Del rosa al amarillo

Título original: Del rosa al amarillo

Año: 1963

Duración: 90

Compañía Productora: Eco Films S.A. Impala, S.A. Distribuidora: C.B. Films S.A. Distribuidora DVD: Sogepaq

Género: Comedia

Reparto: Antonio Alfonso Vidal, Antonio D. Olano, Cristina Galbó, José Vicente Cerrudo, Juan Ramón de la Cuadra, Júlio Martín, Lina Onesti, Manuel Summers, María Hevia, María Jesús Corchero, Pedro Díaz del Corral, Pilar Gómez Ferrer, Sergio Mendizabal, Valentín de Miguel, Vicente LLosá, Dirección: Manuel Summers, Productor: Francisco Lara, Manuel Summers, Guión: Manuel Summers, Música: Antonio Pérez Olea, Fotografía: Francisco Fraile, Montaje: Antonio Gimeno, Dirección artística: Recaudación: 19.884,05 € Espectadores: 36.760 Nacionalidad: España Fecha de Estreno: 05-09-1963 Trailer: Clasificacion: NO RECOM. MENORES DE 13 AÑOSUltima Actualización: 25-05-2005Fondo: Filmoteca BasecinePremios:

Sinopsis:
Guillermo, de 12 años, está enamorado de Margarita, de 13.

Un día Margarita, por medio de su mejor amiga, "La Ratona", confiesa a Guillermo que le gusta. Llegan las vacaciones. Margarita en la playa y Guillermo en el campo, intercambian cartas de amor. A la vuelta, Guillermo se pone sus primeros pantalones largos y corre a reunirse con su amada, pero sólo encuentra a "la Ratona" con un nuevo mensaje.

En la segunda historia, Valentín y Josefina pasan sus últimos años en el asilo. Como allí, hombres y mujeres están separados, se conforman con intercambiar cartas y tiernas miradas en la capilla, dadas las absurdas y obsoletas reglas del lugar...

GÉNERO Y CRÍTICA
Más información
Drama. Romance / SINOPSIS: Dos historias de amor destacan en esta película: dos niños de 12 y 13 años, Guillermo y Margarita, obligados a dejar de verse durante el verano, y una pareja de ancianos, Valentín y Josefa, que se aman en silencio en el asilo donde viven. (FILMAFFINITY)

Juan Miguel Lamet (Director cinemátografico de la epoca)

habla sobre "Del Rosa al Amarillo"

http://www.youtube.com/watch?v=fqpVbwMcV_Y

CRITICA

Del Rosa al Amarillo
Abril 3, 2001

DIRECTOR: Summers, Manuel

PAIS: España

A principios de los años sesenta, las tendencias del cine crítico promovido por las nuevas generaciones de realizadores, se encontraban en plena aceptación y desarrollo.
En 1963 Manuel Sumers, dibujante de humor ácido (“humor gris marengo”), inicia el trasplante a la pantalla su corrosiva filosofía gráfica.

En su primera película, “Del Rosa al Amarillo”, mezcla de forma inteligente, la historia del más inocente y candoroso amor, en dos casos aparentemente contrapuestos, con el mundo autoritario y represivo en el que se suceden.
En el primer relato, expone la ingenua aventura sentimental de un primer amor de pubertad (estilo que nos recuerda las formas de hacer, de la entonces naciente “nouvelle vague”). El argumento nos puede parecer tierno, nostálgico o divertido, pero la verdadera carga de profundidad, esta colocada en la cruda descripción, como escenario natural, de un sistema de educación, que visto con la suficiente perspectiva histórica, hiela la sonrisa al más escéptico.
En la segunda historia, el mismo candoroso sentimiento, se desarrolla ahora entre dos ancianos que viven (pero no conviven) en un asilo de monjas. Aquí la ternura se hace, quizás, excesivamente melodramática, pero como en la primera parte, el verdadero sentido del filme, esta en el retrato desnudo de la estremecedora realidad, que se desarrolla tras los muros de las entonces cínicamente llamadas “casas de amparo”.
Sorprende de Sumers, como, en su primera película, acierta perfectamente a combinar la nostalgia de la inocente adolescencia, o del idílico romance otoñal de dos abuelos, con la severa crítica a la dictadura política, social y religiosa del país. Y sorprende más, porque, a la postre, ésta va a ser su mejor obra y prácticamente la única que se pueda encuadrar en el cine de calidad de esa época; su obra posterior, se perderá cada vez más en una fracasada línea comercial y facilona.

Y....

Cancion de Joaquin Sabina

Del rosa al amarillo (doloras)
24 de Septiembre, 2007 Categoría: Sonetos
Por los cerros de Úbeda anduve el otro díade vuelta a los zaguanes azules de mi infancia,

los olivos bordaban su antigua geometría,

el tiempo es un exilio más cruel que la distancia.
Escarbé en los desvanes de los viejos baúlesbuscando en dobles fondos el eco de una brasa,

los años apolillan los besos y los tules,

ninguna edad es buena para volver a casa.
Con su trabajo sucio las uñas del olvidose ensañan con el luto del alma trashumante,de todo lo ganado, de todo lo perdido,

apenas sobrevive la sombra de un instante.
Aquí nací; sin bici ni perro que me ladre

dejé en los soportales la huella de mi canto.

Aquí, ya en otro siglo, las hijas de las madresque amé tanto me besan como se besa a un santo.
Yo iba a los salesianos, ella a las carmelitas,calcetinitos blancos y babi azul marino,la tarde que me dijo que sí la margarita

estrené un corazón fluvial y ultramarino.
Dormitaban los trenes en Linares-Baezasin pasar por tu Mágina,

pobre Muñoz Molina,la miel de otras colmenas hervía en mi cabeza,

entre tantos Martínez elegí ser Sabina.
Arrecia el vendaval de hojas de calendario,

la luna es un semáforo de carne de membrillo,

esta noche me espera Madrid, otro escenario

y tres generaciones del rosa al amarillo.

