Nuestra cosa latina

MÚSICA
DOCUMENTAL SOBRE LA MÚSICA LATINA DE LOS 70

El Harlem hispano, retratado en 'Our Latin Thing' por Pedro Galiano
‘Our Latin Thing’ es más que un documental sobre música. La película, dirigida por Leon Gast (‘Cuando éramos reyes’), es la foto fija de un instante irrepetible, un preciso retrato del Harlem hispano en un momento en el que bullía de creatividad y vida. Gracias a la impagable labor de Vampi Soul, ahora podemos disfrutar, por primera vez en DVD, del film que aupó al estrellato a la Fania All Stars y popularizó la salsa.
Título: OUR LATIN THING (Nuestra cosa)Año: 1971Género: DocumentalDirección: Leon GastProducción: Jerry MassuciDistribución: Vampi Soul DVDDuración: 83 minutos
‘Our Latin Thing’ muestran la vida cotidiana de una comunidad orgullosa y unida que, mediante la música, festeja en la calle la alegría de vivir. Música, diversión y colorido como antídoto a la pobreza y la marginalidad que se alzan, mejor que un grito de desesperación, por encima de los rascacielos.
N LA década de los sesenta se cruzaron muchas tendencias musicales fruto de una efervescencia creativa nunca superada. Propiciado por el derrocamiento de Batista y el consiguiente éxodo masivo de cubanos a Nueva York, tuvo lugar uno de los encuentros más fructíferos y fascinantes, en cuanto a ritmos bailables se refiere, que jamás se hayan producido: el de los ritmos afrocubanos y puertorriqueños tradicionales con el soul, el jazz y el rhythm and blues, semilla del boogaloo y el latin soul.

En un proceso de contaminación mutua, los músicos anglosajones de jazz, prendados de los ritmos calientes, fichan a percusionistas latinos como Ray Barreto o Cándido Camero, mientras que los Nuyoricans (los latinos afincados en Harlem) crean su propia industria paralela con los sellos Fania, Cotique o Tico, donde plastifican el sonido vibrante y contagioso de gente como Machito, Chano Pozo, Arsenio Rodríguez, Joe Bataan, Eddie Palmieri y otras luminarias de ‘El Barrio’, capaces de ofrecer shows cantando en inglés en el Teatro Apolo, templo de la música negra.

Una década después, en plena época de reivindicación de los derechos civiles, la comunidad latina refleja su situación sociopolítica en la descomunal megapoli mediante textos concienciados mientras subvierte patrones sonoros hasta el punto de covertir la etiqueta ‘salsa’ en un término difuso e incluso controvertido.
En estas llegamos a la noche del 26 de agosto de1971. El italo-americano Jerry Massuci, un hombre de negocios que ejerce de capo del sello Fania, tiene el acierto de encargar la filmación de la primera reunión de la Fania All Stars en el emblemático Cheetah neoyorkino a Leon Gast, un fotógrado y documentalista que posteriormente (1973) dirigirá ‘Cuando éramos reyes’. Es una noche mágica en la que un local abarrotado con más de 4.000 almas se mueven al son de los infecciosos ritmos de una superbanda alucinante: Ray Barreto, Willie Colon, Larry Harlow, Johnny Pacheco, Roberto Roena, Bobby Valentín, Santos Colon, Hector Lavoe, Ismael Rivera, Pete ‘El Conde’ Rodríguez, Adalberto Santiago, Bobby Cruz, José ‘Cheo’ Feliciano, Ricardo Ray, Reynaldo Jorge, Roberto Rodríguez, Barry Rogers, Yomo Toro y Hector Zarzuela, entre otros. La química entre los músicos y el público es perfecta, la atmósfera irrepetible y el éxito del estreno de la película catapulta a sus protagonistas al estrellato y sirve de detonante del boom de la salsa durante la década de los setenta, el punto álgido del género con la vuelta al español como idioma de referencia.
Pero la película es mucho más que un concierto. Para completar las imágenes del macroevento, Gast hace una incursión en el corazón del Spanish Harlem y, cámara al hombro, pulsa el ambiente del gueto. Las secuencias tomadas, intercaladas en el montaje final de la película junto a la actuación, muestran la vida cotidiana de una comunidad orgullosa y unida que, mediante la música, festeja en la calle la alegría de vivir.

Música, diversión y colorido como antídoto a la pobreza y la marginalidad que se alzan, mejor que un grito de desesperación, por encima de los rascacielos. Tras un impactante inicio en el que un niño nos va guiando a través los recovecos del barrio latino, peleas de gallos, conciertos callejeros, arrestos policiales y rituales de santería completan un documental que, por primera vez está disponible en DVD gracias a la gentileza de Vampi Soul y que, no sabemos porqué, ha sido ignorado en la edición de este año de In-Eddit. Gózenlo, pero ya!

Anacaona


OUR LATIN THING PARTE I


OUR LATIN THING PARTE 5

La clase obrera va al paraíso

TITULO ORIGINAL
La classe operaia va in paradiso
AÑO
1972
DURACIÓN
111 min.
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PAÍS
DIRECTOR
Elio Petri
GUIÓN
MÚSICA
FOTOGRAFÍA
REPARTO
Gian Maria Volonté, Mariangela Malato, Salvo Randone
PRODUCTORA
GÉNERO Y CRÍTICA
Más información
1972: Cannes: Palma de Oro / Drama social / Ejemplo del cine denuncia, en este caso de las condiciones laborales en las fábricas, a través de la historia de un obrero modelo que, a raíz de un accidente, se convierte en sindicalista. (FILMAFFINITY)---------------------------------------

LA CLASE OBRERA VA AL PARAISO (1971)

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Mientras que la clase obrera es únicamente aquella parte del proletariado que no tiene otra posibilidad de supervivencia que vender su fuerza de trabajo. Nada más y nada menos.
No son obreros los artesanos y artistas que trabajan y viven de sus propios medios de producción o se mantienen con su ingenio, pequeños comerciantes, deportistas profesionales, pequeños campesinos, profesionales libres o autónomos, funcionarios religiosos, mujeres que no quieren vender su fuerza de trabajo sino intentar gozar o soportar las tareas de reproducción, u otras actividades afines (varones muchos menos, todavía..), y todas las demás personas que renuncian, no pueden o no quieren venderse como mercancía a un capitalista, a un propietario de medios de producción y capital, grande o pequeño que sea.

