentra a un hombre, Hoke Colburn, la señora Daisy en un principio se niega a la ayuda de Hoke, ante el hecho de que las personas puedan llegar a creer que es demasiada vieja y tonta para para conducir. La señora Daisy llega a la aceptar Hoke y el hecho de que ella necesita ayuda para transportarse.

La señora Daisy descubre que Hoke no sabe leer, y por su antigua profesión como maestra le enseña cómo leer. La señora Daisy tiene que asistir a la fiesta de cumpleaños número noventa su hermano en Mobile, Alabama. Hoke le revela, durante el viaje, que es la primera vez que él ha salido del Estado de Georgia.

Durante su viaje de Atlanta a Mobile, la señora Daisy comprende en varias circunstancias durante el viaje sobre los aspectos sociales y los prejuicios raciales. Al paso del tiempo la señora Daisy toma aprecio por Hoke ante varias circunstancias. En 1965, mientras veían la televisión en la cocina, Idella muere. la señora Daisy entristece por la cercanía y el tiempo que compartió con Idella, y acompañada por su familia son las únicas personas blancas en el funeral. Ante los importantes cambio sociales de la época, la señora Daisy observa con especial atención los prejuicios y la discriminación hacia los negros y los judíos por lo que asiste al dicurso en Atlanta del Dr. Martin Luther King, invitando inicialmente Boolie a la cena, pero él se medita sobre su posición y los pensamientos de sus asociados ante la asistencia al acto y sugiere a la señora Daisy invitar a Hoke. la señora Daisy no menciona la invitación a Hoke hasta que él está llevándole a la cena. Su renuencia a invitar a Hoke subraya el racismo pasivo que a menudo pasa desapercibido en comparación con el racismo más abierto y agravado.

Pocos años más tarde, Hoke se llega a casa casa de la señora Daisy y la encuentra en un estado de confusion, él llama Boolie y le dice que su madre se encuentra mal. Antes de la llegada de Boolie logra tranquilizar a la señora Daisy y ella le revela a Hoke que él es su mejor amigo sujetándole mano. Boolie decide que lo mejor para su madre es que sea atendida en una casa de retiro. Dos años más tarde, en 1973, Boolie decide vender la casa de la señora Daisy, y Hoke se ha retirado de la conducción.

Hoke ahora cuenta con 85 años y la señora Daisy con 97 años. Boolie y Hoke se reúnen por último en casa de la señora Daisy y parten de ella a la casa de retiro para visitar la señora Daisy. La película termina con Hoke dando de comer una pieza de pie a la señora Daisy, ambos recordando viejos tiempos y mezclado con la imagen del Hudson que inicialmente Hooke condujo para la señora Daisy desplazandoce por la una calle con rumbo al horizonte.

Comentarios [editar]
Driving Miss Daisy es una la primera obra de teatro de la denominada "Trilogía de Atlanta" de Alfred Uhry, en las que se narra la vida de algunos miembros de la comunidad judía en la ciudad de Atlanta, Georgia. Alfred Uhry consiguió un gran éxito con su obra, llegando a ganar el Premio Pulitzer para obras dramáticas.
El titulo de la película debe ser interpretado como Manejando a la señora Daisy por el papel de Hoke al lidiar con el caracter de la señora Daisy

VIDEOS MUSICALES DE DRIVING MISS DAISY

http://www.solorecursos.com/musica/musica-video.php?id=Driving+Miss+Daisy