Poema: Del rosa al amarillo (doloras)

Año: 2007, Interviú

Cine chileno de hoy

Lo mejor del cine contemporáneo chileno en la sala Charles Chaplin La sede de la Cinemateca de Cuba, acogerá entre el 1ro. y el 7 de septiembre, una muestra cinematográfica que nos actualizará sobre lo más reciente de esa filmografía

Por: Joel del Río

Correo: cult@jrebelde.cip.cu
La popular actriz argentina Cecilia Roth encabeza el elenco de la pelicula Padre nuestro, de Rodrigo Sepuvélda.
Del 1ro. al 7 de septiembre la Cinemateca de Cuba, con sede en el cine Charles Chaplin, programa una jornada de cine chileno contemporáneo que incluye siete destacados títulos, cuatro de ellos estrenos absolutos en Cuba. Valga este botón de muestra para propiciar el acercamiento a una cinematografía antes tan cercana y ahora tan desconocida como distante, a pesar de que hemos aplaudido, entre 2000 y 2007, títulos chilenos de tanto realce como Coronación, En la cama, Play, Machuca, B-Happy y Taxi para tres, por solo mencionar algunos de indiscutible calidad. Pero la muestra no incluye ninguno de estos, pues se pretende más bien actualizar sobre lo más reciente que presentar una antología.

La acción de La sagrada familia, una de las películas «insignias» de esta muestra, ocurre en la casa de playa de una acomodada y actual familia chilena, durante el feriado de Semana Santa. Un dueño de casa exitoso y egocéntrico, una madre desorientada y un hijo, Marco, anulado por su progenitor, componen esta familia que cambiará de golpe cuando llegue Sofía, novia del joven y dueña de una perturbadora intensidad erótica.

La actriz Patricia López presentará dicho filme en la función inaugural de esta semana de cine, dedicada a demostrar la emergencia de una cinematografía clasificada, desde ya, entre las más promisorias y reanimadas de Latinoamérica. El filme ha sido premiado en Viña del Mar, Toulouse (mejor filme), Festival de Cine Independiente de Buenos Aires, muestra de Leida, Seúl (mejor filme), Santa Cruz y Guayaquil, entre otros.

Muy galardonada internacionalmente también ha sido Mi mejor enemigo, de Alex Bowen, que retrocede a diciembre de 1978, cuando Chile y Argentina están a días de comenzar un enfrentamiento armado en la frontera sur. En la Patagonia, una patrulla chilena rompe accidentalmente su brújula y se pierde en la inmensidad de la pampa. Cavan sus trincheras en algún lugar sin saber si es Chile o Argentina. Comienza una larga espera que interrumpirá una patrulla argentina que se instala frente a ellos. Ambas patrullan esperan ahora la guerra, pero la tensa espera dará paso a la amistad que se da entre seres humanos que son enemigos, pero que, confundidos por la soledad de la pampa, transitan en una frágil línea entre el deber y el querer, contando así una profunda historia humana. Mi mejor... recibió honores en los festivales de Bruselas, Los Ángeles, Valdivia, Lima y Cartagena.

Al igual que Mi mejor... también gira en torno al pasado Días de campo, el más reciente empeño de Raúl Ruiz por el cine de su país. Hay dos hombres, aparentemente muertos, que se encuentran en un bar y comienzan a hablar del pasado. Don Federico, de 90 años, recuerda su madurez en una antigua hacienda y a los personajes que rodearon su existencia en ese lugar, mientras intenta permanentemente terminar la novela que escribe...

Ruiz es uno de los cineastas chilenos más conocidos mundialmente. Se exilió en Francia luego del golpe pinochetista y ha conseguido el raro privilegio de mantenerse realizando un cine de vanguardia, intelectualizado y provocador, a lo largo de 30 años, por solo contar su experiencia fuera de Chile, pues en el breve período de la Unidad Popular, anterior al golpe militar, Ruiz realizó dos de las mejores películas nacionales de todos los tiempos: Palomita blanca y Tres tristes tigres.

Si en este festival de cine chileno hay una «sagrada familia», también se cuenta con un «padre nuestro». Rodrigo Sepúlveda dirigió a la eminente actriz argentina Cecilia Roth en un filme titulado del mismo modo que la oración canónica de la cristiandad: Padre Nuestro, una historia emocionante, llena de detalles de la vida común, que muestra cómo, a pesar de todo, siempre hay una última oportunidad para el reencuentro y la comprensión entre los padres y los hijos, a diferencia de la roñosa y gritadora serie argentina Montaña rusa que, supongo, llegará al final algún día.


La última luna, de Miguel Littín ya fue vista en el festival internacional del nuevo cine latinoamericano.
También se exhibe El baño, debut de Gregory Cohen dedicado a mostrar, desde una cámara fija, los cambios culturales, sociales y domésticos acaecidos en el país sudamericano entre 1968 y 1988. Hippies, dueñas de casa, maestros, profesionales, víctimas, victimarios, aparecen en este baño, con su humor, pasiones y miedos, sin saber que siempre hay un Ojo que los está observando...

Menos panorámica y más intimista es El rey de San Gregorio, que narra la vida de Pedro Vargas —quien se interpreta a sí mismo—, un hombre de 30 años que vive en la población de San Gregorio y presenta una discapacidad física y cierto grado de discapacidad mental. Sin embargo, ninguno de estos factores impide que sea el protagonista de una hermosa historia de amor junto a su «princesa» Cati, una chica que presenta un grado severo de discapacidad mental. Ellos deben luchar por su amor, a pesar de la sobreprotección y miedos de sus familias.

Si está en la semana Raúl Ruiz, no tiene por qué faltar el otro gran director chileno consagrado también a finales de la década de 1970. Miguel Littín, el autor de ese clásico que sigue siendo El chacal de Nahueltoro aparece con su filme más reciente, La última luna, el relato de cómo comenzaron a construir una casa en la colina de Judea, Soliman, un joven palestino, y Jacob, su amigo judío, mientras la aparente quietud del lugar es interrumpida por ráfagas de violencia que anticipan los futuros días de la guerra.

Cuando se estrenó en el Festival de La Habana, el colega Rolando Pérez Betancourt aseguró en Granma que La última luna era una de las mejores películas de Littín, «sensible y contenida, sin ser didáctica», «cine para aprender y disfrutar las perspectivas del arte».

En ocasión del Festival de La Habana al que hacía referencia, nos visitó Miguel Littín, y en una entrevista con Frank Padrón emitió las siguientes opiniones sobre el cine chileno hecho por jóvenes, como lo son la mayoría de los realizadores que integran esta jornada de la Cinemateca: «La nueva generación de cineastas chilenos es atrevida, audaz y talentosa; son jóvenes, y ser jóvenes, decía Allende, es sinónimo de rebeldía. Buscan su camino en medio del marasmo y del caos de una sociedad neoliberal confusa y perversa, y allí están desafiantes e iconoclastas; sus obras están abriendo caminos».

Valga la recomendación experta y penetrante, aunque venga de bien cerca.