Mientras que, literalmente, es trabajador todo aquel que trabaja, si y cuando trabaja. Empleado o capitalista activo, en funciones. Mercenario o artista. Obrero o latifundista activo. Político, sindicalista o empleado del hogar. Madre reproductora o Ongeista en misión. Etc.
Pero, por supuesto, únicamente una parte de estos trabajadores son obreros.

Los obreros empleados no agotan el concepto de trabajador. No es lo mismo un obrero que un trabajador, sino que hasta pueden estar en las antípodas como situación de clase. El obrero trabajador, por ejemplo, es casi siempre explotado por un capitalista trabajador. El trabajo los une como concepto, pero uno es obrero, el otro capitalista.

Dicho esto, todo resulta más claro. La trampa semántica que favorece la confusión entre trabajadores y obreros esconde algo mucho más gordo: la negación de la esencia del capitalismo.
Que es la lucha de las dos grandes clases mundiales contemporáneas, y que se presenta como interactividad de oposiciones parciales o en ocasiones antagónicas de los seis sectores que las componen: sector rentista, en funciones y oligárquico de la clase capitalista, y empleado, subempleado y desempleado de la clase obrera.

Así, salvadas rarísimas excepciones, los sindicatos se han transformado en mecanismos internos reguladores del llamado ?mundo del trabajo, ?marco laboral?, ?sector productivo?, ?mercado laboral?, etc.
No buscan el cambio radical, la revolución del modelo de desarrollo, representando a toda la clase.
No pueden ya salirse de su función interna, determinada por los sectores empleados a los que tienen que responder, y al estado que les tolera, apoya o protege.
Todo el mecanismo sindical capitalista, o prácticamente todo, está integrado en esta función, y de ahí que les conviene confundir a obreros con trabajadores, para transmitir una impresión de función social general.

Pero en realidad la clase obrera de la globalización, al interior de cada pueblo o a nivel global planetario, no está ni defendida ni representada, ni menos aún organizada por ningún movimiento social general, como lo es al contrario el sindicalismo para los trabajadores empleados.

Y esto es muy grave. Enormemente preocupante. A nivel mundial, la clase obrera se compone de manera minoritaria de empleados. Mientras, en los países industrializados metropolitanos y de capitalismo imperialista, el otro sector, el precariado o sector subempleado, está superando o ya ha superado en importancia al sector trabajador empleado de la clase!

En EH, la situación no es menos grave, a pesar de que al parecer existen todavía fuerzas sindicales que no han abandonado del todo una concepción de clase

En tierra de nadie

CINE ANTIBELICO

Año 2001
Nacionalidad Bélgica - Bosnia Herzegovina - Francia - Italia - Slovenia - Reino Unido
Estreno 08-02-2002
Género Drama
Duración 98 m.
ZINEMA.COM T. original No man's land
Dirección Danis Tanovic
Intérpretes Brankó Djuric (Ciki)
Rene Bitorajac (Nino)
Filip Sovagovic (Cera)
Katrin Cartlidge (Jane Livingstone)
Simon Callow (Coronel Soft)
Guión Danis Tanovic
Fotografía Walther Vanden Ende
Música Danis Tanovic
Montaje Francesca Calvelli
Sinopsis
Esta es la historia de dos soldados, Ciki y Nino, uno bosnio y el otro serbio, que se encuentran atrapados entre las líneas enemigas, en tierra de nadie, durante la guerra de Bosnia de 1993. Mientras Ciki y Nino tratan de encontrar una solución a su complicado problema, un sargento de los cascos azules de las Naciones Unidas se prepara para ayudarles, contraviniendo las órdenes de sus superiores. Los medios de comunicación son los encargados de transformar una simple anécdota en un show mediático de carácter internacional. Mientras la tensión entre las diferentes partes va en aumento y la prensa espera pacientemente nuevas noticias, Nino y Ciki tratan por todos los medios de negociar el precio de su propia vida en medio de la locura de la guerra.

Referencias
Es la primera película de ficción dirigida bosnio Danis Tavonic, autor de varios documentales que han sido premiados en distintos Festivales, algunos de los cuales tratan sobre la guerra en su país. Asimismo es el guionista y compositor de la banda sonora. En la actualidad vive en Francia y tiene nacionalidad belga.

Los protagonistas son Branko Djuric y el croata Rene Bitorajac (Garibaldi).

Les acompañan en el reparto Georges Siatidis (El tren de la vida); Katrin Cartlidge (El peso del agua, Claire Dolan, Inocencia robada) y Simon Callow (Cuento de Navidad, Ni en tu casa ni en la mía).

El director de fotografía es Walther Vanden Ende (Corazones enfrentados, El profesor de música, Toto el héroe, Farinelli).

La película está rodada en Eslovenia, antigua república de Yugoslavia que se parece mucho a Bosnia desde el punto de vista geográfico.

Obtuvo la Perla del público en el Festival de Cine de San Sebastián 2001.

Consiguió el premio al mejor guión en el Festival de Cine de Cannes 2001 y en los Premios del Cine Europeo 2001.

Obtuvo el Oscar y el Globo de Oro 2002 a la mejor película extranjera.