KLUTE

TITULO ORIGINAL
Klute
AÑO
1971
DURACIÓN
114 min.
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PAÍS
DIRECTOR
Alan J. Pakula
GUIÓN
Andy K. Lewis & Dave Lewis
MÚSICA
Michael Small
FOTOGRAFÍA
Gordon Willis
REPARTO
Jane Fonda, Donald Sutherland, Roy Scheider, Charles Cioffi, Dorothy Tristan, Rita Gam, Anthony Holland, Shirley Stoller, Richard B. Shull
PRODUCTORA
Warner Bros. Presents an Alan J. Pakula Production
GÉNERO Y CRÍTICA
Más información
1971: 1 Oscar mejor actriz (Jane Fonda) / Intriga / SINOPSIS: Un hombre ha desaparecido sin dejar rastro en Nueva York. Klute (Donald Sutherland), un policia íntimo amigo suyo, encuentra una pista en unas cartas que aquel le escribía a una prostituta llamada Bree (Jane Fonda), así que va a buscarla para interrogarla, iniciando con ella una relación amorosa tempestuosa. Simultaneamente, Klute prosigue con sus investigacioens en los bajos fondos cuando, de pronto, las prostitutas empiezan a ser asesinadas, y Klute piensa que Bree puede ser la próxima víctima. (FILMAFFINITY)----------------------------------------"Intriga policial dirigida con maestría y excelente ambientación" (Fernando Morales: Diario El País)----------------------------------------"Sutherland anima uno de esos detectives con vocación de eternidad. Un thriller con profundo y desgarrado sabor clásico" (Luis Martínez: Diario El País)----------------------------------------

Klute es una película de 1971, del género policiaco, dirigida por Alan J. Pakula, que trata de la historia de una prostituta que colabora con un detective en la solución de un caso. Está interpretada en los roles principales por Jane Fonda, Donald Sutherland, Charles Cioffi, Dorothy Tristan, Vivian Nathan y Roy Scheider. Jane Fonda obtuvo un Oscar a la mejor actriz y el film fue nominado al Oscar al mejor guión original.

COMENTARIO:

El estilo algo moroso, detallista, recreativo y minucioso de Alan J. Pakula le viene a esta gran película como anillo al dedo. Tanto que es probablemente y con mucha diferencia su mejor cinta, la más contundente y en la que más se justifica esa obsesión en la obra del director por dotar de un sólido trasfondo psicológico a sus personajes para justificar así todas sus acciones que en el caso de Klute son bastante complejas y sorprendentes pero siempre comprensibles.
Klute es no solamente un” thriler” muy competente, también indaga con la certeza de un entomólogo en la sociedad de los primeros años 70 y concibe un retrato inteligente y certero de ese momento a través de las peripecias de una prostituta acosada por un maniaco (en aquel momento los psicópatas aún no tenían carta de naturaleza en el cine como tales) Pakula consigue un deslumbrante y muy humano retrato de personajes espléndidamente servidos por la pareja protagonista.
Obra nada complaciente y de una gran dureza para su época, tan solo se ve perjudicada por un final bastante previsible, pero curiosamente la fuerza de su puesta en escena y su ínterés innegable consigue que esto importe poco, ya que su argumento detectivesco pasa a un segundo plano para ceder importancia a ese fascinante retrato de personajes y situaciones muy novedoso y meritorio en su momento y que con el paso de los años han derivado en clichés cinematográficos manidos y usados en multitud de películas con bastante menos fortuna.

Jane Fonda se adueña de la película desde la primera escena hasta la última con una brillantez interpretativa tal, con tanta expresividad interior, inteligencia y conciencia de mujer –aunque también con la pena y la inseguridad de una persona sola– que casi hace estallar el personaje. Recibió un Oscar merecidísimo en ese papel de una mujer retrato que, como prostituta, en tanto la clásica víctima como la dueña de la situación desde el punto de vista psicológico.

Biografia de Jane Fonda

Actriz estadounidense, hija del actor Henry Fonda.

Estudia arte dramático en el Actor's Studio de Lee Strasberg. Trabaja en varias obras de teatro en Broadway y pasa al cine con Tall Story (Me casaré contigo, 1960), de Joshua Logan.

Destacan sus papeles en The Chapman report (1963), de George Cukor;

al lado de Alain Delon Les félins (1963),

de René Clément; Cat Ballou (La ingenua explosiva, 1965),
de Elliot Silverstein, con Lee Marvin;

The chase (La jauría humana, 1966), de Arthur Penn;

al lado de Robert Redford Descalzos en el parque (1967), de Gene Saks;

They shoot horses, don't they? (Danzad, danzad, malditos, 1969);

Quatre nuits d'un rêveur (Las cuatro noches de un soñador, 1971), de Jean-Luc Godard, con Yves Montand; Krull (1971),

de Allan Pakula, con Donald Sutherland; Klute (1972),

con la que obtiene el Oscar;

El síndrome de China (1979), de James Bridge;

In a golden Pond (En el estanque dorado, 1981), en la que actúa al lado de Katharine Hepburn y su padre, que obtiene el Oscar;

He morning after (La mañana siguiente, 1986),

de Sidney Lumet, y Gringo Viejo (1987),

de Luis Puenzo, con Gregory Peck y Jimmy Smith.

Otras de sus películas son Jeux d'amour, de Philippe de Broca;

Nine to five (Cómo eliminar a su jefe);

El pasado me condena, (KLUTE)

La tigresa del oeste,

Agnes de Dios,

Barbarella,

Fun with Dick and Jane (No robarás a menos que sea necesario) y
Fabricante de muñecas. ..

CINE: ENTREVISTA CON JANE FONDA
"Crecí sintiendo que debía ser perfecta"
A los 67 vuelve al cine tras 15 años de ausencia, como una insoportable en "Una suegra de cuidado". Habla de sus maridos, el cristianismo, Vietnam, Irak, su libro de memorias y dice: "Mis últimas películas fueron un martirio".
Bob Straus. THE NEW YORK TIMES PARA CLARIN

Reina hollywoodense de la autoinvención, Jane Fonda mantuvo muy bajo perfil durante los últimos quince años, luego de abandonar la industria del cine y casarse con su tercer marido, el magnate de los medios Ted Turner.Pero con su autobiografía My Life So Far, un best-seller, y su llamativa actuación en la comedia Una suegra de cuidado, Fonda, 67, vuelve a ser una figura mediática tan ubicua como siempre.Sin embargo, la hija de Henry Fonda, la bomba sexy de los '60, Hanoi Jane y la gurú de los videos de workout nuevamente es otra.