EN TIERRA DE NADIE, de Danis Tanovic


Por Javier Castro
Francia / Italia / Eslovenia / Reino Unido / Bélgica, 2001. T.O.: No Man's Land. Director: Danis Tanovic. Productores:Marc Baschet, Frédérique Dumas, Marion Hänsel y Cédomir Kolar. Guión: Danis Tanovic. Fotografía: Walther Vanden Ende, en color. Diseño de producción: Dusko Milavec. Música: Danis Tanovic. Montaje:Francesca Calvelli . Duración: 98 minutos. Intérpretes: Branko Djuric (Ciki), Rene Bitorajac (Nino), Filip Sovagovic (Cera), Katrin Cartlidge (Jane), Simon Callow (Soft), Georges Siatidis (Marchand), Alain Eloy (Pierre), Sacha Kremer (Michel).

inicio
El conflicto desde dentro
Según parece, es sano para nuestra salud psicológica encontrar algo bueno en todo lo que nos rodea, incluso en las circunstancias más penosas y adversas. Incluso en las más absurdas guerras. Como mi capacidad de análisis y mis conocimientos de las circunstancias políticas y sociales de los Balcanes se limita a lo visto en los telediarios varios, fuentes inagotables de maniqueísmos y manipulaciones, me ceñiré a lo que en esta página se trata, que es el cine. Y ahí es donde esta guerra a dado sus mejores frutos, aunque hubiera sido preferible quedarse sin catarlos.
Hay dos películas que se jactan de ser las primeras rodadas acerca de, y en el conflicto, aunque ambas desde fuera. En La mirada de Ulises, del griego Theo Angelopoulos (director también de la magnífica La eternidad y un día), sin ser esta guerra el tema central de la cinta, (el protagonista, Harvey Keitel, busca los negativos de la primera película griega), si que en la parte última se desarrolla en el centro mismo del conflicto, dejando para la historia del cine esas secuencias entre la niebla que permite a los habitantes de la ciudad disfrutar del bullicio de las calles ocultos de losfrancotiradores. Pero esta misma niebla nos devolverá al horror que produce el sentir la violencia a nuestro lado sin poder verla.En Wellcome to Sarajevo del chico de oro inglés Michael Winterbottom (director entre otras de la gloriosa Wonderland) retrata a un grupo d eperiodistas que trata de sacar a unos niños de Sarajevo. El punto de vista de los periodistas es el que más juego ha dado en estas películas, ya que son también protagonistas en la española Territorio comanche (GerardoHerrero) y la reciente Las flores de Harrison de Elie Chouraqui, y con papeles destacados en Before the rain, estupenda película de Milcho Manchevski y la que hoy nos ocupa, En tierra de nadie. En alguna de ellas,especialmente en Las flores de Harrison, da la impresión de que compiten entre ellas por mostrar la barbaridad mayor (recordad la secuencia en que unos milicos meten a unos críos en una habitación y arrojan una granada dentro). Pero exceptuando la de Angelopoulos son las películas rodadas porlos propios yugoslavos (o lo que sean ahora) las que dan una dimensión moral mayor a la tragedia. Mención aparte merecen el cine de Emir Kusturica, al que se ha acusado de pro-Servio y algunos de cuyos títulos anteriores a la guerra ya dejaban claro que algo iba mal, y El polvorín, de Goran Paskaljevic (director de la galardonada "La otra América"), visión urbana del conflicto desde el punto de vista de los propios Servios, desmoralizante y sobrecogedora en su mensaje (aunque como película a mi no me hizo mucha gracia).
¿Qué aporta la cinta que (parece mentira) ahora nos ocupa? Pues ni mas ni menos que el punto de vista de las trincheras. En toda la cinta apenas se sale de una. Contaré primero someramente de qué va, para no reventársela a nadie. Un grupo de soldados bosnios se pierde en la noche y la niebla mientras busca el frente, y al amanecer se dan cuenta de que están en medio del campo de batalla y a tiro de los servios. Sólo dos sobreviven. Un par de servios van a la trinchera a ver lo que ha ocurrido y allí se encuentran alos supervivientes, quedando unos a merced de los otros y cambiándose los papeles alternativamente. Ahí es donde entra en juego la "comunidad internacional", que trata de cumplir su misión de no intervenir, con todo éxito, y que aparecerá sólo cuando una periodista (la gran Katrin Cartlidge, a la que vimos en Rompiendo las olas o Before the rain) meta las narices. Es unespectáculo gratificante ver a estos soldados de la paz, tan aclamados ensus países de origen, cumplir su labor con tanta diligencia y eficacia... Lo han demostrado hasta la saciedad, (y lo siguen haciendo), y este es uno de los puntos donde la cinta se muestra más crítica.
A pesar de lo dramático que pueda parecer, la película trata el tema con humor, al menos en la primera parte, y sin maniqueísmos (dejando a todos igual de mal, quiero decir), dando un punto de vista más cercano a la realidad (creo) que los telediarios o las películas de otros países. Los actores cumplen, (yo siento debilidad por Katrin Cartlidge), y el director se mueve con eficacia en un guión que crece en intensidad dramática sin fisuras, sin que en ningún momento decaiga la película. Tras los premios en Cannes (mejor guión) y otros festivales, y el reciente y merecido oscar a la mejor película extranjera (al menos entre las tres que he visto era mi favorita), quizá se relance esta película sin concesiones,que da mucho que pensar (una de las funciones, a mi entender, del cine), y que bien merece una sala llena.

El imperio de los sentidos,1976

El IMPERIO DE LOS SENTIDOS
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Hoy a las 10:06
Nuestro título evoca la famosa película de Nagisa Oshima de finales de los setenta. El amante movido por el sentido de la seducción y el erotismo conquista a la amada. La pasión del sexo se transforma en el único sentido de la relación. El sexo destrona la seducción. La relación misma genera otros sentidos.