Para variar, es feliz."Escribí el libro porque he logrado cierto conocimiento sobre mi vida, y sabía que, si lo escribía con honestidad, podía ayudar a la gente", dice Fonda. "Me gustó que, por la misma época en que apareció el libro, pudiera hacer una película que es cómica, algo con lo que la gente no me asocia, pese a que hice muchas comedias."La autobiografía revela mucha información personal, gran parte de la cual la actriz nunca ha comentado públicamente.

En ella, podemos leer cómo se sintió cuando, a los 12 años, se enteró por una revista de cine de que su madre, Frances Seymour, se había suicidado. La distancia emocional de su padre Henry se analiza con gran detalle, como también sus propias batallas con la bulimia y su eterna necesidad de ser perfecta.

Además aparecen los maridos a quienes sentía que no podía complacer: el director francés Roger Vadim, que no sólo la convirtió en la sexy aventurera espacial de Barbarella sino que también invitaba prostitutas a compartir el lecho conyugal; el activista político Tom Hayden, que la dejó por una mujer más joven; y el impulsivo Ted Turner, que, pese a algunos errores, sigue siendo el ex preferido de Fonda."Es la única persona que conozco que ha tenido que pedir perdón más veces que yo", dice riendo. Naturalmente, se refiere a sus repetidos mea culpas por su viaje a Hanoi en plena guerra de Vietnam, que culminó con la infausta foto de Fonda sentada sobre un cañón antiaéreo norvietnamita.

Pero la pregunta que más curiosidad despierta entre las que debe responder en este momento es la de por qué de pronto abandonó una carrera artística que le valió dos premios de la Academia e Hollywood (por Mi pasado me condena y Regreso sin gloria), le permitió abordar cuestiones pendientes con Henry (En la laguna dorada) y le permitió expresar creativamente algunas de sus ideas (El síndrome de China).
"Las últimas películas que hice fueron un martirio", dice Fonda, cuyo matrimonio con Hayden estaba en crisis en aquel momento. "Era una persona infeliz. Pero lo negaba y vivía metida para adentro. No se puede vivir así y ser creativa al mismo tiempo. Me aterraba levantarme cada mañana e ir a trabajar."Pero no hubo terror en el set de Una suegra de cuidado, comedia en la que hace el papel de una madre que desaprueba a la prometida de su hijo, interpretada por Jennifer Lopez."Esto no fue un desafío", comenta Fonda risueña sobre su personaje, Viola Fields, figura de la TV parecida a Barbara Walters, cuyo comportamiento delirante dice haber basado en el de Turner. Quizá no lo fue para ella, pero no dicen lo mismo las estrellas de la leyenda viviente."Cuando entra Jane Fonda, sentís cosquillas en el estómago", reconoce Lopez. "No podés evitarlo, porque estás acostumbrada a ver su impresionante imagen en la pantalla.""Dejame que te cuente lo primero que dijo cuando se vio en el trailer", agrega el director Robert Luketic (Legalmente rubia).

"Cuando abandonó el cine, los trailers no eran lo que hoy. Vino y me dijo: '¡Guau! ¿Con quién voy a compartir este trailer?' Y yo le contesté: 'Nena, ¿fumaste crack? ¡Es todo para vos!'. A su manera —dice—, Jane nos fijó cierto tono. Era un tono de 'Respetémonos, divirtámonos, seamos profesionales.'"Por emocionalmente devastada que estuviera y por políticamente radical que fuera, Fonda siempre mantuvo una firme actitud profesional. Ella dice que, en el pasado, eso era algo un poco actuado.

"Crecí sintiendo que no me querrían a menos que fuera perfecta, y que debía ser perfecta", explica. "Eso te pone bastante ansiosa. La gente calma la ansiedad de diferentes maneras —con el alcohol, el juego, el sexo, o lo que sea—, yo llenaba esa necesidad con adicciones alimentarias y la enfermedad de complacer. Tenía éxito, era financieramente independiente, pero nunca tuve suficiente valor para ser dueña de mí misma. Pasé quince años tratando de curarme."Parte de esa curación consistió en volcarse al cristianismo. "Durante un tiempo, busqué un hogar espiritual —revela—. Respeto al budismo y al islamismo, pero si tengo que buscar un hogar espiritual, lo haría en el cristianismo."Jane también ha hallado un hogar temporal en la ciudad de Turner, Atlanta, donde sigue viviendo con su hija, Vanesa Vadim, y sus nietos. "Vivo en Georgia porque es un lugar real —dice—. No es un ambiente enrarecido ni elitista. Soy activista social, así que pienso que allí voy a ser más eficaz", agrega Fonda, que consagra gran parte de su energía (y una buena porción de su jugoso salario) a la Campaña para la Prevención del Embarazo Adolescente.

"Y además, allí está mi hija, y mis nietos, y los nietos de Ted, que me llaman abuela. Es donde he echado raíces."Quizá esto suene como una velada crítica a su crianza hollywoodense. "Mi madre era maníaco-depresiva —dice—. Mi padre era distante. Eran personas maravillosas, e hicieron las cosas lo mejor que pudieron, pero no sabían ser padres.

No tuve una mala infancia, pero sí una que me hizo sentir que no valía lo suficiente."En cuanto a los errores que cometió, siente que ha superado el más grande, la enfermedad de complacer a los demás. Pero la verdadera prueba todavía no ha llegado."Me encantaría enamorarme, pero no ha ocurrido", se encoge de hombros. "Todos los que me conocen dicen que estoy distinta. Pero no pasás la prueba hasta estar en una relación.

"Traducción de Elisa Carnelli

TRAILER :

http://es.youtube.com/watch?v=IY_B34ReThI

Z

(película)
De Wikipedia, la enciclopedia libre
Ficha técnica
Dirección
Costa-Gavras
Producción
Jacques PerrinAhmed Rachedi
Guión
Jorge SemprúnVassilis Vassilikos (novela original)
Reparto
Jean-Louis TrintignantYves MontandIrene PapasJacques Perrin
Datos y cifras
País(es)
FranciaArgelia
Año
1969
Género
ThrillerCine político
Duración
127 minutos
Ficha en IMDb
Z es un thriller político dirigido en 1969 por Costa-Gavras, a partir de un guión basado en la novela del mismo nombre del escritor Vassilis Vassilikos.

La película presenta de una forma ficticia los hechos que rodearon el asesinato del político demócrata griego Gregoris Lambrakis en 1963. Con su visión satírica de la política griega, su oscuro sentido del humor y su escalofriante final, la película es un grito contra la dictadura militar que dirigía Grecia en aquellos años.
La película está protagonizada por Jean-Louis Trintignant en el papel del magistrado encargado de la investigación (Christos Sartzetakis). Aunque tienen la consideración de protagonistas por su reconocimiento internacional, Yves Montand e Irene Papas tienen unos pequeños papeles en la película si se les compara con los verdaderos protagonistas. Jacques Perrin, quien también coprodujo la película, tiene un papel clave.
La banda sonora de la película fue realizada por el cantante y compositor griego Mikis Theodorakis.