La amada quien en el inicio es el objeto sexual del amado, en el juego sexual, transforma el sentido de eros en tánatos. Precisamente, porque el final de todo juego es jugar hasta que termine, no hay construcción, no hay después, no hay mañana.El objeto sexual se hace un sujeto y su sentido es único, la muerte.

La ausencia absoluta de los amantes como señal de permanencia en lo único que tenía sentido, el sexo como juego. Allí está la paradoja mortal que plantea el film, la destrucción de la seducción por la presencia absoluta de su manifestación placentera, de su juego, el sexo.

El poder, al igual que el sexo, es la arena seductora donde los diversos se encuentran para vivir o morir. La política es una apuesta erótica, es seductora, por su aliento de vida, de transformación, de cambio, de sueños infinitos, por los instantes de sentir el poder darle dirección a una sociedad… La permanencia en la arena del sexo o del poder transfigura los sentidos de seducción en destrucción. Porque los sujetos se dejan llevar por el río de lo dado hasta su muerte. Es un ámbito no de afirmación de la existencia, sino de la negación más plena de la vida. La película es una metáfora que debe alertar a los seguidores del gobierno, a sus actores políticos, a sus intelectuales pero también, a la población en general por el destino del país. Este juego tiene consecuencias nefastas para la vida en común.

El Uh Ah erotizante de una gran parte de la población terminará en el Oh! Ah! del terremoto social. ¿Cómo detener esta pasión enloquecida de estar en el juego permanente de una diatriba electoral? ¿Cómo detener los sentidos que estallan en el mundo de la vida por aquél que se enloqueció por el poder, transfigurándose en la crudeza de sentir que ahora y para siempre será el conductor de la historia? ¿Quién puede pensar en construcción, en cambio, en revolución? ¿Cuál cultura? ¿En qué horizonte?

El poder sedujo de tal manera al presidente que ya el asunto no es gobernar. Su sentido es permanecer en la contienda, para legitimar una y otra vez su mando. Para encarnar de una vez y para siempre su sitial de salvador de la patria. Para ello, su amado pueblo tiene que negarse una y otra vez frente a él, nadie puede afirmarse, nadie puede brillar. Los gobernadores dejaron de ser actores políticos. Se confiesan, sin ningún tipo de vergüenza, sin ninguna ristra de dignidad, en objetos permanentes de la voluntad de su señor, quien juega a sus antojos con todos y cada uno de ellos. El gobernador de Mérida, Marcos Díaz, en declaración publicada el 9 de diciembre resume lo afirmado: “El líder es Chávez. Ninguno tiene aspiraciones. Es absurdo. Tenemos un líder y por él daremos la vida. No somos importantes.

Sólo Chávez.”La declaración no sólo es patética sino que es un síntoma de descomposición del juego social y político que estamos viviendo. No es posible que algunos, intentando encontrar un hilo de racionalidad, aún en la desproporción de la brutalidad del acto del gobierno, sientan que es posible encontrar un resquicio para debatir y diferenciar una reforma de una enmienda (por ejemplo) aunque ambos nombres tengan dentro de sí un contenido idéntico: la reelección indefinida.

El problema al final de la cuentas no este leguleyerismo de cuarta categoría de la asamblea y de los retruécanos de los “intelectuales perrito é taxis”, sino de los sentidos que empiezan a florecer y a configurarse dentro de una sociedad. Se trata no sólo de una rotura del sentido de la política sino de una manifestación atroz de una corrupción ética. Se trata del síntoma de una enfermedad que habita en el cuerpo social, de un cáncer.

La manifestación más evidente es cuando un sujeto se cree el conductor del destino de un país, de un continente y la sociedad discute lo acertado o no de la afirmación. Esto sucede cuando la seducción política se transforma en perversión.

JONATAN ALZURU APONTE

Ficha tecnica de la película

TITULO ORIGINAL
Ai-no corrida (L'Empire des Sens)
AÑO
1976
DURACIÓN
100 min.
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PAÍS
DIRECTOR
Nagisa Oshima
GUIÓN
Nagisa Oshima
MÚSICA
Minoru Miki
FOTOGRAFÍA
Hideo Ito
REPARTO
Eiko Matsuda, Tatsuya Fuji, Aoi Nakajima, Taiji Tonoyama, Kanae Kobayashi, Melka Seri
PRODUCTORA
Coproducción Japón-Francia; Oshima Productions / Shibata Organisation (Tokio) / Argos Films (París)
GÉNERO Y CRÍTICA
Más información
Erótica. Drama / SINOPSIS: Una pareja de amantes vive una historia de amor al límite. La pasión se ha adueñado de ellos. El sexo ha pasado a ser lo más importante de sus vidas. Poco a poco sus juegos eróticos van traspasando fronteras. Las ansias de la mujer por poseer a su hombre parecen crecer cada vez más, hasta llegar al límite... (FILMAFFINITY)----------------------------------------Drama erótico que causó sensación en Cannes, donde se tuvieron que dar 13 pases, algo sin precedentes. Un clásico del erotismo que triunfó precisamente por su seriedad en la presentación del sexo explícito. (FILMAFFINITY)----------------------------------------

La película es una bellísima sucesión de amor erótico entre una pareja de un hombre y una geisha. Ademas debería contemplarse en el análisis de la simbología japonesa de los colores ,los decorados y ambientes y los kimonos pue tienen un repertorio de significados muy rico distinto a los nuestros.

Hizo época el erotismo en escalada de un film pue valió la pena ver

Joaquin

Simbologia de los colores Publicado por Maikel 16:10 cultura, Japon, simbologia 0 comentarios »
domingo 27 de julio de 2008
Por lo general , la simbologia que se le dan a los colores es universal , pero ademas , en Japon hay muchos colores que tienen una simbologia especial , a continuacion , algunos ejemplos :

Azul （青）: Lo primero que en lo que se piensa es en el cieloPositivo , Esperanza , verdad , respeto , lealtadNegativo , Mentira , lejania , frialdadEl Azul representa tranquilidad y en Japon es el color de la Brujeria , encontrar una flor azul o un pajaro azul es simbolo de buena suerte.

Rojo （赤）: El sol (del amanecer o atardecer) y la sangrePositivo , fuego (deseos de lucha) , calor , amor , filialidad , cualidad , capacidadNegativo , fugaz , poco tiempo , corta vidaEn gran parte , mas que el espiritu , el rojo representa a la carne , en Japon se piensa que el rojo tiene poderes curativos , se usa el HARAMAKI (腹巻　banda para cubrir el estomago) de color rojo para mantenerlo caliente , mejorar las funciones estomacales e intestinales ademas de las de los organos reproductivos (hormonales).

En los anuncios de las farmacias (antiguas) hay un TENGU (天狗　Un dios de la antiguedad , tiene una larga nariz y su cara es de color Rojo) , a los ancianos de 60 años , se les viste con un CHANCHANCO (チャンチャンコ　vestimenta como chaleco) de color rojo para desearles salud y larga vida. Tambien el HANKO (はんこ　sello personal) se pone en este color pues es simbolo de la propia carne (como una firma con sangre).

Anaranjado （オレンジ）: La fruta madura , tambien perfeccion o eternidad Positivo : felicidad , proteccion , fertilidad , bondadNegativo , envidia , mala intencion , resentimiento Es muy raro que se use su significado negativo , en Japon , se le relaciona mas con el fuego , los deseos de lucha y progreso y como las frutas , para desear el desarrolo y crecimiento de los niños. Se acostumbra poner una mandarina (naranja) sobre el MOCHI (餅　pasta de arroz) de fin de año , para que el proximo año sea mejor (de mas progreso) que el actual.

Amarillo （黄色）: Oro o el solPositivo : Luz , intuicion , conocimiento , sabiduria , calor , bonanzaNegativo , infertilidad , traicion , desconfianza , temorAunque la bandera de Japon tiene un sol rojo , desde la antiguedad se utilizaba el color amarillo , tambien es el color del emperador. Actualmente se le ve como simbolo de notoriedad.

Negro （黒）: El color que no es color , el antes de el comienzoPositivo : Calidad , cualidad , origen , fuerza , desicionNegativo , muerte , oscuridad , ignorancia , supersticionMas se ve como el color del luto y a veces peor pues representa lo que esta debajo de la tierra (el infierno) , tambien representa al (transcuro del) tiempo.

Blanco （白）: El color de (la union de) todos los colores , Eternidad Positivo , santidad , pureza , limpieza , eternidad , inocenciaNegativo , frialdad , aislamientoEn Japon , el color de los dioses , pues se relaciona con la luz (transparente) libre de impurezas

Marron （茶色）: La tierraPositivo , otoño , fertilidad , bonanza , simplicidad , sumisionNegativo , tristeza , desgastamiento , dependenciaEn Japon , es el color de la bonanza de la tierra y el campo , pero tambien el color del desierto

Gris （灰色）: impresicionPositivo , proteccion , tranquilidad , recato , serenidadNegativo , miedo , egoismo , envidia , conspiracion No es negro ni blanco , en japones se utiliza "resultado gris" （灰色決着）　es decir , confuso , impresiso. Tambien es el color de las nubes (que traen la tormenta) , inseguridad , miedo por el futuro.

Verde （緑）: El bosque (la naturaleza)Positivo , primavera , naturaleza , vida , frescura , inocencia , juventud , felicidad , paz , amistad , etc.Negativo , muerte , enfermedad , putrefaccion , miedo , mala suerteEn Japon se le relaciona con la naturaleza y bonanza , la felicidad de vivir.

Morado （紫）: Fuerza y poderPositivo , Honor , reconocimiento , sabiduria , conocimientoNegativo , sufrimiento , sumision , muerteAntiguamente era un color que estaba prohibido usar por la gente del pueblo y solo podian usar los nobles en Japon. Si se fijan un poquito veran que los diplomas , condecoraciones y premios siempre van atados con una cinta de color morado (oscuro) o tienen adornos de ese color como simbolo de reconocimiento

Driving Miss Daisy

Paseando a Miss Daisy
Título original
Driving Miss Daisy
Nacionalidad
Estados Unidos de América
Año
1989
Género
Drama
Formato
Color
Director
Bruce Beresford
Guión
Alfred Uhry
Fotografía
Peter James
Música
Hans Zimmer
Reparto
Morgan Freeman, Jessica Tandy, Dan Aykroyd

Sinopsis
Daisy (Tandy) es una vieja judia a la que tras un accidente automovilistico, su hijo (Aykroyd) le impone un chofer (Freeman) para que la acompañe a todos sitios. La relación entre el chofer y la vieja durará más de 30 años.

Crítica
Puntuacióndel crítico: 5Peliculilla con aspecto de haber sido echa para la televisión que en 1989 ganó el Oscar y yo aún sigo sin entenderlo porque la película no es nada del otro mundo y además está bastante mal estructurada ya que los saltos de tiempo están metidos a palanca y sin fu ni fa en 30 minutos el guionista te esplica 30 años de historia inconexos entre sí y que distinguimos por el horrible maquillaje que lucen los actores, quienes por cierto no estaban en su mejor momento, la Tandy (que le robó el Oscar Michelle Pfeiffer y Jessica Lange) en toda la película no hace absolutamente nada remarcable a excepción de ese patético momento de locura senil por el que probablemente la academia la votó; mientras que Morgan Freeman (en una de sus peores interpretaciones) se limita a reirse tontamente a cualquier parida que dice la vieja "Oh, señorita Daisy, ¡Qué cosas dice usted, Jojojojo!; y lo de Dan Aykroyd no tiene nombre, sale 10 minutos posando y por ello también le nominaron; sin mencionar la horrible y empalagosa música de Hans Zimmer.