Argumento

La localización de la película nunca se explica, pero hay algunas pistas que indican que la acción se sitúa en Grecia en los primeros años de la década de los 60. La grabación se realizó principalmente en Argel.
En los créditos de apertura, existe una cláusula de descargo de responsabilidad que dice así (traducida del francés): "Cualquier parecido con hechos reales, y personas vivas o muertas, no es accidental. Es INTENCIONADO."
La historia comienza con la explicación que realiza el jefe de la policía de seguridad de un gobierno militar de derechas del programa del gobierno para combatir a la izquierda.
La escena se traslada a los preparativos para la llegada del Diputado (Montand) a un discurso en un mitín de la facción opuesta al gobierno. Después del discurso, el Diputado es atropellado por un camión y fallece. El magistrado encargado de la investigación (Trintignant), con la ayuda de un periodista (Perrin) descubre suficientes evidencias no sólo para implicar a los dos militares que cometieron el asesinato, si no también a cuatro militares de alto rango de la policía militar. En ese punto de la trama, un colaborador del Diputado asesinado comunica a la viuda (Papas) las sorprendentes noticias.
A pesar de todo lo que se descubre, o quizás por ello, el investigador es misteriosamente apartado del caso, los testigos mueren en circunstancias extrañas, los culpables, aunque son acusados de asesinato, son sentenciados a penas relativamente pequeñas, los oficiales sólo reciben castigos administrativos, los colaboradores del Diputado mueren o son deportados, y el periodista es enviado a prisión por revelar documentos oficiales.
En los créditos de cierre, en lugar de mostrar el reparto y el equipo de rodaje, se muestran las cosas prohibidas por la Junta Militar.

Entre ellas están: los movimientos pacifistas, el derecho a huelga, los sindicatos, el pelo largo en los hombres, los Beatles, cualquier otro tipo de música moderna y popular, Sófocles, León Tolstoy, Esquilo, escribir que Sócrates era homosexual, Eugène Ionesco, Jean-Paul Sartre, Antón Chéjov, Mark Twain, Samuel Beckett, la sociología, las enciclopedias o la libertad de prensa. También prohibía la letra Z, que aparece garabateada en la última imagen de la película, como un recordatorio simbólico de que "el espíritu de la resistencia vive" (en griego clásico, ζει o zei quiere decir "vive").

Premios [editar]
Z fue candidata a varios premios, incluyendo el Premio Oscar a la mejor película y el Globo de Oro a la Mejor película en lengua no inglesa, y ganó los premios a la mejor película en los Premios del New York Film Critics Circle y en los de la National Society of Film Critics. La película también se presentó a concurso en el Festival de Cannes, donde ganó el Gran Premio del Jurado. También ganó el Oscar en las categorías de Mejor montaje y Mejor película extranjera.
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Z_(pel%C3%ADcula)"
Categorías: Películas de 1969 Películas de Costa-Gavras Películas de Francia Películas ganadoras del premio Oscar a la mejor película en lengua no inglesa Películas candidatas al premio Oscar a la mejor película

Constantine Costa Gavras.

Ver sus Películas con bandas sonoras :

http://www.epdlp.com/director.php?id=744

CRITICA:

Carlos Giménez Soria

Z: obra pionera del cine político

Z es un film hermoso y, al mismo tiempo, útil.François Truffaut

Junto con Gillo Pontecorvo y Francesco Rosi, el cineasta greco-francés Constantin Costa-Gavras ha sido el máximo representante del cine político, corriente surgida a mediados de los años 60 y definida por su carácter marcadamente reivindicativo e izquierdista. Actualmente este autor es conocido por una serie de obras que ponen de manifiesto su ideología política por medio de la aproximación a los diferentes conflictos que han atenazado al mundo durante el siglo XX. Conflictos tales como el colaboracionismo del gobierno norteamericano en el golpe de estado de Chile (Desaparecido), la Checoslovaquia estalinista (La confesión), la Francia del régimen de Vichy (Sección especial) o la problemática palestino-israelí (Hanna K.). No obstante, la película que dio fama internacional a este autor fue Z (1969), que abordaba el asesinato del líder pacifista Grigoris Lambrakis como causa inmediata de la dictadura de los coroneles griegos.
La novela de Vassili Vassilikos que recoge este hecho fue a parar a manos de Costa-Gavras gracias a la recomendación de su hermano. Tras el golpe de estado en Grecia, el cineasta sintió la necesidad de trasladar la historia a la gran pantalla y, para ello, contó con la inestimable ayuda del escritor Jorge Semprún. La colaboración de ambos dio como resultado un guión que recogía con detalle las desafortunadas circunstancias que condujeron a la muerte del diputado Lambrakis, sin aludir específicamente al país natal de Costa-Gavras. De todos modos, si bien esta indeterminación geográfica fue una decisión voluntaria, no fue menos deliberada la idea de corroborar la implicación política de los autores mediante el siguiente rótulo que aparece durante los títulos de crédito:
Cualquier parecido con acontecimientos reales, personas vivas o muertas, no es fruto del azar. Es voluntario.Costa-Gavras y Jorge Semprún.
Tras semejante declaración de intenciones era de esperar que los hechos acaecidos fueran escrupulosamente retratados. Lambrakis fue víctima de un atentado político que tuvo lugar en Salónica el 22 de mayo de 1963, el mismo día que presidió una reunión contra la instalación de una base de misiles en territorio griego. Fue arrollado por un motocarro a la salida del teatro y falleció después de sucesivas operaciones craneoencefálicas efectuadas por los médicos a lo largo de dos días durante los cuales se debatió entre la vida y la muerte. La posterior autopsia determinó que no se trataba de un accidente ya que las fracturas presentadas sólo podían haber sido hechas con un objeto contundente. Este dictamen médico desestimaba la hipótesis de que los traumatismos se hubiesen debido a la caída del cuerpo.
La investigación del caso fue llevada a cabo por el juez Khristos Sartzetakis, hijo de un oficial de la gendarmería y persona políticamente imparcial, que descubrió la connivencia entre los grupos ultraderechistas, el ejército y la policía. De esta connivencia, se derivó el complot político que puso fin a la vida de Lambrakis y que fue llevado a los tribunales, dictándose ridículas sanciones contra los artífices del crimen y veredictos de absolución para los oficiales que habían organizado el atentado. Ante la indignación general, el presidente del gobierno Konstandinos Karamanlis dimitió de su cargo. Poco después, la Unión de Centro se alzó con la victoria en los comicios celebrados en 1964, pero el golpe de estado de los coroneles acabó con la libertad de voto e impuso una férrea dictadura militar. El tiempo dio la razón a aquellos que se movilizaron a raíz de este escándalo, quienes pudieron ver cómo en 1985, Khristos Sartzetakis, cesado como juez durante todo este periodo, fue nombrado presidente de la República Griega.
Costa-Gavras muestra en Z todo lo concerniente al affaire Lambrakis y, en un epílogo final, explica el advenimiento del régimen fascista como reacción a la actitud de protesta liberadora del pueblo. El verdadero talento de este cineasta se halla en la estructura dramática empleada para narrar los hechos. Si bien conocemos las amenazas que se han difundido contra la persona del diputado (Yves Montand) desde el mismísimo arranque del film, la revelación de todo el entramado político y de la confabulación entre las autoridades policiales y los sicarios del atentado se va produciendo paulatinamente por medio de una inteligente estructura de flash backs. La primera hora de película nos muestra los hechos y la segunda realiza constantes saltos temporales de presente a pasado para darnos a conocer las causas ocultas y la existencia de un complot previo que desmiente la idea del accidente que sostiene la policía.
El pluriperspectivismo que revela las distintas declaraciones de los testigos nos transmite una rápida sensación de inestabilidad política que se transforma en una visión amenazadora del entorno. La sensación de caos e inseguridad dentro de la Grecia del momento está reflejada en Z de un modo escalofriante que impacta inicialmente en el espectador para producirle, al término de la película, un sentimiento de solidaridad hacia las naciones oprimidas por regímenes dictatoriales.
No obstante, este retrato requiere de una simplificación y un maniqueísmo en los personajes que no siempre resulta grato para el público. La benevolencia con la que Costa-Gavras admite cualquier actitud de la izquierda y sus colaboradores contrasta con la imagen caricaturesca y despectiva, excesivamente obvia, que nos aporta sobre los oficiales del ejército y la policía. Por otra parte, el realizador greco-francés se empeña en mostrarnos, con sutiles pero llamativos flash backs, la vida íntima del diputado con su esposa (Irene Papas) y su labor de médico para dárnoslo a conocer en su faceta más humana. Al afrontar la reivindicación contra un capítulo infame de la historia moderna de Grecia, el empleo de este vehículo disimuladamente tendencioso se pone de relieve como un efectivo artilugio de sensibilización para el espectador. La finalidad del relato estimula al público a aceptar el medio utilizado aunque éste pueda ser tildado, en ocasiones, de manipulador.
A pesar de ello, la contundencia del estilo cinematográfico de Costa-Gavras queda demostrada con creces a través del uso envidiable de las convenciones del thriller. Esto contribuye decisivamente a la hora de proporcionar al film una consistencia narrativa que se alza como virtud principal para construir un discurso político. A tal efecto, merece un especial elogio la labor de montaje realizada por Françoise Bonnot, quien se convertiría en colaboradora habitual del autor de Z.
Otro elemento de peso, sobre todo a la hora de situar alusivamente el escenario geográfico de esta historia, es la banda sonora compuesta por el músico griego Mikis Theodorakis, popularmente conocido por la partitura de Zorba el griego (1964). Los acordes de este estilo de música tan tradicional y autóctono nos remiten de inmediato a la idea más universal de Grecia, aunque obviamente la película no pudo ser rodada allí debido a la coyuntura política del país.
Z se rodó en Argelia, país que aportó parte del presupuesto con el que se subsanaron los problemas financieros. En ese sentido, la ayuda del actor Jacques Perrin, que en el film interpreta a un fotógrafo, fue la más decisiva para que el proyecto pudiera salir adelante, ya que fue quien asumió la producción desde un primer momento.
El éxito de la película fue inesperado y se debió en gran parte a la efervescencia del Mayo francés y del movimiento hippie, que apoyaron el mensaje reivindicativo y liberador que postulaba Costa-Gavras para su país. En España, fue prohibida por la censura franquista y no pudo estrenarse hasta 1977. Otros países como México, Portugal, Marruecos, Brasil y la India tampoco tuvieron acceso a esta obra por razones políticas. Y, por supuesto, en Grecia fue tajantemente prohibida.
La repercusión de Z fue tan grande que, a pesar de la precariedad de medios con que fue rodada, se alzó con cinco nominaciones a los Oscar de Hollywood de 1969, convirtiéndose en el primer film nominado simultáneamente en las categorías de Mejor Película y Mejor Película Extranjera (premio que ganó junto con el de Mejor Montaje). En el Festival de Cannes, consiguió el reconocimiento público al otorgársele el Premio del Jurado y el Premio al Mejor Actor para Jean-Louis Trintignant, que realizó una de las interpretaciones más soberbias de su carrera encarnando el personaje del juez.
Históricamente, el film ha jugado un papel decisivo en la evolución de un género tan importante en la década de los 70 como fue el cine político. Es por eso que aún hoy en día, cuando este género ha perdido gran parte de su popularidad tanto entre la crítica como entre el público exigente, Z sigue ocupando un lugar de honor entre las obras nacidas a la luz de esta corriente, ya sea tanto por su calidad artística como por su carácter pionero.

Trailer De Z:

http://es.youtube.com/watch?v=1NPJ9sPbH18

con musica de Mikis Teodorakis

Ficha del director

Costa Gavras
(Constantin Gavras; Loutra Iraias, 1933) Director de cine francés de origen griego. Se inició como bailarín antes de viajar a Francia para estudiar la carrera universitaria de Filología en la Sorbona, pero poco después ingresó en el Instituto de Altos Estudios Cinematográficos. Tras cerca de diez años como ayudante de directores del prestigio de Yves Allègret, René Clair o Jacques Demy, y una vez nacionalizado ciudadano francés en 1956, a mediados de los sesenta debutó como director con Los raíles del crimen (1965), gracias a la ayuda prestada por algunos amigos actores que accedieron a intervenir en la película sin cobrar sueldo. Basada en una novela de Sebastien Japrisot, este largometraje se articularía como un thriller opresivo que mostraba los aspectos más siniestros del entorno cotidiano, un rasgo que será habitual en la filmografía posterior de Costa Gavras.
Así, en Sobra un hombre (1966), la resistencia francesa es un mero telón de fondo frente al análisis de las relaciones humanas y la turbiedad moral que puede ocultar la persona más aparentemente anodina. Tema que vuelve a surgir de manera recurrente en otros títulos como El sendero de la traición (1988), sobre el racismo latente en la Norteamérica profunda, o en el magnífico melodrama La caja de música (1989), que gira alrededor de los genocidas nazis ocultos en Estados Unidos tras la caída del régimen de Hitler. Bajo la apariencia de abuelitos bondadosos y apacibles trabajadores agrícolas puede esconderse, como reflejan estas cintas, un asesino racista de judíos o negros al que ni su familia ha llegado a reconocer nunca en su faceta de psicópatas, hasta que un determinado suceso provoca el desmoronamiento de la apariencia.
La amplitud de la mirada social y política de Costa Gavras le ha conducido también a preocuparse por el pasado y el presente de países azotados por la tortura, las desapariciones sistemáticas de individuos o los regímenes dictatoriales. Pese a la inequívoca denuncia que su cine hace de estas situaciones, la mirada de Costa Gavras se ha situado siempre en una especie de tierra de nadie naturalista alejada del maniqueísmo y el estereotipo.
De ahí precisamente que sus películas provocaran en los años sesenta y setenta airadas reacciones por la asepsia que este director pretendía darle hasta a sus producciones más politizadas. Y es que pese a estar considerado en justicia como el principal iniciador del llamado "cine político", sus películas intentan trascender la coyuntura histórica que aborda el argumento para convertirse en símbolos universales contra la intolerancia, la represión y la falta de libertades, procedan de donde proceda.

Z:Final de la película

LA HIJA DEL MINERO

Título original:
COAL MINER'S DAUGHTER
Dirección:
Michael Apted
Intérpretes:
Sissy Spacek, Tommy Lee Jones, Beverly D'Angelo, Bob Hannah, William Sanderson
Género:
Comedias Dramáticas
Calificación:
Apta todo Público
Subtítulos/doblaje:
S
País de origen:
EEUU
Año de realización:
1980

Sissy Spacek, como Loretta Lynn: "No soy mejor que nadie ni nadie es mejor que yo"
Declaraciones de la actriz que encarna al cantante "country" en "Quiero ser libre"
ANDRES ORTEGA, - Londres - 25/03/1981

«No soy mejor que nadie, pero nadie es mejor que yo», dijo hace tiempo la reina de la música country, Loretta Lynn. Ahora la actriz norteamericana Sissy Spacek reivindica para sí estas palabras. Siss, tiene 31 años, pero parece que tuviera diecinueve. Es una de las favoritas para el Oscar de Hollywood, que se concede a finales de mes, por su papel en la película Quiero ser libre, que en versión original se llama La hija del minero, y que ha sido dirigida por el británico Michael Apted.

La película narra hechos reales: la vida de Loretta Lynn, la mayor de ocho hijos de un minero muy puritano de Kentucky. A los trece años, durante la depresión, Loretta se casó con Mooney Lynn. A los dieciocho tenía cuatro hijos y se lanzaba al mundo de la canción.En la película, Sissy interpreta a Loretta de los trece a los 45 años. Es una proeza, pero mayor aún es la de que Sissy cante en directo todas las canciones de la película, con un excelente estilo, e imite soberbiamente el acento de la protagonista real, algo que el público español no podrá apreciar. De paso por Londres, Sissy Spacek habló con EL PAIS.
Fue la propia Loretti la que escogió a Sissy Spacek, quien durante unas semanas compartió la vida de la cantante. Así «tuve la oportunidad de entrar en su mundo. Cuando yo estuve en Nashville, la gente me trató literalmente como si fuera la reina de la música country, y yo respondí del mismo modo», dice Sissy, que no piensa por ahora dedicarse a la música. Sissy canta todas las canciones de la película, como se ha señalado: «Pensé que era vital, después de conocer a Loretta, que yo interpretara su música, pues sentí que así llegáría a conocer quién era Loretta». Describiendo a la cantante en la vida real, Sissy señala que Loretta Lynn era «una persona muy psíquica... Yo no le dejaría que me leyese la palma de mi mano, pues he visto cómo se la ha leído a otras personas ... ».
Dicen que la actriz y la cantante se parecen. «Nos parecemos y no nos parecemos, es una cosa muy extraña. Venimos de mundos diferentes, aunque hay algunos paralelismos en nuestras vidas. Mi familia emigró del sur de Moravia hace cuatro generaciones y provengo de una pequeña comunidad rural en Texas. aunque bastante diferente de las colinas de Kentucky. Ambas somos extravertidas. pero en otras cosas somos muy distintas. Siempre fui muy independiente y esperé más tiempo para hacer ciertas cosas. Loretta se lanzó muy pronto a la vida. Mi madre me decía que si te casas a los treinta anos y te mueres a los sesenta has estado casada la mitad de tu vida ... ». Sissy Spacek está casada con Jack Fisk. director de su última película, Raggedy man, ambientada en los años cuarenta y rodada en Texas.
Sissy llegó a conocer al marido de Loretta Lynn. Mooney, que ahora está en una clínica en un tratamiento de desintoxicación alcohólica. Pero en la película. en sus relaciones con el personaje de Mooney, quien más le ayudó fue el actor Tommy Lee Jones: «Era brillante... Es increíble, si conocieras a Mooney, su interpretación te asombraría".
Sissy acaba por fin de pelar una mandarina que llevaba tiempo manoseando. Aunque cansada tras su gira por Europa, ríe y gesticula todo el tiempo, mientras hablamos de su carrera cinematográfica. Aunque ella siempre quiso ser actriz, su carrera fue accidental. («Creo en el azar y en las oportunidades. Recuerdo que mi madre me decía que lo más importante no es lo que te ocurre en la vida, sino cómo reacciones a lo que ocurre.»)
Su primera película importante fue Bad lands, de Terrence Malick. Luego vino el salto a la fama con Carrie, de Brian de Palma, Tres mujeres, de Robert Altman, y Generación perdida, de John Byrum. Dentro de poco tiempo empezará a rodar junto a Jack Lemonn tina película de Costa Gavras («extraña combinación», dice Sissy), rodada en México, que «trata de una pareja joven en año sabático. El marido desaparece y la película se centra en su búsqueda».