Para verla si no hay algo más decente en la tele.Y por cierto por mucho que se ria Morgan Freeman y por mucho Globo de Oro de comedia que ganase, la película es puro drama.Palmarés:4 Oscar: Película, Actriz (Tandy), Guión adaptado y Maquillaje.Nominaciones: Actor (Freeman); Secundario (Aykroyd); Vestuario, Decoración y Montaje.3 Globos Oro: Película, Actor y Actriz.

Driving Miss Daisy
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Driving Miss Daisy
Título
Conduciendo a la señora DaisyPaseando a la señora DaisyEl chófer de la señora DaisyEl chófer y la señora Daisy
Ficha técnica
Dirección
Bruce Beresford
Producción
Richard D. ZanuckLili Fini Zanuck
Guión
Alfred Uhry
Música
Hans Zimmer
Fotografía
Peter James
Reparto
Jessica TandyMorgan FreemanDan AykroydPatti LuPone
Datos y cifras
País(es)
Estados Unidos
Año
1989
Género
DramaComedia
Duración
99 minutos
Compañías
Productora
Warner Bros
Ficha en IMDb
Driving Miss Daisy, también conocida como El chófer de la señora Daisy, Conduciendo a Miss Daisy, El chófer y la señora Daisy y Paseando a Miss Daisy es una película estadounidense de 1989, adaptada de la obra de Alfred Uhry Driving Miss Daisy para la Warner Brothers. La película fue dirigida por Bruce Beresford con Morgan Freeman y Jessica Tandy en los papeles protagonicos. La historia define a la señora Daisy y su punto de vista a través de una red de relaciones y emociones que se desarrollan en su casa, en la sinagoga, entre sus amigos y familiares, temores y preocupaciones. Hoke rara vez se ve fuera de la prescencia de la señora Daisy, aunque el título implica que la historia es contada desde su perspectiva. La película fue ganadora del premio de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas a mejor película en 1989.

Argumento [editar]
En 1948 la Señora Daisy Werthan, una viuda judía de 72 años, vive en Atlanta, Georgia, en la compañía de su trabajadora domestica afroamericana llamada Idella. Después de un accidente en su automovil Chrysler el hijo de la Señora Daisy, Boolie, le contrata un chofer porque ninguna compañía de seguro le asegurara, ella se niega, pero Boolie está decidido para encontrar uno. Mientras tanto, ella está parada en casa incapaz de relizar sus compras, visitas a sus amigos y asisitir a la iglesia, por no poder conducir. Boolie encuentra a un hombre, Hoke Colburn, la señora Daisy en un principio se niega a la ayuda de Hoke, ante el hecho de que las personas puedan llegar a creer que es demasiada vieja y tonta para para conducir. La señora Daisy llega a la aceptar Hoke y el hecho de que ella necesita ayuda para transportarse.

La señora Daisy descubre que Hoke no sabe leer, y por su antigua profesión como maestra le enseña cómo leer. La señora Daisy tiene que asistir a la fiesta de cumpleaños número noventa su hermano en Mobile, Alabama. Hoke le revela, durante el viaje, que es la primera vez que él ha salido del Estado de Georgia.

Durante su viaje de Atlanta a Mobile, la señora Daisy comprende en varias circunstancias durante el viaje sobre los aspectos sociales y los prejuicios raciales. Al paso del tiempo la señora Daisy toma aprecio por Hoke ante varias circunstancias. En 1965, mientras veían la televisión en la cocina, Idella muere. la señora Daisy entristece por la cercanía y el tiempo que compartió con Idella, y acompañada por su familia son las únicas personas blancas en el funeral. Ante los importantes cambio sociales de la época, la señora Daisy observa con especial atención los prejuicios y la discriminación hacia los negros y los judíos por lo que asiste al dicurso en Atlanta del Dr. Martin Luther King, invitando inicialmente Boolie a la cena, pero él se medita sobre su posición y los pensamientos de sus asociados ante la asistencia al acto y sugiere a la señora Daisy invitar a Hoke. la señora Daisy no menciona la invitación a Hoke hasta que él está llevándole a la cena. Su renuencia a invitar a Hoke subraya el racismo pasivo que a menudo pasa desapercibido en comparación con el racismo más abierto y agravado.

Pocos años más tarde, Hoke se llega a casa casa de la señora Daisy y la encuentra en un estado de confusion, él llama Boolie y le dice que su madre se encuentra mal. Antes de la llegada de Boolie logra tranquilizar a la señora Daisy y ella le revela a Hoke que él es su mejor amigo sujetándole mano. Boolie decide que lo mejor para su madre es que sea atendida en una casa de retiro. Dos años más tarde, en 1973, Boolie decide vender la casa de la señora Daisy, y Hoke se ha retirado de la conducción.

Hoke ahora cuenta con 85 años y la señora Daisy con 97 años. Boolie y Hoke se reúnen por último en casa de la señora Daisy y parten de ella a la casa de retiro para visitar la señora Daisy. La película termina con Hoke dando de comer una pieza de pie a la señora Daisy, ambos recordando viejos tiempos y mezclado con la imagen del Hudson que inicialmente Hooke condujo para la señora Daisy desplazandoce por la una calle con rumbo al horizonte.

Comentarios [editar]
Driving Miss Daisy es una la primera obra de teatro de la denominada "Trilogía de Atlanta" de Alfred Uhry, en las que se narra la vida de algunos miembros de la comunidad judía en la ciudad de Atlanta, Georgia. Alfred Uhry consiguió un gran éxito con su obra, llegando a ganar el Premio Pulitzer para obras dramáticas.
El titulo de la película debe ser interpretado como Manejando a la señora Daisy por el papel de Hoke al lidiar con el caracter de la señora Daisy

VIDEOS MUSICALES DE DRIVING MISS DAISY

http://www.solorecursos.com/musica/musica-video.php?id=Driving+Miss+Daisy

El cine y su impacto en las elecciones norteamericanas

Por Tim Robbins

Hollywood ha calentado el ambiente con películas, vídeos y documentales electorales que no han pasado desapercibidos. Oliver Stone puso en el punto de mira la vida de George W. Bush en la satírita biografía cinematográfica 'W', estrenada poco antes de las elecciones. Michael Moore también quiso poner su granito de arena con el documental 'Milk', la biografía sobre el primer político estadounidense que hizo pública su orientación sexual hacia los hombres, Harvey Milk, interpretado nada más y nada menos que por Sean Penn.
Steven Spielberg ha sido más neutral y se decantó por dirigir un vídeo electoral para movilizar a los votantes sea cual sea su color político. Bajo el lema 'No votes' y en clave de humor Will Smith, Harrison Ford, Tom Cruise, Julia Roberts, Leonardo DiCaprio, Orlando Bloom o Scarlett Johanson, se dirigen a los ciudadanos estadounidenses para pedirles que no voten el 4 de noviembre.
La última en apuntarse al carro de los documentales electorales ha sido Kirsten Dunst, quien ha viajado a Dakota del Norte, el único lugar de Estados Unidos en el que no es obligatorio estar registrado para votar, para rodar un documental sobre cómo vota la población estadounidense.

LA POLÉMICA DE LAS ELECCIONES
La polémica más sonada la ha protagonizado el actor estadounidense y activista liberal Tim Robbins, que necesitó cinco horas y una orden judicial para poder ejercer su derecho al voto en Nueva York, ya que su nombre había sido retirado del censo de su centro electoral. El ganador de un Óscar por su papel secundario en 'Mystic River' (2003) fue a votra y allí se encontró con la sorpresa: le comunicaron que su nombre no estaba incluido en el censo de electores.
El actor y director aseguró haber acudido a ese mismo centro desde 1992 y, desde entonces, nunca ha dejado de ir a votar, no ha modificado su domicilio y tampoco ha cambiado de afiliación política, motivos todos ellos que podrían explicar que se le hubiera excluido del censo. Los responsables ofrecieron al conocido actor la oportunidad de cumplimentar una papeleta provisional, pero éste rehusó, asegurando que ese tipo de voto puede terminar no sirviendo para nada. Desde hace meses, Robbins ha venido pidiendo a los estadounidenses en diversos medios de comunicación que no utilicen ese tipo de papeletas. "Si es su última opción, tómela, pero luche antes por su derecho a ejercer el voto. Es su derecho como estadounidense", aseguró el actor de 50 años, quien finalmente necesitó hasta cinco horas, además de una orden judicial, para conseguirlo.
Entre apoyos, denuncias, documentales y polémicas la carrera hacia la Casa Blanca ha llegado a su fin con Barack Obama como ganador. Los ciudadanos lo han elegido y Hollywood ha dejado su huella en la campaña, lo que ya es una tradición. La meca del cine volverá a involucrarse en la vida política de EEUU, ocurrirán nuevas anécdotas y polémicas, pero habrá que esperar otros cuatro años para verlo.
Medio mundo ha seguido las elecciones norteamericanas conscientes del impacto internacional que supone la elección del presidente de EEUU... políticos, empresarios, medios de comunicación, ciudadanos anónimos y, cómo no, la industria de Hollywood que, una vez más, ha participado activamente en la campaña electoral ya sea para recaudar fondos o para difundir las ideas con las que comulgan. En este sentido, muchos actores han proclamado sus ideas a través de vídeos electorales, canciones en favor de un determinado candidato (el mejor ejemplo se puede encontrar en YouTube buscando 'Yes, we can') o, simplemente, declarando abiertamente a quién iban a votar.

A lo largo de la intensa campaña electoral, la meca del cine se ha posicionado casi al completo a favor del candidato demócrata, ya presidente de EEUU, Barack Obama. La lista de iconos del Hollywood actual que han demostrado públicamente su apoyo a Obama es extensa y diversa. Constan en ella, para sorpresa de los que afirman que la juventud no se moviliza a nivel político, un buen número de los jóvenes valores de la industria: de Scarlett Johansson a Jessica Biel, de Ben Affleck a Matt Damon pasando por Elijah Wood, Leonardo DiCaprio, Jessica Alba, Jennifer Aniston…
La lista continúa con algunos veteranos militantes, como Susan Sarandon, George Clooney (uno de los más activos en su apoyo), Robert de Niro, Tommy Lee Jones, Antonio Banderas, Sharon Stone o Tom Hanks. Mientras que el grueso de los actores afroamericanos también se ha situado del lado de Obama, empezando por Will Smith, continuando con Eddie Murphy o Forrest Withaker, y sentenciando con Halle Berry y Tyra Banks. Para rematar el asunto, encontramos entre los fans incondicionales del candidato demócrata al humorista del momento en Hollywood, Ben Stiller, y al super-héroe más cotizado: Tobey “Spider-man” Maguire.