Video:http://es.youtube.com/watch?v=6rdQrgyEuOY

Inside Daisy Clover

1965
Me encantó ver el interior Daisy Clover con mi mamá cuando yo era pequeña, pero la única parte que realmente atascado con mi fue Daisy (Natalie Wood) mantiene su cabeza en el horno. , .
De hecho, vino como una ligera conmoción que toda una historia anterior a la cabeza en el horno-bit. Poco sé que uno aún más grande y más fabulosa sorpresa fue en el almacén para mí-Christopher Plummer y Robert Redford también completan el cast!
¿Puedes creerlo? ! ¡Qué bendición increíble para descubrir dos excelentes actores (en su más atractivos) en una película amada de su infancia!. Dentro de Daisy Clover es una extraña película a revisar. One of the first things you notice, . Una de las primeras cosas que usted nota, aparte de Natalie Wood ser tan lindo y likable, es que ella es más serio de acción. that actually got her an Oscar nomination. Ella vive sola con su madre dotty (alias El Viejo o distribuidor Cap), interpretada por Ruth Gordon en un papel que realmente obtuvo un Oscar a su candidatura.
Daisy's father "took a powder" and her sickening older sister is off and married. El padre de Daisy "tomó un polvo" repugnante y su hermana mayor está apagado y se casó. It's no wonder Daisy is rebellious and mad at the world, but Natalie Wood is way over the top. No es de extrañar, Daisy es rebelde y loco en el mundo, pero Natalie Wood está muy por encima.
Ella habla y se mueve en tal forma exagerada que no es siempre posible creer Daisy está hirviendo con ira, frustración, y la mera voluntad. Sometimes she's just an actress who's trying too hard. A veces está tan sólo a una actriz que intenta demasiado duro.. Daisy pasa sus días de verano la venta de fotos autografiadas de celebridades en una pequeña cabina, y soñar de estrellato.
. Muy pronto ella obtiene su deseo. the attention of Raymond Swan of Swan Studios (Christopher Plummer). Después de enviar una grabación de su canto, Daisy capta la atención de Raymond de Swan Swan Studios (Christopher Plummer).
Antes de que usted lo sepa, que están a su cuidado "America's Valentine poco" y que ella tiene cinco años de contrato con el estudio.

Como emocionada como ella es, ella encuentra la vida dentro de los confines del sistema asfixiante estudio y exasperante.
Ella es el tipo de chica que le gusta cortar grandes trozos de su pelo al azar, por lo que su cute-as-a-botón de imagen es muy duro para ella el estómago.
. Peor aún, Raymond no quiere la verdad para obtener información sobre la madre de Daisy, por lo que la coloca en un sanitarium y la hermana de Daisy se convierte en su tutor legal.Luckily, Wade Lewis (Robert Redford)
Por suerte, Wade Lewis (Robert Redford) pasos en la fotografía en este momento. insincere or . Él es guapo y encantador, y una de las únicas personas que pueden llamar todo el mundo "querido corazón" sin sonar insincera o nauseabundo. of Darkness. Al igual que Daisy, que es un aumento de estrellas que se encuentra el estudio del sistema restrictivo y absurdo, y él mockingly se refiere al Sr Swan como el Príncipe de las Tinieblas.
Es una orquesta que el día de Navidad de picnic para la madre de Daisy en el sanitarium, pero sólo cuando las cosas están buscando, el otro zapato gotas.
Raymond recibe el viento de su visita, y por temor a la publicidad, prohíbe Daisy a visitar a su madre a todos.
. Él lo hace con una agradable sonrisa en su rostro y una lilt en su voz.. Aquí debo hacer una pausa para rave sobre Christopher Plummer.
. No sólo él ver dapper y suave, él es brillante.
Robert Redford puede tener alejó con un Globo de Oro por su papel, pero fue sólo con su habitual sparkly libre.
. Christopher Plummer fue puesto en una performance, y teniendo en darn un buen rato con él. . A primera Raymond Swan es todo el negocio y no formal y un poco siniestra, pero después de Daisy tiene su corazón roto, vemos toda una cara diferente a él.
He visits Daisy early one morning looking all tousled (rawr!) and possibly a little drunk.
Visita Daisy una mañana temprano buscando todos los tousled (rawr!) Y, posiblemente, un poco borracho.
Él da un animado discurso sobre la Wiles de Wade Lewis, y la forma en que el Príncipe de las Tinieblas no puede advertir porque nadie le cree.
Y entonces, entonces su primicias en sus brazos y sus besos!
. De repente este personaje en vez de madera ha llegado vivo con auto-conciencia y la pasión.. Las cosas están mucho más abajo de Daisy Clover a partir de este punto.
. Ella es aún estará obligado a poner en una cara feliz y cantar canciones SAPPY, pero la presión es llegar a ser demasiado.
Mientras que rehacer la voz de una canción realmente incómodos ( "el circo es un mundo loco, cómo me encanta") que finalmente encaje y va un poco los frutos secos.
. Sinceramente, creo que si tuviera que escuchar su cantar esa línea una vez más me habría ido demasiado loco.
Daisy lleva a la cama en una pequeña casa en la playa y se niega a hablar, incluso cuando Wade bops ella en la cabeza con una rosa y pronuncia oficialmente su vida.. No es mucho antes de Swan Señor la paciencia está disminuyendo-que tiene fotos de producir y de hacer dinero.
Él paga una Daisy aparentemente cordial visita antes de
informaba de que ella es faroles.
Eres como sonido como un Roach",
, amenazando con el fuego personal de enfermería.
. Con nadie para cuidar de ella, simplemente tienen que levantarse de la cama o de hambre. "If you starve,
. "Si hambre, voy a demandar a usted",
. Y él le da otro uno de esos besos no deseados. Wow, that was icky and sexy all at the same time. Wow, que es repulsivo y sexy al mismo tiempo.. Finalmente llegamos a la cabeza en el horno de escena, que por sí solo es razón suficiente para ver la película.).
Como se trata de Daisy fuera de ella misma, ella es constantemente interrumpida por los visitantes, los teléfonos sonando, y quemaron una mano (oops, se convirtió en el quemador por error).
Es una comedia de errores que usted nunca más contemplar el suicidio con exactamente la misma sensación de tragedia personal y el melodrama.
Por último nuestra heroína feisty lanza sus manos, camina fuera de la casa con una taza de café, y paseos por la playa para hacer frente al mundo.
" Ella apenas flinches cuando explota la casa detrás de ella, y cuando un transeúnte le pide lo que pasó, ella simplemente responde: "Alguien le declaró la guerra!" Vas, Daisy Clover!Dado que yo estoy seguro de que todos los grandes ejecutivos de estudio a su vez Moviepie de asesoramiento, permítanme aprovechar esta oportunidad para pedir el DVD de Dios para liberar Inside Daisy Clover.
Está llena de gente guapa, y el formato DVD le facilitará a saltar sobre las canciones

Articulo traducido del Ingles por computadora