Del rosa al amarillo

Título original: Del rosa al amarillo

Año: 1963

Duración: 90

Compañía Productora: Eco Films S.A. Impala, S.A. Distribuidora: C.B. Films S.A. Distribuidora DVD: Sogepaq

Género: Comedia

Reparto: Antonio Alfonso Vidal, Antonio D. Olano, Cristina Galbó, José Vicente Cerrudo, Juan Ramón de la Cuadra, Júlio Martín, Lina Onesti, Manuel Summers, María Hevia, María Jesús Corchero, Pedro Díaz del Corral, Pilar Gómez Ferrer, Sergio Mendizabal, Valentín de Miguel, Vicente LLosá, Dirección: Manuel Summers, Productor: Francisco Lara, Manuel Summers, Guión: Manuel Summers, Música: Antonio Pérez Olea, Fotografía: Francisco Fraile, Montaje: Antonio Gimeno, Dirección artística: Recaudación: 19.884,05 € Espectadores: 36.760 Nacionalidad: España Fecha de Estreno: 05-09-1963 Trailer: Clasificacion: NO RECOM. MENORES DE 13 AÑOSUltima Actualización: 25-05-2005Fondo: Filmoteca BasecinePremios:

Sinopsis:
Guillermo, de 12 años, está enamorado de Margarita, de 13.

Un día Margarita, por medio de su mejor amiga, "La Ratona", confiesa a Guillermo que le gusta. Llegan las vacaciones. Margarita en la playa y Guillermo en el campo, intercambian cartas de amor. A la vuelta, Guillermo se pone sus primeros pantalones largos y corre a reunirse con su amada, pero sólo encuentra a "la Ratona" con un nuevo mensaje.

En la segunda historia, Valentín y Josefina pasan sus últimos años en el asilo. Como allí, hombres y mujeres están separados, se conforman con intercambiar cartas y tiernas miradas en la capilla, dadas las absurdas y obsoletas reglas del lugar...

GÉNERO Y CRÍTICA
Más información
Drama. Romance / SINOPSIS: Dos historias de amor destacan en esta película: dos niños de 12 y 13 años, Guillermo y Margarita, obligados a dejar de verse durante el verano, y una pareja de ancianos, Valentín y Josefa, que se aman en silencio en el asilo donde viven. (FILMAFFINITY)

Juan Miguel Lamet (Director cinemátografico de la epoca)

habla sobre "Del Rosa al Amarillo"

http://www.youtube.com/watch?v=fqpVbwMcV_Y

CRITICA

Del Rosa al Amarillo
Abril 3, 2001

DIRECTOR: Summers, Manuel

PAIS: España

A principios de los años sesenta, las tendencias del cine crítico promovido por las nuevas generaciones de realizadores, se encontraban en plena aceptación y desarrollo.
En 1963 Manuel Sumers, dibujante de humor ácido (“humor gris marengo”), inicia el trasplante a la pantalla su corrosiva filosofía gráfica.

En su primera película, “Del Rosa al Amarillo”, mezcla de forma inteligente, la historia del más inocente y candoroso amor, en dos casos aparentemente contrapuestos, con el mundo autoritario y represivo en el que se suceden.
En el primer relato, expone la ingenua aventura sentimental de un primer amor de pubertad (estilo que nos recuerda las formas de hacer, de la entonces naciente “nouvelle vague”). El argumento nos puede parecer tierno, nostálgico o divertido, pero la verdadera carga de profundidad, esta colocada en la cruda descripción, como escenario natural, de un sistema de educación, que visto con la suficiente perspectiva histórica, hiela la sonrisa al más escéptico.
En la segunda historia, el mismo candoroso sentimiento, se desarrolla ahora entre dos ancianos que viven (pero no conviven) en un asilo de monjas. Aquí la ternura se hace, quizás, excesivamente melodramática, pero como en la primera parte, el verdadero sentido del filme, esta en el retrato desnudo de la estremecedora realidad, que se desarrolla tras los muros de las entonces cínicamente llamadas “casas de amparo”.
Sorprende de Sumers, como, en su primera película, acierta perfectamente a combinar la nostalgia de la inocente adolescencia, o del idílico romance otoñal de dos abuelos, con la severa crítica a la dictadura política, social y religiosa del país. Y sorprende más, porque, a la postre, ésta va a ser su mejor obra y prácticamente la única que se pueda encuadrar en el cine de calidad de esa época; su obra posterior, se perderá cada vez más en una fracasada línea comercial y facilona.

Y....

Cancion de Joaquin Sabina

Del rosa al amarillo (doloras)
24 de Septiembre, 2007 Categoría: Sonetos
Por los cerros de Úbeda anduve el otro díade vuelta a los zaguanes azules de mi infancia,

los olivos bordaban su antigua geometría,

el tiempo es un exilio más cruel que la distancia.
Escarbé en los desvanes de los viejos baúlesbuscando en dobles fondos el eco de una brasa,

los años apolillan los besos y los tules,

ninguna edad es buena para volver a casa.
Con su trabajo sucio las uñas del olvidose ensañan con el luto del alma trashumante,de todo lo ganado, de todo lo perdido,

apenas sobrevive la sombra de un instante.
Aquí nací; sin bici ni perro que me ladre

dejé en los soportales la huella de mi canto.

Aquí, ya en otro siglo, las hijas de las madresque amé tanto me besan como se besa a un santo.
Yo iba a los salesianos, ella a las carmelitas,calcetinitos blancos y babi azul marino,la tarde que me dijo que sí la margarita

estrené un corazón fluvial y ultramarino.
Dormitaban los trenes en Linares-Baezasin pasar por tu Mágina,

pobre Muñoz Molina,la miel de otras colmenas hervía en mi cabeza,

entre tantos Martínez elegí ser Sabina.
Arrecia el vendaval de hojas de calendario,

la luna es un semáforo de carne de membrillo,

esta noche me espera Madrid, otro escenario

y tres generaciones del rosa al amarillo.

Poema: Del rosa al amarillo (doloras)

Año: 2007, Interviú